IN MEMORIAM: RIK MAYALL

Nació el 7 de marzo de 1958 en Essex (G.B.).

Hijo de profesores de arte dramático, se mudó junto a sus padres a Worcestershire, y ya en su infancia hizo sus primeros trabajos interpretativos en las obras teatrales de ambos. Tras estudiar interpretación en la Universidad de Manchester, se dio a conocer en The Comedy Store formando pareja humorística con su amigo Adrian Edmonson en 1980. Juntos representaron extremos números cómicos de slapstick bajo el nombre de "Los hermanos peligrosos". Su popularidad lo llevó a actuar en el cortometraje televisivo "The Comic Strip" (1981), a realizar participaciones en el programa "Saturday Night" (1986), y a protagonizar  el vídeo humorístico "Dangerous Brothers Present: World of Danger" (1987).

A comienzos de los 80 hizo sus primeros trabajos interpretativos en el cine realizando breves papeles en los films los británicos "The Orchard End Murder" (1980) y "El ojo de la aguja" (1981), así como en los norteamericanos "Un hombre-lobo americano en Londres" (1981) de John Landis y "Shock Teatment" (1981).

Tras intervenir en un episodio de la serie "¿Holocausto nuclear?, ¡lo que nos faltaba! (1982), entre 1982 y 1984 triunfó en la televisión británica interpretando al personaje de Rik en la sitcom de 2 temporadas "Los jóvenes", donde también compartió reparto con Edmonson.

En 1983 protagonizó el programa de sketchs "La hora de Rik Mayall" (que se prolongó de manera interrumpida hasta 2012). Ese mismo año dio vida a Mad Gerald en un episodio de la primera temporada de la prestigiosa sitcom "La víbora negra". En 1986 fue Flashheart en un capítulo de su segunda temporada, en 1989 interpretó al Comandante Lord Flashheart en otro episodio de su cuarta parte, y en 1999 apareció en el especial "La víbora negra: Viaje en el tiempo".

En 1987 protagonizó la sitcom de una temporada "Filthy Rich & Catflap", y acto seguido logró un nuevo triunfo con otra serie de humor: "Un diputado fantástico" (1987-1992), donde encarnó al político conservador Alan B'Stard durante 4 temporadas.

En 1988 participó como secundario en la comedia "La loca guerra de Inglaterra", y en 1991 fue actor de doblaje en el film animado "La princesa y los duendes". Convertido ya en uno de los grandes cómicos televisivos de su país, volvió a unirse a Adrian Edmonson para coprotagonizar la desmadrada y emblemática sitcom "La pareja basura", que se mantuvo 3 temporadas en antena. Su éxito provocó que ambos protagonizasen diversos especiales para vídeo y una película titulada "Hotel Paraíso" (1999).

También fue actor de reparto en las comedias "Little Noises" (1991) y "La loca pandilla de Chris Columbus" (1992), y en el telefilm "El fantasma de Canterville" (1997). En 1997 cambió de registro participando en 2 episodios de la serie dramática "Policía de barrio". Ese mismo año ganó un Emmy a la Mejor interpretación de doblaje por el telefilm animado "The Willows in Winter". En 1998 sufrió un grave accidente de quad del que a pesar de pasar un tiempo en coma, logró recuperarse.

En 1999 fue prestó su voz a la serie animada "Watership Down". En 2000 protagonizó la película de aventuras de bajo presupuesto "Merlin: The Return", y en 2001 actuó en la serie "Tales of Uplift and Moral Improvement". Posteriormente fue actor de reparto en otros films como "Esquía como puedas" (2001), "Chaos and Cadavers" (2003), "Churchill: The Hollywood Years" (2004). "Just for the Record" (2010) y "Errors of the Human Body" (2012). En 2003 encabezó el reparto de la comedia "Oh Marbella!". En 2004 fue secundario en la serie infantil de aventuras "Shoebox Zoo", y un año después dobló la película de animación "Valiant". En 2005 protagonizó la comedia dramática de una temporada "All About George", y luego prestó su voz al Rey Arturo en la serie animada "King Arthur's Disasters" (2005-2006). A finales de la primera década del siglo XXI fue actor invitado en las series "Minder" y "Miss Marple". En 2013 actuó en dos nuevas series: la sitcom "Damo and Ivor" y la comedia dramática "Man Down". Hay que señalar que también fue guionista de sus propios trabajos televisivos, y desarrolló una amplia trayectoria teatral en los escenarios británicos. En lo personal, desde 1985 estuvo casado con la maquilladora Barbara Robbin, madre de sus tres hijos. Rik Mayall falleció de muerte súbita cuando se encontraba en su casa londinense, el día 9 de junio de 2014 y a la edad de 56 años.

ENCUENTRO CON JOSE LUIS GARCI Y JAVIER RIOLLO

El 5 de junio de 2014, el realizador, guionista y escritor Jose Luis Garci, y el director de documentales y periodista Javier Rioyo llevaron a cabo una distendida charla en el Casino de Tenerife, donde moderados por el periodista Carmelo Rivero, hicieron un repaso por diversos aspectos de sus trayectorias profesionales y manifestaron sus opiniones sobre el cine clásico y la actual situación del medio audiovisual.

En la foto: Javier Rioyo y Jose Luis Garci.

Jose Luis Garci comentó sus razones por las que decidió finalizar su carrera como director afirmando "Dejé el cine para dar paso a la nueva generación, el Rey Don Juan Carlos ha hecho lo mismo siguiendo mi ejemplo (bromeó). La vida es un relevo, y cuando uno se jubila no hay que entristecerse. He hecho las películas, series y documentales que quería, y a veces pienso en directores geniales como Billy Wilder, que ya en su última película "Aquí un amigo" (1981) no estaba a la altura, o en la etapa final de Di Stéfano como futbolista, donde ya no daba la talla. He hecho las películas, series y documentales que quería, pero ya no tengo ganas de volver a luchar por convencer a nadie para levantar nuevos proyectos, aunque como decía aquella película de James Bond "Nunca digas, nunca jamás", y quizá si me ofrecieran algo que me gustase lo aceptaría, pero se que eso no va a pasar".

En su valoración del cine clásico afirmó que "El Hollywood de entre los años 20 y 60 fue un momento único por la eclosión de talento, convivieron en la misma ciudad Billy Wilder, John Ford, Alfred Hitchcock o Leo McCarey, y las películas estaban escritas por autores como F. Scott Fitzgerald o Bertolt Bretch, y eso era maravilloso. Hoy es difícil hacer películas con la carga emotivida de "Lo que el viento se llevó" (1939), "Casablanca" (1942), "Encadenados" (1946) o "Vértigo" (1958), aunque también hay tros largometrajes inolvidables que no son tan recordados,  como "Un extraño en mi vida" (1960), un melodrama de infidelidades con Kirk Douglas y Kim Novak y dirigido por Richard Quine. En ese período de tiempo se hicieron centenares de obras maestras, muchas más de las que dio la pintura o la música. En 1939 "La diligencia" perdió el Oscar porque ganó "Lo que el viento se llevó" (1939), y en 1941 "Ciudadano Kane" fue derrotada por "¡Qué verde era mi valle!". Sin embargo, ahora los académicos votamos entre 10 películas, habiendo muchas de las que no nos acordaremos un año más tarde.

El cine de aquella época era una vida de repuesto para todos aquellos que vivíamos en una España gris, veíamos con asombro el american way of life, donde los protagonistas tenían coche y electrodomésticos, comían cereales para desayunar, y sus hijos iban al colegio en autobús. Ahora estamos en otra era, ni mejor ni peor, sólo diferente, aunque desde mi punto de vista, desde que quitaron las cortinas en los cines eliminaron la magia. Ahora, salvo unos pocos, muchos no van al cine, sino al centro comercial a tomar algo, y si cuadra van a ver una película.

Como espectador me gusta revisar las películas que descubrí hace mucho tiempo, las asocio a cuando acudía a verlas en el metro, de lo actual prefiero las series, productos que son un poco elitistas de canales de pago americana, como "True Detective" (2014) de la HBO, que es una obra maestra de 8 episodios". Respecto a las que ya no se emiten, me quedo con "Los Soprano" (1999-2007), "El ala oeste de la Casa Blanca" (1999-2006), "The Wire" (2002-2008) o "Breaking Bad" (2008-2013)".

En lo referente a su opinión sobre el cine y la televisión española, comentó que "En España se intentó hacer un cine de estudio al estilo norteamericano, y también hubo un cine con influencias en el neorrealismo italiano como "Surcos" (1951), pero para mí el gran maestro es Berlanga, del que aprendí muchísimo,, y que sin embargo hizo un cine muy español que injustamente no se entendió fuera de nuestras fronteras, como ocurrió con "Patrimonio nacional" (1981), que retrataba los años de La Transición. Respecto a nuestra televisión, pienso que se han hecho obras de gran calidad gracias a Narciso Ibáñez Serrador o Antonio Mercero, y hay series magníficas como "La huella de crimen" (1985-1991). Uno de los grandes problemas de nuestra industria es que el cine no tendría que acudir a las subvenciones si los productores también se llevasen un porcentaje de los anuncios que aparecen antes de empezar las películas, o de los alimentos que compran los espectadores, y que no se venderían de si no se proyectasen estas obras".

El director también se definió a sí mismo como"Un ser prehistórico que no tiene coche, teléfono móvil, internet o blog. De hecho soy más del siglo XX que del XXI", y demostró su pasión por la ciudad de Nueva York "Me encanta viajar a este lugar, es una ciudad mutante maravillosa, lo peor es que ya me han detenido en varias ocasiones pensando que soy un terrorista de los más buscados llamado Jose Luis García, que es espero que algún día lo detengan, porque si no la próxima vez que vaya me veré obligado a avisar al cónsul" y por la ciencia-ficción "Aunque nunca pude adaptar mis historias de "Adam Blake" (1972) porque en aquella época no disponía de los efectos especiales necesarios, es un género no considero menor, y ha dado grandes escritores como Arthur C. Clark o Ray Bradbury, al igual que películas como "La humanidad en peligro" (1954), "La invasión de los ladrones de cuerpos" (1956), "2001: Un odisea del espacio" (1968) de Stanley Kubrick, "El imperio contraataca" (1980) o el cine de Christopher Nolan, que me parece excelente. Mi mayor acercamiento al género fue en la serie de terror "Historias del otro lado" (1991-1996), que constaba de episodios independiente".

En lo referente a Javier Rioyo, dejó claro que "Es una pena lo del retiro de Garci, porque aún le quedaban muchas historias que contar, desde un western a una historia de fútbol, por otra parte, recomiendo su libro "Ray Bradbury: Humanista del futuro (1971)". También afirmó "Estoy contento de que el cine español disfrute de éxitos de taquilla tan impresionantes como "8 apellidos vascos" (2014), que sin ser una obra maestra, ha servido para devolver a los espectadores a las salas de cine". Sin embargo, lo más curioso fue su historia centrada en la amistad entre Pablo Picasso y el actor Pepe Isbert "Ambos eran prácticamente vecinos y amigos en Madrid a pesar de sus diferencias ideológicas, con el primer con pensamientos de izquierdas y una vida sentimental atribulada, y el segundo siendo un hombre católico y marido fiel".

Sin lugar a dudas, el evento dejó un buen sabor de boca entre los asistentes, ya que por un lado sirvió conocer los paralelismos y la profunda amistad que une a Rioyo y a Garci, y por otra constató que al margen de que las películas del segundo sean mejores o peores y de ser el primer director español ganador de un Oscar a la Mejor película extranjera por "Volver a empezar" (1981), no cabe duda de que es un gran historiador del cine, como ya reflejó en su añorado programa "Que grande es el cine" (1995-2005), toda una lección para los que ya amábamos el séptimo arte.

5 SITCOMS DE ÉXITO PARA RECORDAR

Completando los artículos dedicados a las sitcoms norteamericanas, hemos hecho un repaso por algunos de los grandes éxitos del género emitidos entre 1988 y 1999, y que no habían sido comentados en profundidad en anteriores artículos.

MURPHY BROWN (1988-98):

Serie de la CBS creada por Diane English y protagonizada por Candice Bergen en el papel de Murphy Brown, una veterana y progresista periodista que trabajaba en la cadena FYI de Washington, y que regresa a su puesto como presentadora de informativos tras pasar una temporada en un centro de desintoxicación a causa de su alcoholismo. Entre sus compañeros figuraban el reportero Frank Fontana (Joe Regalbuto), el veterano presentador Jim Dial (Charles Kimbrough), la ex-Miss América Corky Sherwood (Faith Ford), y el joven y brillante productor Mike Silverberg (Grant Shaud). Al margen de su vida profesional, Murphy contrataba los servicios de Eldin Bernecky (Robert Pastorelli) para ayudarla a controlar sus adicciones.

En 1992 la serie alcanzó sus mayores cotas de popularidad cuando nuestra protagonista decidía convertirse en madre soltera, algo que no sentó nada bien al exvicepresidente Dan Quayle, que se quejó de que se tratase este tema en la sitcom, causando así una avivada polémica en los medios de comunicación que provocó que el episodio en que ella daba a luz lograse récords de audiencia con cifras de 35 millones de espectadores, y esa temporada se situase en el tercer puesto de los espacios con más audiencia (y entre 1991 y 1994 se colocó entre los 10 programas más vistos de Estados Unidos). Sin embargo, en su última etapa, los guionistas decidieron dar un giro y la periodista tenía que luchar para superar un cáncer, provocando una importante bajada de audiencia en la que fue su última temporada.

Dentro del gran número de actores invitados que pasaron por la serie encontramos a Garry Marshall, Scott Bakula, Paul Ruebens, Darren McGavin, Wallace Shawn, Larry King, David Paymer, Brenda Strong, Jane Seymour, Chris Elliott, Shelley Long, Julie Hagerty, Kathleen Freeman, Morgan Fairchild, Buck Henry, Curtis Armstrong, Mayim Bialik, Michael Chiklis, Loretta Devine, Mark-Paul Gosselaar, Teri Hatcher, William Schallert, Harry Shearer, Nikki Cox, Aretha Franklin, Anne Heche, Brittany Murphy, Ian Abercrombie, Ernie Sabella, Michael Rapaport, Teri Garr, Charles Shaugnessy, Martin Sheen, Max Wright, Bob Newhart, Lane Smith, Dan Castalleneta, Elizabeth Taylor,  Dom DeLuise,John Ratzenberger, Fred Willard, Neal McDonough, Hector Elizondo, James Hong, Michael Jeter, Olivia Newton John, Ian Ogilvy, Christine Taylor, Adam West, Sally Field, David Letterman, John Kennedy Jr. y Haley Joel Osment. Por otra parte, Julia Roberts, George Clooney y Bette Midler fueron convocados para participar en el episodio doble que puso fin a la misma.

En sus 10 temporadas en antena, obtuvo 18 Emmys en las categorías de comedia (Mejor serie en 1990 y 1992, Mejor actriz para Candice Bergen, que logró su mayor éxito profesional y revitalizó su carrera obteniendo este premio en 1989, 1990, 1992, 1994 y 1995; Mejor actriz invitada (Coleen Dewhurst, que interpretó a Avery Brown, la madre de la protagonista) en 1989 y 1991; Mejor actor invitado para Jay Thomas en 1990 y 1991 (en el papel de un periodista y amante de Murphy llamado Jerry Gold), y para Martin Sheen en 1994; Mejor dirección en 1992,; Mejor guión (Diane English) en 1989 y 1991; Mejor montaje en 1989 y en 1991; y Mejor vestuario en 1991) y 3 Globos de oro (para Candice Bergen como Mejor actriz de comedia en 1989, 1990 y 1992). En España fue estrenada por TVE en 1990, donde nunca fue una serie popular.

SEINFELD (1989-98):

Serie de la NBC creada por Larry David y Jerry Seinfeld, en la que este último interpreta a una versión alternativa de sí mismo, y que tuvo su origen en un episodio piloto titulado "The Seinfeld Chronicles" (1989). Jerry Seinfeld es un humorista que trabaja en clubs nocturnos de Nueva York. Éste mantiene amistad con otros tres personajes que se relacionan con él: Su amigo de la infancia George Constanza (Jason Alexander), un tipo acomplejado de su físico, que cambia continuamente de trabajo (en una ocasión llega a trabajar para el equipo de béisbol de Los Yankees) y aún vive con sus padres, Frank (Jerry Stiller) y Estelle (Estelle Harris); su ex-novia y ahora mejor amiga Elaine Benes (Julia-Louise Dreyfus); y su excéntrico vecino Cosmo Kramer (Michael Richards), un tipo de ocupación desconocida que crea disparatadas ideas para alcanzar el negocio del siglo, y que a su vez suele rivalizar con su amigo y vecino Newman (Wayne Knight), un cartero que odia profundamente a Seinfeld.

Por la serie también pasaron actores invitados como Patrick Warburton, Danny Woodburn, Bob Balaban, Bryan Cranston, Ian Abercrombie, Brenda Strong, Bruce Davison, Teri Hatcher, Janeane Garofalo, Kathy Griffim Kristin Davis, Lloyd Bridges, David Graf, Kevin Dunn, Michael Chiklis, Peter Krause, Ernie Sabella, Maggie Wheeler, Courteney Cox, Jami Gertz, Jon Voight, Bette Midler, Cary Elwes, Rob Schneider, Marisa Tomei, Marica Cross, James Spader, Marcia Cross, Jill St. John, Raquel Welch, Illeanna Douglas, Catherine Keener, Anna Gunn, Jennifer Coolidge, Megan Mullally, Carol Kane, Robert Wagner, Lori Loughlin, Molly Shannon, Jon Polito, Peter Parros, Richard Burgi, Lane Davies, Jon Favreau, Wendie Malick, Ivana Milicevic, Amanda Peet, Marlee Matlin, Jeremy Piven, Denise Richards, Patton Oswalt, Brad Garrett, Jeff Yagher, Daniel Dae Kim, Mariska Hargitay, Jay Leno, Judge Reinhold, Corbin Bernsen, Fred Savage, Helen Slater, Grant Heslov, Phil Hartman, David Letterman y Candice Bergen (como Murphy Brown).

La curiosidad de la misma radicaba en que ésta se centraba fundamentalmente en representar aspectos insignificantes de la vida cotidiana, y que a su vez estaban relacionados con los monólogos humorísticos con los que Seinfeld habría y cerraba cada episodio (algo de lo que también se mofó la propia serie cuando en la temporada 1992-93, George y Seinfeld trataban de vender una sitcom a la NBC que no iba de nada). Entre de sus episodios más memorables encontramos "El aparcamiento", donde nuestros protagonistas se quedaban atrapados en un laberíntico garaje; o "La apuesta", donde los cuatro hacían una apuesta para ver quien aguantaba más sin masturbarse.

"Seinfeld" ganó popularidad poco a poco, logrando el tercer puesto como la serie más vistas de la temporadas 19911-92, y en 1993 la NBC la eligió para reemplazar a "Cheers". En pleno éxito, Jerry Seinfeld decidió que la novena temporada fuese la última, con episodio de despedida que convocó la astronómica cifra de 76 millones de espectadores. En sus 9 temporadas obtuvo 10 Emmys en las categorías de comedia (Mejor serie en 1993, Mejor guión para Larry Charles en 1992 y para Larry David en 1993 por "La apuesta", Mejor actor secundario (Michael Richards) en 1993 y 1994 y 1997, Mejor actriz secundaria (Julia-Louise Dreyfus) en 1996, y Mejor edición en 1992, 1994, 1995) y 3 Globos de oro también en las mismas categorías (Mejor serie, Mejor actor para Jerry Seinfeld y Mejor actriz secundaria para Julia-Louis Dreyfus). En España, fue estrenada por Antena 3 en 1995 (donde pasó totalmente desapercibida), y fue Canal + quien la rescató en 1998 para emitirla en su totalidad, justo cuando la serie acababa de finalizar en Estados Unidos. Una vez concluida, Larry David decidió crear "Larry David" (1999-2011), su propia serie de humor interpretándose a sí mismo y basada en sus experiencias personales y como guionista. Esta nueva propuesta también alcanzó el éxito de crítica y público, se mantuvo 9 temporadas en antena, y en ella aparecieron Jerry Seinfeld, Julia-Louse Dreyfus, Jason Alexander y Michael Richards para parodiarse a ellos mismos.

SIGUE SOÑANDO (1990-96):

Original comedia de la HBO, que fue creada por David Crane y Martha Kaufman (luego artífices de la exitosa "Friends", emitida entre 1994 y 2004) y producida por un John Landis, que en los 90 ya no vivía su mejor momento y que también dirigió varios episodios.

Martin Tupper (Brian Benben) es un hombre corriente que trabaja en una editorial y que acaba de divorciarse de su esposa Judith (Wendie Malick), madre de su hijo adolescente Jeremie (Chris Demetral). En su nueva vida, pronto comienza a mantener relaciones sexuales y amorosas con mujeres espectaculares con las que nunca había soñado. Otros personajes que giraban alrededor suyo eran Eddie Charles (Owen Wilson), su secretaria Toby Pedalbee (Denny Dillon), y Gibby Fiske (Michael McKean).

El plantel de actores invitados fue bastante destacado y contó con Valerie Landsburg, Doris Roberts, Tippi Hedren, Gregory Allan Williams, Jon Polito, Willam Schallert, Julie Carmen, Dawnn Lewis, Jami Gertz, Mimi Rogers, Teri Garr, Scott Bakula, George Hamilton, Sally Kellerman, Paul Williams, John Landis, Steve Forrest, Catherine O' Hara, Stella Stevens, Tom Berenger, Dan Castalleneta, Ray Walston, Maggie Wheeler, Jenny Agutter, Adrianne Barbeau, Courteney Cox, Salma Hayek, David Hyde Pierce, Patrick MacNee, Helen Slater, Jennifer Tilly, Chelsea Field, James Woods, Reginald VelJohnson, Kim Cattrall, Michael Gross, Finola Hughes, Curtis Armstrong, Louise Fletcher, David Alan Grier, Annette O'Toole, Richard Roundtree, Brent Spiner, David Bowie, Matthew Perry, Fred Willard, Jason Alexander, Gates McFadden, Robin Tuney, Catherine Bell, Ray Wise, Jessica Tandy, Cheech Marin, Elisabeth Shue, Bud Cort, Roddy McDowall, Ted McGinley, Lionel Stander, Glenn Plummer, Kathy Griffin, Marion Ross, David Graf, Jeremy Davies, Fran Descher, Harry Shearer, Kevin McCarthy, Iman, Yvonne De Carlo, Eva Gabor, Ricardo Montalban y Sylvester Stallone (interpretándose a sí mismo).

Al margen de sus desnudos explícitos y lenguaje soez (razón por la que en 1995 se emitió una versión recortada y más light para la cadena Fox), uno de los aspectos que hacían a esta serie fuese diferente fue la incorporación de imágenes de archivo de viejas películas y series en blanco y negro que Martin había visto de niño, y que eran empleadas como metáforas de su vida personal (por este motivo fue habitual ver breves fragmentos de escenas con actores clásicos como Joan Crawford, Bob Hope, Lee Marvin o Peter Lorre). Aunque debido a su horario nocturno nunca tuvo grandes índices de audiencia en su emisión de pago, se convirtió en una serie de culto para la HBO, de hecho, sus títulos se crédito con una televisión que se enciende y muestra una imagen estática, aún hoy se utiliza como logotipo para las series de la cadena. En sus 6 temporadas logró 2 Emmys en las categorías de comedia de 1993 (Mejor dirección para Betty Thomas y Mejor actor invitado para David Clennon). En España fue estrenada por Canal + dentro de su emisión en abierto en 1994.

LOCO POR TÍ (1992-99):

Sitcom de la NBC protagonizada por Helen Hunt y Paul Reiser (cocreador de la misma junto a Danny Jacobson, y coautor del tema central "The Final Frontier" en colaboración con Don Was) en los papeles de Jamie y Paul Buchman, una pareja de recién casados de Nueva York, donde él trabaja dirigiendo documentales para televisión y ella es relaciones públicas. Al tiempo que sufren los problemas clásicos de la convivencia, ambos se relacionan con amigos y familiares como Ira Buchman (John Pankwo), el primo de Paul; Lisa Stemple (Anne Elizabeth Ramsay); la neurótica hermana de Jamie; Fran Devanow (Leila Kenzie), la compañera de trabajo de Jamie; Mark David Devanow (Richard Kind), el exmarido ginecólogo de ésta; o Sylvia (Cynthia Harris) y Burt Buchman (Louis Zorich), los padres de Paul. De manera recurrente también encontramos Ursula Buffay (Lisa Kudrow), la arisca y poco eficiente camarera de la cafetería que frecuentan los protagonistas, y que luego resultó ser la hermana gemela de Phoebe Buffay (papel también interpretado por Kudrow) en "Friends", otra sitcom de la NBC con la que se hicieron algunos crossovers, y donde no sólo fue habitual ver a Ursula, sino también a Helen Hunt, que interpretó a  Jaimie Buchman en un cameo dentro de un episodio de la primera temporada emitido en 1995, y donde confundía a Phoebe con Ursula.

Entre sus actores invitados más populares encontramos a Hank Azaria (marido de Helen Hunt entre 1999 y 2000), Eric Stoltz, Carrol O'Connor, Gates McFadden, Edward Asner, Jerry Lewis, Carl Reiner, Mare Whinningham, John Astin, Bruno Kirby, Sid Caesar, Fabiana Udenio, Steve Buscenmi, Steven Tobolowsky, Garth Brooks, Rachel Hunter, Brent Spiner, Dick Clark, Randy Savage, Barbara Feldon, Wendie Malick, Ernie Sabella, Kevin Bacon, Brad Garrett, Estelle Getty, Seth Green, James Earl Jones, Michael Moore, Megan Mullally, Bruce Willis, Eileen Brennan, James Cameron, Ellen DeGeneres, Al Gore, David Patrick Kelly, Nathan Lane, Eugene Levy, Sydney Pollack, Rita Wilson, Max Wright, Richard Benjamin, Rhea Perlman, Yoko Ono, André Agassi, Garth , y Jerry Seinfeld y Michael Richards (retomando sus personajes de "Seinfield").

En sus 7 temporadas obtuvo 13 Emmys en las categorías de comedia (Mejor actriz (Helen Hunt) en 1996, 1997, 1998 y 1999, Mejor actor invitado para Carl Reiner en 1995, y para Mel Brooks en 1997, 1998 y 1999 (en el papel de Phil, el tío de Paul), Mejor actriz invitada para Cindy Lauper en 1995, y para Carol Burnett en 1997 (que dio vida a Theresa Stemple, la madre de Jamie), y Mejor sonido en 1994 y 1995), y 4 Globos de oro en las categorías mismas categorías (Mejor serie en 1995 y Mejor actriz para Helen Hunt en 1994, 1995 y 1997). En España fue estrenada por las Televisiones autonómicas en 1993. Durante la emisión de la misma, Helen Hunt aprovechó  la popularidad alcanzada por esta para protagonizar éxitos cinematográficos como "Twister" (1996) o la comedia "Mejor...imposible" (1997) de James L. Brooks, por la que ganó el Oscar a la Mejor actriz.

ELLEN (1994-98):

Sitcom de la ABC, realizada a la medida de la popular humorista y luego presentadora Ellen DeGeneres. Esta producción tuvo su origen en otra comedia televisiva titulada "These Friends of Mind". En esta primera etapa Ellen Morgan es la propietaria de un librería-cafetería a la que acuden amigos suyos como Holly Hamison (Holly Fulger), Anita Warwell (Maggie Wheeler) y Adam Green (Arye Ross). Debido a su mala acogida, esta primera versión fue remodelada para su segunda temporada, donde se mantuvo a Adam (que apareció hasta la tercera temporada) y se suprimieron los personajes Holly y Anita, al tiempo que entraron otros como Joe Farrell (David Anthony Higgins), el encargado de la cafetería que habían sido recurrente en el primer año; o Audrey Penney (Clea Lewis), que únicamente había aparecido en el episodio 2. Otros personajes nuevos fueron Paige Clark (Joely Fisher), que también se incorporó en la segunda temporada; o Spence Kovak (Jeremy Piven), un primo de Ellen que mantuvo una relación de amor-odio con Paige.

En sus primeras temporadas Ellen tuvo varios novios, aunque sus relaciones nunca acababan muy bien. Sin embargo, en el doble episodio "The Puppy" (22 y 23 de la cuarta temporada), ella asumía su homosexualidad (al tiempo que la propia actriz daba a conocer su relación de pareja con la también intérprete Anne Heche) a través del micrófono abierto de un aeropuerto. Para este episodio apareció Betty DeGeneres, la propia madre de la actriz interpretando a una pasajera del avión, al tiempo que se sumaron otras celebridades para apoyar a la actriz, como Oprah Wingfrey en el papel de su terapeuta; Laura Dern dando vida a Susan, una mujer lesbiana a la que Ellen acababa besando; las cantante lesbianas K.D. Lang y Melissa Etheridge; o cameos de Gina Gershon, Demi Moore, Kathy Najimy Billy Bob Thornton y el cantante y actor Dwight Yoakam. La serie fue cancelada al final de la quinta temporada, entre polémicas de Ellen DeGeneres que consideró que los directivos de la ABC habían tomado esta decisión porque ella había hecho pública su condición sexual.

Algunos de sus actores invitados fueron Bruce Campbell, Kathy Najimi, William Ragsdale, Greg Germann, Connie Britton, Laura Dern, Mary Tyler Moore, Bea Arthur, Peter Krause, Harry Shearer, Barry Withford, Lane Davies, Carrie Fisher, Eddie Fisher, Janeane Garofalo, Marsika Harguitay, Angie Dickinson, Florence Henderson, Wayne Newton, Harvey Fierstein, Judge Reinhold, Connie Stevens, Clyde Kusatsu, Kathy Griffin, Carol Kane, Lou Gossett Jr., Ed Begley Jr., James Hong, Curtis Armstrong, Kaley Cuoco, Molly Shannon, Diahann Carroll, Glenn Close, Cindy Crawford, Helen Hunt, Christine Lahti, Julianna Margulies, Jay Leno, RuPaul, Sheryl Crow, Los Bee Gees, Queen Latifah, Sean Penn, Bob Saget, Jennifer Aniston, Ted Danson, Woody Harrelson y Mary Steenburgen.

En sus 5 temporadas ganó 3 Emmys en las categorías de comedia (Mejor guion para el ya mencionado "The Pussy" (coescrito por Ellen DeGeneres) y Mejor edición en 1997, y Mejor actriz invitada (Emma Thompson) en 1998). En España fue estrenada por La 2 de TVE en 1996.

IN MEMORIAM: KARLHEINZ BÖHM

Nació el 26 de marzo de 1928 en Darmstadt (Alemania).

Hijo del director de orquesta austriaco Karl Böhm y de la soprano alemana Thea Linhard, vivió un tiempo en Hamburgo y Dresden, y luego estudió en el Lyceum Alpinum Zuoz de Suiza. Tras estudiar Alemán, Inglés y estudios literarios, se interesó por las Artes en Roma, y poco después regresó a Austria para tomar lecciones de interpretación de la mano del profesor Helmut Krauss.

En 1948 debutó como figurante en la película austriaca "Der Engel mit der Posaune". Participó como secundario en films alemanes como "Alaraune" (1952) y "Salto mortale" (1953), y también intervino en "Die Sonne von St. Moritz" (1954) y "Sommarflickan" (1955).

En 1955 saltó a la fama por su papel de Emperador Francisco José en el melodrama histórico austriaco "Sissí", protagonizado por Romy Schneider. Su éxito provocó que ambos protagonizasen dos secuelas tituladas "Sissí emperatriz" (1956) y "El destino de Sissí" (1957). Otros de sus trabajos los llevó a cabo en la comedia austriaca "Un castillo en el Tirol" (1957), el drama alemán "La casa de las tres muchachas" (1958) y la  comedia musical alemana "La Paloma" (1959).

En 1960 protagonizó en Gran Bretaña la escalofriante "El fotógrafo del pánico" de Michael Powell, en la que dio vida a Mark Lewis, un psicópata que asesinaba a sus víctimas grabándolas con una cámara para plasmar sus expresiones de terror.

Ese mismo año rodó la alemana "El pícaro y el buen dios", y posteriormente dio el salto a Estados Unidos, donde fue actor de reparto en el remake de "Los cuatro jinetes del Apocalipsis" de Vincente Minnelli, y dio vida a Jacob Grimm en "El maravilloso mundo de los Hermanos Grimm" (1962). En la televisión norteamericana fue Ludwig Van Beethoven en la serie "El maravilloso mundo de Disney", y fue actor invitado en las series "El Virginiano", "El agente Burke" y "Combat!". En 1963 actuó en la comedia británica "Tres azafatas", y en la coproducción franco-italiana de aventuras "Rififí en Tokyo". En 1967 secundó a Robert Vaughn en el thriller norteamericano "Intriga en Venecia". A finales de los 60 y durante la década de los 70 trabajó mayoritariamente en la televisión austriaca y alemana con telefilms y series como "Traumnovelle" (1969), "Martha" (1974) o "Kur in Travemünde" (1978) o "El lugar del crimen", donde intervino en un episodio emitido en 1978. En 1975 fue actor de reparto en los dramas "La ley del más fuerte" (1975) y "El viaje a la felicidad de mama Kuster", ambos dirigidos por Rainer Werner Fassbinder.

En 1981 fundó la Organización Benéfica "Humanos por humanos" y empezó a desempeñar trabajos de caridad en Etiopía. Por su labor fue premiado con el Premio Humanitario Balzan en 2007. Debido a estas ocupaciones, únicamente volvió a trabajar como intérprete en la series "Ringstraßenpalais" (1983) y Der Bergdoktor (1996) , y como secundario en la película "Inflation im Paradises" (1983). En 1983 obtuvo el Premio de la Cinematografía Alemana por toda su carrera, y en 2008 recibió la Cámara de la Berlinale en el Festival de Berlín. En lo personal, estuvo casado en 4 ocasiones: Su primera esposa fue Elizabeth Sonewa, madre de su primer hijo. Posteriormente estuvo casado con tres actrices: Gudula Blau (1958-1962), con la que tuvo tres hijos; y Barbara Lass (1963), madre de otros dos hijos. Desde 1991 y hasta su fallecimiento, estuvo unidos a Almaz Böhm, con la que tuvo otros dos hijos. Karlheinz Böhm falleció el 29 de mayo de 2014, a la edad de 86 años y a consecuencia del Alzheimer que padecía.

ENTREVISTA A CONRADO XALABARDER, CRÍTICO DE BANDAS SONORAS "LOS COMPOSITORES SON CINEASTAS, SABEN HACER CINE CON SU MÚSICA"

A través de e-mail, hemos podido entrevistar a Conrado Xalabarder (Barcelona, 1964), especialista en música de cine y autor de los libros "Enciclopedia de los Oscar", "Enciclopedia de las Bandas Sonoras" (Ediciones B) y "Música de cine". También ha escrito "Una ilusión óptica" (Libros en red), es co-autor de otros libros colectivos, y acaba de publicar "El guión musical en el cine". De manera paralela, colabora en la revista Fotogramas escribiendo comentarios sobre bandas sonoras, y también en su sitio web MundoBSO. Ha escrito sobre el tema en El Periódico de Catalunya, en la revista de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España, y en numerosos artículos para distintos periódicos y revistas. Actualmente es profesor de música de cine en la Facultat de Ciències de la Comunicació de Barcelona.

¿Cuándo comenzó tu pasión por el mundo de las bandas sonoras?:

Amo el cine desde que tengo uso de razón, y a los 12 o 14 años ya me fijaba mucho en que las películas tenían música, pero entonces no sabía muy bien para qué. Pensaba que formaba parte del espectáculo, que estaban ahí para gustar y para emocionar. Pero algunas películas me desconcertaban, porque veía o creía que no las ponían para eso, que querían explicar algo y no acertaba a saber qué. Vi muchísimas películas intentando descifrar ese misterio. Con 16 años vi “El hombre elefante” (1980), de David Lynch, y fue determinante: la música estaba explicándome muchas cosas del personaje que el propio personaje no explicaba. La volví a ver y se me abrió un mundo. Había más película en la música, más historia, más contenido. Y vi o volví a ver otras películas y me pasaba lo mismo. Estaba fascinado. Pero lo determinante fue cuando fui a hablar con un profesor universitario que daba cine y le pedí me asesorara sobre qué leer o dónde investigar. Su respuesta fue: “Este tema no tiene ningún interés ni ningún valor. ¿Por qué no estudias cine polaco?”. No sé si se burló de ese adolescente algo ingenuo o es que le gustaba mucho el cine polaco, pero esa respuesta me resultó muy humillante y lejos de desanimarme me animó a seguir explorando este territorio. Y ahora soy yo el que está en la Universidad enseñando música de cine.

¿Qué supuso para ti escribir el libro “Enciclopedia de los Oscar”?:

Yo había escrito el que sería “Enciclopedia de las Bandas Sonoras” (que no es realmente una enciclopedia, el título me lo impusieron), pero ninguna editorial quiso publicarlo. Entonces pensé que si quería publicarlo antes tendría que hacer algo que fuese comercial. Estuve por todas las librerías a la búsqueda del “libro que falta” y descubrí que sobre un tema tan popular como los Oscar (que nunca me ha interesado demasiado) no había nada. Y me puse a escribir la “Enciclopedia de los Oscar”. Me llevó mucho tiempo (¡no existía internet y la información era difícil de conseguir!), pero lo acabé, lo empecé a mover y una editorial se interesó. Lo publicó, se vendió de maravilla en España y América y a los cinco o seis meses, mi editor me dijo que me publicaría mi libro de música de cine, que también tuvo buenas ventas. Gracias a eso, me llamaron de Fotogramas para escribir críticas de bandas sonoras y un tiempo después se me empezaron a abrir nuevas puertas.

¿Qué nos puedes contar de tu labor en la web: http://www.mundobso.com?:

Puse en marcha MundoBSO en cuanto vi que Internet era una plataforma fantástica, hace ya 12 años. Desde el primer momento tuve claro que no quería que fuese una web de críticas, sino de comentarios escuetos y alguna vez con textos más completos. ¡Son más de 17.000 bandas sonoras las comentadas y no puedes hacer 17.000 análisis detallados! Creo que no deben ser más de 200 lo que yo considero críticas detalladas. Es una base de datos donde se abre la puerta a que la gente opine, un foro de debate que me da mucho trabajo, pero muchísimas satisfacciones: es la web más grande del mundo en su especialidad y está en el grupo de cabeza de las más visitadas del mundo, siendo la número 1 en español. Ahora comenzamos un cambio importante en programación y diseño, que le dará aún mucho más impulso.

¿Qué otras páginas webs especializadas nos recomendarías?:

BsoSpirit y Asturscore son también españolas, y las hacen amigos míos, muy entregados. En cuanto a extranjeras, Soundtrack.net

¿Qué otras colaboraciones y proyectos estás llevando a cabo actualmente?:

Bueno, MundoBSO me ocupa mucho tiempo y además me dedico en exclusiva a ella, aparte por supuesto de mi labor en Fotogramas, la revista en papel y su web. Acabo de publicar mi nuevo libro, “El Guion Musical en el Cine” y estoy gestando la idea de otro. Las clases en la Universidad y las conferencias en muchos sitios diferentes se me llevan el resto del tiempo. No me queda tiempo para mucho más, lo que me encanta.

¿Cuáles son tus compositores de bandas sonoras de cabecera clásicos y actuales?:

Son muchos, pero tienen en común una cosa: no son solo compositores, sino cineastas. Saben hacer cine con su música, saben contar historias, no solo poner música buena. Mi último libro se titula “El Guion Musical en el Cine” y es exactamente eso lo que pienso que son: guionistas. Entre los clásicos, pues desde Erich Wolfgang Korngold, Franz Waxman, Miklós Rózsa o Bernard Herrmann hasta más contemporáneos como Henry Mancini o Jerry Goldsmith. De los actuales, los mejores son Ennio Morricone y John Williams, pero también hay cineastas como Hans Zimmer, Alexandre Desplat, Alberto Iglesias…

¿Cuáles crees que han sido las grandes injusticias en los Oscar en las categorías de Mejor banda sonora y Mejor canción?:

Es inconcebible que la banda sonora de Ennio Morricone para “La Misión” (que es una lección de cine, una master-class) perdiera el Oscar frente a las piezas musicales de Herbie Hancock en “Alrededor de la medianoche”, que son temas jazz buenísimos pero meramente ambientales. Fue en 1986. Tampoco es explicable el Oscar a Michael Gore en 1980 por “Fama”, que no dejan de ser canciones, superando en votos a “El hombre elefante”, de John Morris, o a “El Imperio Contraataca”; de John Williams, que son puro cine. O que “Braveheart”, de James Horner, lo perdiera en 1995 frente a la muy bonita pero sencilla “El cartero (y Pablo Neruda)” de Luis Bacalov.

Respecto a las canciones, citaré un par: “The Man that Got Away”, una desgarradora balada que canta Judy Garland en “Ha nacido una estrella” (1954) o la estupendísima “The Rainbow Connection”, de Paul Williams, del filme “La película de Los Teleñecos” (1979). No ganaron el Oscar y nadie se acuerda de las canciones que ganaron ese año.

¿Piensas que el trabajo de Steven Price en “Gravity” y la canción “Let It Go” de “Frozen” fueron dignos ganadores del premio a la Mejor banda sonora y Mejor canción?

Creo que sí, que han sido dignos ganadores.

¿Qué opinas del trabajo del resto de nominadas en estas categorías?:

Las músicas de “La ladrona de libros”, “Philomena” o “Al encuentro de Mr. Banks” eran opciones viables, pero este año tampoco había “campanadas” que premiar. Respecto a la canción, es una muy buena canción. “Happy”, de Pharrell Williams también lo es.

¿Te parece acertado que la Academia descalificase al compositor Bruce Broughton, después de que éste enviase e-mails masivos solicitando su voto por su canción en la película “Alone Yet Alone”(2013) ?:

Ha sido todo muy extraño. Resulta que no hay problema que las productoras pongan anuncios pagados en la prensa norteamericana pidiendo el voto para tal o cuál película, y también canción, y se castigue que alguien sin medios lo haga por e-mail. Broughton no pedía el voto, de todos modos. Pedía que se escuchase su canción.

¿Crees que en Festivales de Cine como Berlín, Cannes o San Sebastián se deberían otorgar premios de banda sonora?:

La música de cine sigue siendo infravalorada, dentro de la industria y en el ámbito de la crítica. Se sigue pensando en ella como un elemento accesorio, menos relevante. Incluso prescindible, cuando es todo lo contrario. En los festivales que sí dan premio a la banda sonora suelen conceder ese galardón a la “música bonita” o a la que “encaje” con las imágenes, que es lo que se aprecia cuando no se ve más allá de la música en la música. Formalmente debo decir que sí, que deberían dar ese premio, al menos por hacer visibles a los compositores. Pero en verdad me da bastante igual.

¿Cuál es tu opinión de festivales de bandas sonoras españoles como el de Úbeda o Fimucité? ¿Has podido asistir a alguno de ellos?:

Pues son iniciativas fantásticas, porque se da relevancia a los compositores y a sus trabajos. Estuve en los dos primeros años de Fimucité y he estado en todas las ediciones de Úbeda, que ahora se celebra en Córdoba. Todo lo que se haga en favor de la música de cine merece reconocimiento. Y ambos eventos llevan ya muchos años, lo que demuestra que hay interés y que las cosas se están haciendo bien.

¿Sueles adquirir bandas sonoras de difícil acceso en España gracias a viajes o a través de internet?

Gracias a la posición de MundoBSO en internet y por otras razones, recibo semanalmente mucho material: unas treinta o cuarenta bandas sonoras semanales (depende de la época del año), de bandas sonoras editadas comercialmente o promocionales que me envían los compositores, de todas partes del mundo. MundoBSO tiene 17.000 bandas sonoras y en lista de espera para entrar hay unas 4.000, y las que van llegando. Es un colapso total, porque además la web la llevo yo solo, no tengo equipo. Pero me encanta, debo decir.

¿Cuáles son tus preferencias en cuanto a cine, series, música, libros y cómics?:

Por desgracia, el día solo tiene 24 horas, lo que hace que la vida de uno sea más un proceso de descartar que de elegir. Así que para poder centrarme en lo que yo hago, y que me queda mucho por hacer, he debido renunciar y dejar para la próxima vida lo que no sea eso. Cine, claro, veo todo el posible, porque yo busco la música dentro de las películas. Apenas escucho CD’s de bandas sonoras. Siempre que puedo, las veo en las películas, que es donde se tienen que ver. No me queda mucho tiempo para series de televisión y no juego a videojuegos. De adolescente devoré libros clásicos, y cuando puedo me gusta releerlos. Y Cómics… en la próxima vida tendrá que ser. Cuando uno es hiper-especializado en algo y sabe lo mucho que le queda por hacer, pues no hay otra opción que renunciar a muchos otros placeres. No es un sacrificio, pero es que no hay alternativa.

Y para terminar, responde brevemente a estas preguntas cortas:

- ¿Max Steiner?:

Cómodo y asequible. Supo cómo acercar la música de las películas a los espectadores, a hacerlos partícipes de ella, como en “Lo que el viento se llevó” (1939).

- ¿Bernard Herrmann?:

Desbordante, insano. Un cineasta de primera. Cambió no solo la manera de hacer música de cine sino la manera de hacer cine. Su método narrativo sigue siendo imitado porque es inmejorable. “Psicosis” es memorable.

- ¿Dimitri Tiomkin?:

Fuerza y lirismo a la vez. Me encanta la contundencia de por ejemplo “Solo ante el peligro”  (1952) y la ligereza de otras de sus melodías.

- ¿Miklós Rózsa?:

Apasionado y apasionante. Sus músicas son arrolladoras, en su amplitud y también en su belleza. “Ben-Hur” (1959) es maravillosa.

- ¿Alex North?:

Inteligencia. Un compositor muy emotivo, pero también muy cerebral, con una personalidad muy destacada. Un maestro para las músicas “piel adentro”, pero también con obras épicas, como “Cleopatra” (1963).

- ¿Jerry Goldsmith?:

También inteligencia y sofisticación, con bandas sonoras elaboradísimas y otras muy sencillas y transparentes, pero de una soberbia efectividad, como “La profecía” (1976).

- ¿Maurice Jarre?:

Emotivo. Nunca fue muy sofisticado, pero su música está siempre claramente expuesta y fue un buen guionista musical, como en la maravillosa “Pasaje a la India”  (1984).

¿Ennio Morricone?:

Supremo, un intelectual de la música y del cine, el que más avances ha hecho a mi juicio, en el uso de la música como elemento narrativo. Su obra más reciente, "La mejor oferta" (2013), es una lección de cine.

- ¿John Williams?:

Supremo. Junto con Ennio Morricone, el último dios vivo de las bandas sonoras. Ha tocado todas las teclas del piano y las ha tocado siempre bien. Creo que “Encuentros en la Tercera Fase” (1977) es una cumbre en muchos aspectos.

- ¿Basil Poledouris?:

Desafortunado, como tantos grandes compositores que no tuvieron las oportunidades que realmente merecían. Hollywood ha sido siempre cruel con algunos de ellos. Poledouris mereció más. “Conan el bárbaro” (1982) es bárbara.

- ¿Danny Elfman?:

Una fiesta. El Elfman dramático, salvo alguna excepción, no creo que sea muy interesante. Pero el Elfman lírico y el juerguista, es una delicia. “Pesadilla antes de Navidad” (1993) es formidable.

- ¿Una canción de James Bond?:

Como canción de créditos, “Nobody Does It Better”, cantada Carly Simon en “La espía que me amó” (1977), aunque creo que la mayor canción de la saga fue “We Have All the Time in the World”, que cantó Louis Armstrong pero que no estaba en créditos de “007: Al servicio secreto de Su Majestad” (1969).

- ¿Una canción de una película Disney?:

Mi favorita es “Feed the Birds”, de “Mary Poppins” (1964). Es maravillosa!.

- ¿Un compositor inmortal?:

Todos acaban muriendo. La cuestión es si sus músicas les sobreviven o no. Erich Korngold murió en 1957 y su música sigue fresca y respirando. No es el único compositor que lo ha logrado, obviamente.

- ¿La banda sonora perfecta?:

La que sea mejor guion musical, la que sea más útil a la película, la que, de quitarla, más daño le haga al filme. Hay docenas de ellas. Por citar solo una: “Hasta que llegó su hora” (1968), de Ennio Morricone.

- ¿Una mala película con una gran banda sonora?:

Montón de ellas. Una película puede ser malísima, pero no hay absolutamente nada que justifique una mala banda sonora. En 1986 se hizo un bodrio supremo titulado “King Kong 2”, pero la música de John Scott era caviar.

- ¿Una sintonía de cabecera de serie clásica?:

“Mission: Impossible” (1966-1973), de Lalo Shifrin

- ¿Una sintonía de cabecera de serie actual?:

“Isabel”, de Federico Jusid.

- ¿Un compositor español?:

Varios. Pero cito a Alberto Iglesias.

- ¿Un compositor actual a tener en cuenta?:

Varios, pero cito a Bruno Coulais.

- ¿Un musical cinematográfico?:

Varios. Pero cito a "El fantasma del Paraíso" (Brian De Palma, 1974).

- ¿Un biopic musical?:

No recuerdo ninguno que me haya gustado.

- ¿Un musical de Broadway?:

No sigo este género.

- ¿Una banda sonora a destacar de 2014?:

De momento, “The Monuments Men”, de Alexandre Desplat, aunque creo que la música genera al principio unas expectativas que luego el filme no cumple, y eso no está bien.

¿Cómo te gustaría despedir esta entrevista?:

Con un gracias, naturalmente. La música de cine es narración, no solo emoción. Esta es la idea que me gustaría que el lector tuviese claro al terminar la entrevista.

Con Conrado Xalabarder en Fimucité 10 (29-9-2016).

BRITTANY Y CYNTHIA DANIEL "LAS GEMELAS DE SWEET VALLEY"

Brittany y Cynthia Daniel nacieron el 17 de marzo de 1976 en Florida (USA). La primera llegó al mundo 5 minutos antes que la segunda.

A los 11 años comenzaron a ejercer como modelos para la Agencia Ford, y aparecieron en revistas juveniles como "Seventeen" o "YM". En 1989 debutaron como actrices en un episodio de la sitcom "Still the Beaver", donde ambas interpretaron al mismo personaje. En 1991 fueron Las Gemelas Doublemint en un spot de esta marca de chicles. En 1992 Brittany dio vida a Mila Rosnovsky en la serie "Swans Crossing", que sólo permaneció una temporada en antena.

Entre 1994 y 1997 lograron la popularidad protagonizando la serie juvenil "Las gemelas de Sweet Valley", basada en las novelas de Francine Pascal (un producto cursi e irritante para los que ya teníamos una edad cuando se emitió, pero que veíamos por la belleza de sus actrices y por lo ocioso que era el verano). En ella encarnaron a Jessica y Elizabeth Wakefiled, las guapas adolescentes y estudiantes de instituto Sweet Valley, que a pesar de ser como dos gotas de agua, tenían caracteres diferentes, de modo que la primera actuaba de manera amable y responsable, y la segunda era presumida y superficial. Entre los personajes secundarios encontramos a Todd Wilkins (primero interpretado por Rian Bittle y luego por Jeremy Vincent Garrett) y Devon Whitelaw (Manley Pope), los novios de Elizabeth y Jessica; y el resto de amigos y amigas de ambas: Enid Rollins (Amy Danles), Winston Egbert (Michael Pearl), Many Lopez (Harley Rodriguez), Lila Fowler (interpretada en un principio por Bridget Flanney y posteriormente por Shirlee Elliot), Renata Vargas (Andrea Savage), Cheryl Thomas (Tiffany Hayes) y Patty Gilbert (Amarilis). La serie se mantuvo 4 temporadas en antena y en España fue estrenada por TVE en 1995, aunque luego fue repuesta por Antena 3.

Durante la emisión de la misma, ambas secundaron a Leonardo DiCaprio en "Diario de un rebelde" (1995), donde dieron vida a las gemelas Blinkie y Winkie. Una vez finalizado su trabajo televisivo, Cynthia decidió abandonar la interpretación para ejercer como fotógrafa profesional, y solamente regresó para intervenir como actriz invitada en un episodio de la sitcom "That's 80's Show" (spin-off de "Aquellos maravillosos 70") emitido en 2002. En lo personal, desde 2006 está casada con el actor Cole Hauser (hijo del también intérprete Wings Hauser), y ambos son padres de dos hijos llamados Ryland y Colt.

Por otra parte, Brittany ha prolongado su carrera como actriz. En 1999 fue Eve Whitman en 4 episodios de "Dawson crece". A comienzos del siglo XXI fue actriz invitada en "Dame un respiro" y "Aquellos maravillosos 70". En 2002 interpretó el personaje principal de "Sophia" en "That's 80's Show", serie que no superó la primera temporada. También fue actriz de secundaria en la películas de acción y terror de bajo presupuesto como "Impacto mortal" (2000) y "Rampage: The Hillside Strangler Murder" (2006) y "Los Hamilton" (2006), así como en las penosas comedias "La sucia historia de Joe Guarro" (2001), "Club desmadre" (2004), "Dos rubias de pelo en pecho" (2004) y "Pequeño pero matón" (2006). Las dos últimas fueron dirigidas y escritas por Keenan Ivory Wayans, su pareja sentimental.

Entre 2005 y 2010 actuó en 4 episodios de la sitcom "Colgados en Filadelfia". En 2010 fue una de las protagonistas de la película de ciencia-ficción de Serie B "Skyline".

Entre 2006 y 2009 fue Kelly Pitts en sitcom "The Game", y aunque abandonó la serie al final de la tercera temporada, en 2011 y 20014 regresó como actriz invitada en varios episodios. En fechas recientes declaró que había superado un cáncer.

IN MEMORIAM: H.R. GIGER

Hans Rudolf Giger nació el 5 de febrero de 1940 en Chur (Suiza).
Se interesó por el arte siendo muy joven y estudió Arquitectura y Diseño Industrial en la School of Applied Arts de Zurich hasta 1970. En 1966 empezó a trabajar en el diseño de interiores. A partir de 1968 se dedicó en exclusiva al arte y un año más tarde expuso sus primeros trabajos. A finales de los 60 y principios de los 70 dirigió el cortometraje "High and Heimkiller" (1968) y los documentales "Swiss Made" (1969), "Tagtraum" (1973) y "Giger's Necronomicom" (1975).
Su estilo único, empleando aerógrafos para pintar y creando imágenes surrealistas y paisajes de pesadillas en los que se mezclaban las máquinas y lo humano con referencias al fetichismo y la simbología sexual, pronto le abrieron las puertas de la industria del cine.
Su primera colaboración fue como diseñador en la adaptación de la novela "Dune" de Frank Herbert, que Alejandro Jodoroswky no pudo llevar a cabo en 1976 (aunque parte de su material, incluyendo La Silla Harkonen, fue reutilizado en la versión que David Lynch dirigió en 1984) .

Giger luego se incorporó a "Alien, el octavo pasajero" (1979) de Ridley Scott, donde diseñó a la criatura de Alien, basándose en sus obras pictóricas denominadas "Necronom IV".

Por su colaboración en el film ganó el Oscar a los Mejores efectos especiales junto a Carlo Rambaldi, Brian Johnson, Nick Allder y Dennis Ayling. Varias de sus experiencias durante el rodaje fueron relatadas en su cortometraje "Giger's Alien" (1979), y en las entrevistas que concedió relacionadas con la película como "Alien Evolution" (1999) o "El legado de Alien" (1999).

A lo largo de los 80 y 90 creó el cartel de la película "Asesinos del futuro" (1985) y realizó diseños conceptuales para "Poltergeist 2: el lado oscuro" (1986) y el largometraje japonés "Tokyo: the Last Megalopolis" (1989). También diseñó la "Cloudbusting Machine" en el vídeoclip "Cloudbusting" (1985) de Kate Bush, la criatura alienígena de "Species" (1995), fue consultor creativo en la adaptación cinematográfica del cómic alemán "El condón asesino" (1996), y colaboró en los vídeojuegos "Dark Seed" (1992) y "Dark Seeed II" (1995). En 1982 hizo su último trabajo como realizador con el cortometraje documental "A New Face of Debbie Harry" (para la cantante de Blondie también diseñó la portada de su disco "KooKoo en 1981).  En 1995 su diseño del Batmobile para "Batman Forever" de Joel Schumacher no fue utilizado en el film.

En 2012, sus creaciones del Space Jockey fueron utilizadas en "Prometheus", film dirigido por Ridley Scott y relacionado con el universo de "Alien". En 2013 fue entrevistado en el documental "Jodorowsky's Dune".

Cartel de la película "Asesinos del futuro" (1985).

Vídeoclip "Cloudbusting" (1985).

Por otra parte, estuvo muy vinculado a la industria discográfica diseñando las portadas de discos para artistas como Emerson, Lake and Palmer ("Brain Salad Surgery" en 1973), Magma "Attahk" en 1977), Celtic Frost "To Mega Therion" en 1985), Dead Kennedys ("Frankenchrist" en 1985),  Steve Stevens ("Atomic Playboys" en 1989), Atrocity ("Hallucinations en 1990), Danzig ("III: How The Gods Kill" en 1992), Carcass "Heartwork" en 1994), hide "Hide Your Face" en 1994), Dr. Death ("Somewhere in nowhere (Birthmachine)" en 1989, y Triptykon ("Eparistera Daimones en 2010 y "Melana Chasmata" en 2014).

Portada del disco "Brain Salad Surgery"  (1973) de Emerson, Lake and Palmer.

Portada del disco "KooKoo" (1981) de Debbie Harry.

Como decorador de interiores destacan trabajos como "Giger Bars" en el Switzerland's Chur and Gruyères, "Maison d'Ailleurs (House of Elsewhere)" en Yverdon-Les-Bains o el Museum H. R. Giger en Gruyères. En lo personal, estuvo unido a la actriz suiza Li Tobler, que se suicidó en 1975. En 1979 se casó con Mia Bonzanigo, de la que se separó un año y medio más tarde. H.R. Giger falleció el 12 de mayo de 2014 en Suiza, a la edad de 74 y a consecuencia de las heridas sufridas tras una caída. Con su muerte, perdemos a un artista único, innovador y fascinante, que deja un impresionante legado a sus espaldas.