sábado, 16 de mayo de 2015

ENTREVISTA A MIGUEL RELLÁN Y GINÉS GARCÍA MILLÁN, PROTAGONISTAS DE LA OBRA "JUGADORES"



El viernes 15 de mayo tuvo lugar un nuevo Encuentro de amigos del Teatro Guimerá. En esta ocasión pudimos entrevistar a los actores Miguel Rellán y Ginés García Millán, los cuales presentaron la obra "Jugadores", estrenada el sábado 16 de mayo.

Escrita por Pau Miró al comienzo de la crisis económica, narra la historia de cuatro hombres comunes: Un barbero (Jesús Castejón) cuyo negocio ha quebrado, un actor (Jesús Bermejo) al que nadie contrata, un profesor de matemáticas (Miguel Rellán), y un enterrador (Ginés García Millán). A todos ellos los une el vicio de jugar al poker, y se reúnen en la casa del profesor para compartir su fracaso y decadencia.




Ginés García Millán, la Concejala de Cultura Clara Segura y Miguel Rellán.
¿Cómo definiríais la obra?:

Miguel Rellán: "Jugadores" se centra en los problemas de los cuatro personajes protagonistas, y de como estos carecen de inteligencia y recursos para gestionarlos de una manera más o menos razonable. 

Ginés García Millán: Es un drama tremendo sobre un tema de plena actualidad, pero está contado con mucho sentido del humor.                   

¿Cómo se afronta el trabajo actoral a la hora de unificar a los cuatro personajes que interpretáis sobre el escenario?:

Ginés García Millán: Somos actores de métodos y escuelas diferentes. La tarea más compleja la tiene que hacer el director, cuya misión es hacer creer al público de que llevamos toda la vida juntos. Al mismo tiempo, nosotros tenemos que trabajar en conjunto para que el espectador perciba esa verdad. 

Miguel Rellán: El ser veteranos en la interpretación ya es una gran ventaja, porque sabemos como acoplarnos entre nosotros.

Miguel Rellán, ¿qué nos puedes contar sobre el rodaje de una película tan diferente y coral como "Amanece que no es poco" (1989) de Jose Luis Cuerda?:

Miguel Rellán: Fue muy especial. Coincidí con grandes actores y es una lástima que una gran parte del elenco ya haya muerto. Cuando nos dieron el guión de la película pensaba que era una inocentada y no se iba a rodar, los actores no entendíamos nada. De hecho Rafael Alonso afirmó "Nos van a echar de España". Todo era un disparate, pero como nos pagaban, hacíamos lo que nos decía Jose Luis Cuerda. 

Es la película más rara que he hecho nunca, y cuando se estrenó no tuvo ningún éxito. Como dice Woody Allen: "Si existiese una fórmula para el éxito, la harían los bancos". Sin embargo, esto del cine es algo así de misterioso, y ya han pasado 25 años de su estreno y se ha convertido en una película mítica del cine español, con gente que se sabe los diálogos de memoria, e incluso en Albacete existe un parque temático con nuestros nombres y donde la gente se saca fotos.

¿Cómo veis la evolución de las series televisivas en España?:

Miguel Rellán: No sé si soy capaz de ver una evolución del todo. Porque cuando yo empecé ya había cosas estupendas y otras muy malas, igual que ahora. Afortunadamente, estuve hablando con un ejecutivo de televisión y me dijo que ahora va pasando a la historia lo de que haya que hacer una serie para contentar a todos los públicos. Este año se han estrenado series como "Vis a vis" o "El ministerio del tiempo" (en la que participé), que van dirigidas a un sector determinado. Ahora se hace todo mejor, pero está la crisis y la reforma laboral, y se rueda con más medios, pero con menos tiempo, y por eso no se acaba de conformar una industria de verdad. 

Una de las diferencias que tienen las series españolas respecto a las americanas, es la duración, ya que muchas de ellas duran 70 minutos en lugar de 50, y aunque sólo existe esa diferencia de 20 minutos, eso sucede por exigencias de la audiencia y el control publicitario. Hacer un episodio tan largo es una barbaridad, y además de que cuesta más dinero, son justo esos 20 minutos los que le sobran al guión, y se mete mucho relleno. Es una batalla contra la que hay que luchar, pero es complicada, porque el que paga es el que manda.

Ginés García Millán: Desde mi punto de vista, creo que hay una recepción positiva, y se ha conseguido una empatía entre el público y las series nacionales. 

Creo que hay mucho talento en la medida de lo posible, pero quienes tienen el poder son las cadenas, que condicionan mucho las producciones. Lo bueno sería que existieran canales de distribución en los que se pudieran hacer las series que uno quiere, y esperemos que eso pueda llegar, porque en lo relacionado con las series americanas, se están haciendo cosas maravillosas.

La televisión ha conseguido juntar a varias generaciones de actores del teatro y del cine. Antes estaba todo más separado, y ahora cualquiera puede sentirse orgulloso de hacer televisión, y esperemos que cada vez se haga mejor. 

¿Qué ventajas encontráis en el medio televisivo?:

Ginés García Millán: En televisión tienes la ventaja de que se puede desarrollar un personaje de una forma muy interesante, a lo largo de muchos capítulos y de varias temporadas. Yo he visto trabajos de compañeros de una profundidad increíble. Cuando tienes que defender a un personaje durante tantos días, es muy complicado, y tienes que hacer frente a muchas secuencias.

Miguel Rellán: Muchos recordaréis a mi personaje de Félix en la serie "Compañeros", que estuvo 5 años en antena, (1998 - 2002). Allí yo estuve en contacto con los guionistas y llevaba una vida paralela que intentaba modificar. Y de este modo, daba sugerencias sobre si el personaje caía en depresión, se enamoraba, o padecía leucemia. 

Ginés García Millán, ¿cómo fue la experiencia de rodar la película "Felices 140" (2015) de Elías Querejeta en Tenerife?:

Ginés García Millán: Yo hubiese rodado siete películas aquí. Es una isla preciosa, rodamos en una casa rural en Fasnia, y nos alojamos en un hotel maravilloso. Esas son las cosas buenas que tenemos que agradecer de esta profesión. 

El año pasado coincidimos tres rodajes en Tenerife, ya que aparte de la nuestra se rodaron "Nadie quiere la noche" (2015) de Isabel Coixet, y "Ma ma" (2015) de Julio Medem. Esto es maravilloso para la isla, genera trabajo y negocio, y no hubiera sido posible si no fuese por los incentivos de producción llevados a cabo por el Gobierno de Canarias.

Y para terminar, ¿qué creéis que os falta por hacer en vuestras carreras artísticas?:

Ginés García Millán: Todo. Tenemos la fortuna de trabajar en esto, que no es poco, y de disfrutar junto a directores y compañeros estupendos.

Miguel Rellán: Toda profesión que tenga un proceso creativo, conlleva al germen de la insatisfacción. Gabriel García Márquez murió diciendo que "100 años de soledad" era una buena novela, pero que no era su obra definitiva. 


Con Miguel Rellán, Ginés García Millán, Luis Bermejo y Jesús Castejón.

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jueves, 14 de mayo de 2015

IN MEMORIAM: B.B. KING

Riley B. King. conocido artísticamente como B.B. King, nació el 16 de septiembre de 1925 en Misisipi (USA).

Creció en una pequeña plantación de algodón en Berclair. Cuando su padre abandonó el hogar, su madre, que tenía escasos recursos, lo envió a vivir con su abuela a Kilmichael. Desde su infancia empezó a cantar en un coro de gospel y a los 12 años comenzó a tocar la guitarra, en parte influenciado por el músico Bukka White, que era primo de su madre.


En 1943 trabajó como conductor de tractores, al tiempo que tocó la la guitarra en el Famous St. John's Quartet en Inverness,  junto a los que realizó actuaciones en iglesias y emisoras de radio. Tras permanecer 10 meses acompañando a Bukka White, regresó a Memphis y logró sus primeros éxitos locales al aparecer en el programa de radio del bluesman Sonny Boy Williamson II. Después de actuar en el Sixteenth Avenue Grill y de grabar un spot radiofónico llamado "King's Spot", trabajó en la emisora de radio WDIA, donde ejerció como cantante y disc jockey usando el seudónimo Beale Street Blues Boy, luego acortado por la iniciales B.B.


En 1947 grabó para RPM Records, con producción de Sam Phillips. Sin embargo, su gran éxito llegó en la década de los años 50 con hits como "You Know I Love You", "Woke Up This Morning", "Please Love Me", "When My Heart Beats like a Hammer", "You Upset Me Baby", "Every Day I Have the Blues", "Sneakin' Around", "Ten Long Years", "Bad Luck", "Sweet Little Angel", "On My Word of Honor", y "Please Accept My Love". A finales de la década y principios de los 60 grabó los álbumes "Singin' The Blues" (1957), "King of the Blues" (1960) y "My Kind of Blues" (1960).



En 1965 llegó su consagración con el álbum en directo "Live at Regal", todo un referente a para el blues que fomentó su leyenda dentro de este género musical. A finales de la década lanzó "Lucille" (disco de 1968 en referencia a su mítica e inseparable guitarra), "Live and Well" (1969) y "Completely Well" (1969). En 1969 logró un gran éxito fuera del mercado de Rhythm and blues con una versión del del tema "The Thrill is Gone" de Roy Hawkins. Ese mismo año participó en la gira americana de The Rolling Stones.



En los 70 grabó "Indianola Misisipi Seeds (1970), "B. B. King in London" (1971), "Live in Cook County Jail" (1971), "Guess Who" (1972), "Lucille Talks Back" (1975) y "Midnight Believer" (1978), y logró nuevos éxitos como "To Know You Is to Love You" y "I Like to Live the Love".







Su discografía de los 80 y 90 estuvo integrada por "Live Now Appearing" at Ole Miss" (1980), "There Must Be a Better World Somewhere" (1981), "Love Me Tender" (1982), "Why I Sing the Blues" (1983), "B. B. King and Sons Live" (1990), "Live at San Quentin" (1991), "Live at the Apollo" (1991), "There is Always One More Time" (1991), "Deuces Wild" (1997), "Blues On The Bayou" (1998) y "Live in Japan" (1999). En 1988 interpretó a dúo con U2 el tema "When Love Comes to Town", incluido en el álbum  de la banda irlandesa "Rattle and Hum". 

A lo largo de ese año realizó el especial B.B. King & Friends, donde actuó junto a Albert King, Stevie Ray Vaughan, Eric Clapton, Phil Collins, Gladys Knight, Paul Butterfield, Chaka Khan y Billy Ocean. Un año después tocó junto a Albert King en el Japan Blues Carnival.


En 2000 grabó "Riding with the King" junto a Eric Clapton. En 2002 formó parte de la asociación benéfica Little Kids Rock En 2004 el músico español Raimundo Amador lo acompañó en su gira española. En el siglo XXI permaneció en activo con nuevos trabajos como "Makin love is good for you" (2000), "Reflections" (2003), "The Ultimate Collection" (2005), "B. B. King & Friends: 80" (2005), "One Kind Favor" (2008) y "Icon" (2011). 



En 2006 hizo una gira británica. realizó dos conciertos en Suiza, y participó en el Crossroads Festival, donde también actuó en 2010. En 2011 tocó en el Festival Glastonbury y en 2013 en el New Orleans Jazz Festival. En 2014 se vio obligado a cancelar sus actuaciones en el House of Blues de Chicago, debido a sus problemas de salud. 

A lo largo de su trayectoria fue entrevistado en numerosos documentales sobre blues. Al margen de su trayectoria musical, realizó apariciones especiales como actor en "Sanford and Son", "La hora de Bill Cosby", "Hospital General", "Blossom", "El príncipe de Bel Air", "Barrio Sésamo", "Matrimonio con hijos", "Los vigilantes de la noche", "Sombras de Nueva York" y "Tocados por un ángel". También hizo cameos en las películas "Espías como nosotros" (1985) y "Amazonas en la Luna" (1987) de John Landis, y participó en el telefilm "Shake Rattle and Roll: An American Love Story" (1999). En lo personal, estuvo casado con Martha Lee Denton (1944-1952) y Sue Carol Hall (1958-1966). B.B. King falleció el 14 de mayo de 2015, a la edad de 89 años, y mientras dormía en su casa de Las Vegas (USA). Poco tiempo antes había estado hospitalizado por una diabetes. Con su muerte el mundo de la música pierde a uno de sus guitarristas legendarios y fundamentales, una figura única e irrepetible.




DESCANSE EN PAZ, MAESTRO.

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martes, 12 de mayo de 2015

DEVORADORES 2: ELECTRIC BOOGALOO: PROGRAMA 40: "VENGADORES: LA ERA DE ULTRÓN Y UNIVERSO VENGADORES"



Con motivo del estreno de "Vengadores: La era de Ultrón" (2015) de Joss Whedon, comparamos esta entrega con su primera parte, y a la vez hacemos un repaso por la historia del supergrupo de Marvel en los terrenos de la animación, vídeojuegos y cómic, junto a otras curiosidades. 

PARA ESCUCHAR EL PROGRAMA CLIQUEAD EN: 

sábado, 9 de mayo de 2015

ENTREVISTA AL REALIZADOR JOSE LUIS GUERÍN Y ENCUENTRO CON VÍCTOR ERICE



El 7 de mayo tuvo lugar la última jornada del Foro Enciende La Tierra en el Espacio Cultural CajaCanarias de Santa Cruz de Tenerife, que contó con la participación de los cineastas Jose Luis Guerín y Víctor Erice (a izquierda y derecha de la primera foto). Esta charla vino precedida por la proyección de "Vidrios partidos", un segmento rodado por este último para la película colectiva "Centro histórico" (2012).


Erice, realizador de obras capitales del cine español como "El espíritu de la colmena" (1973), "El sur" (1983) o el documental "El sol del membrillo" (1992), comentó su experiencia en "Vidrios partidos" explicando diversos aspectos de la misma: "El film es un proyecto convocado por la Fundación Ciudad de Guimarães (elegida como Capital Europea de la Cultura), en el que también colaboraron otros como los portugueses Pedro Costa y el recientemente fallecido Manoel De Oliveira o el finlandés Aki Kaurismäki. En un principio iba a haber un quinto episodio dirigido por Jean-Luc Godard, pero como su fragmento fue rodado en 3D, al final formó parte de otro proyecto paralelo a éste. Los directores implicados tuvimos libertad para hacer la película, sólo estábamos supeditados por el tiempo y por el tema, que tenía que ser el de la memoria. A pesar de que me dieron la posibilidad de rodar el episodio en España, aproveché la oportunidad extraordinaria de trabajar en un país tan cercano al nuestro como es Portugal, y del que siempre me había sentido atraído por su cinematografía. Allí visité una fábrica textil abandonada donde me llamó la atención una fotografía de sus trabajadores, y fue así como surgió la idea de centrar mi fragmento en entrevistar a los supervivientes y escribir sus textos a partir de lo que ellos mismos me contaron, al tiempo que le di cierto carácter cinematográfico cambiando algunos nombres y situaciones que no siempre se acercaban a sus propias realidades".

De manera previa a este evento, Jose Luis Guerín, realizador con experiencia en el cine de ficción y documental, y ganador del Goya en este último campo por "En construcción" (2001), ofreció una rueda de prensa donde hizo una retrospectiva de distintos aspectos de su carrera, y dejó claro sus intereses artísticos y como espectador.



¿Qué es el cine para Jose Luis Guerín?:


Es una actitud, el sentimiento y la convicción de que se está escribiendo con imágenes. También es la experiencia y la esencia que vertebra mi vida.

¿Hacia qué público va dirigido su cine?:

Hacia el espectador curioso, la curiosidad es lo único que reclamo, las cuestiones culturales o las vivencias no son importantes. Hay espectadores que tienen una predisposición de curiosidad para descubrir cosas nuevas, y otros que no, que están encerrados en esquemas y quieren ver siempre las misma película contada con una serie de variantes. El espectador que deseamos encontrar es aquel con una predisposición por recibir.

Yo a la vez me veo a mi mismo como espectador, he hecho algunas películas con largos intervalos de tiempo, y en cambio, la experiencia que no he abandonado nunca es la de ver películas. Cuando pienso en el espectador, me imagino a mi mismo, y en como me gustaría ser tratado. Recuerdo que un directivo de televisión de los que compran películas, me dijo una vez: "A mi me gusta el mismo cine que a ti, pero es que el público a veces es idiota y eso no lo aprecia". Por eso me gusta partir con la idea de que el espectador, como mínimo, es igual de inteligente que uno mismo. Me gusta dirigirme al espectador como un igual, y mirarlo de arriba a abajo y cara a cara, todo ello desde mi experiencia como espectador, porque yo nunca fui a la escuela de cine, y mi único aprendizaje se gestó a la hora de ver películas.

¿Es muy difícil ese cara a cara con el espectador español y por eso muchos de sus trabajos llegan a los museos antes que a las salas, y hasta se ha visto obligado a trabajar bajo la producción de Corea del Sur o Francia?:

La realidad de la exhibición y distribución cinematográfica ha ido cambiando. Está controlada por menos manos y es un fenómeno de la economía en general. Desde el punto de vista de mi infancia, el cine ya era algo muy injusto y de gran metrópolis, por ejemplo, sobre los cineastas de Nouvelle Vague, muy pocos de ellos nacieron en París, pero tuvieron que ir a esta ciudad porque allí estaba la Cinemateca Francesa y podían ver las películas, y si se hubieran quedado en sus lugares de origen, las películas de las que ellos se hubieran nutrido no habrían llegado salvo en Cine Clubs. Yo siempre me he sentido en deuda con los Cine Clubs.

En lo referente a trabajar fuera de España, no hay nada que me molesta más que ser un cineasta llorón, y por eso acepto las propuestas que me llegan. En mi caso, como yo había rodado "Innisfree" (1990) en Irlanda o "Tren de sombras" (1997) en Normandía, y debido al carácter minoritario de mis películas, siempre he pensado que la coproducción es necesaria, y si juntas las minorías de distintos países, se puede construir algo más sólido. Por eso acepto las propuestas que me vengan de fuera.

¿Hasta qué punto le marcó la película "El hombre tranquilo" (1952) de John Ford para desarrollar el documental "Innisfree" (1990), sobre el pueblo donde se rodó este film?:

Esa película surge de un encuentro con un grupo de personas que vivían en un pueblo colgado de Irlanda, y que me sedujo en sí mismo. Me interesó cómo esa gente que vivía en una sociedad rural tan perdida, conservaba de manera tan viva un imaginario colonizado por los sueños del cine americano. O sea, que más que el recuerdo cinéfilo de "El hombre tranquilo", que me gustó muchísimo, lo que me interesaba era contar como una comunidad había asumido el rodaje del film como una cultura propia, y el cine como un legado vivo.

¿Se ha planteado en rodar una prolongación de ésta o regresar a la historia del edificio del bario del El Raval, donde transcurría su documental "En construcción" (2001)?:

Nunca volvería a hacer una película que ya he hecho. Lo que si es verdad, que con el paso del tiempo, un largometraje acaba convirtiéndose en un material de archivo. Y uno se puede preguntar sobre qué ha pasado en este lugar 20 o 30 años después. Pensando en "Innisfree", cuando hayan pasado 38 años, como los que transcurrieron entre la película de John Ford y mi documental, quizá sí regrese para rendir cuentas otra vez. Y así sería como un ciclo temporal donde se vería como el paso del tiempo va transformando las cosas o a uno mismo.




Respecto a "En construcción", me pasaría lo mismo. El edificio donde la rodé está cerca de la Cinemateca de Barcelona, y siempre que paso por delante me pregunto ¿Quién vivirá ahí ahora?




¿Qué diferencias encuentra entre sus películas de ficción como "Los motivos de Berta" (1983) o "En la ciudad de Sylvia" (2007), y sus trabajos en el cine documental?:

Cuando hice mi primera película, que fue "Los motivos de Berta", sentí algo de agotamiento con la ficción, debido al juego de los actores o por la serie de esquemas dramáticos que se repiten. 


El documental supuso una forma de abrir las ventanas y pactar con lo azaroso, con la vida sin tanta filtración, y además me abrió la perspectiva de contar historias de otra manera, y que a la vez esas cosas que cuentas puedan ser muy personales e íntimas.


El tema de narrativa y construcción del personaje de las películas de ficción, lo introduzco luego en los documentales. Y al mismo tiempo, me gusta aplicar técnicas del documental a la ficción, es como un enriquecimiento mutuo.

¿Cree que la realidad convulsa actual puede afectar a su visión como director?:

Para mi el cine está vinculado al deseo, y eso atiende a sus propios mecanismos sin que se busque lo más necesario. El cine carece inmediatez de la televisión, el reportaje, la radio o los medios de internet. Con los medios de comunicación que hay hoy, se puede grabar una denuncia con un móvil y automáticamente colgarla en youtube. Sin embargo, el cine pasa por una mirada más meditada, aunque no es necesario que se de la espalda a la realidad. 

¿Cree que la muerte de cineastas como Theo Angelopoulos o Manoel de Oliveira marca el final de un tipo de cine?:

Se puede decir que es el fin de su manera de hacer cine, y eso no depende tanto de la muerte de un cineasta en particular. Lo que ha desaparecido de estos dos grandes cineastas es el mundo que permitía su cine. Y eso nos obliga a repensar nuestra escritura en base a nuestro presente. Vivimos en esa tensión entre el imaginario de un cine con el que nos sentimos en deuda, y un presente que requiere de la reformulación de las ideas. Siempre queremos pensar que el legado de estos directores permanece eterno.

¿Cómo ve el estado actual del cine español? 

El cine español de manera global no me interesa. Para mi el cine español lo representan directores como Luis Buñuel, Luis García Berlanga o Víctor Erice, junto a muchos otros.  El cine español me remite a estos grandes creadores con los que estoy en deuda, de la misma manera que tengo otros referentes en Francia o Italia.

A mi me irrita mucho cuando me invitan a alguna muestra en cualquier país sobre cine español o cine catalán, porque en mi opinión, mi cine no representa a España o a Cataluña, porque aunque suena arrogante decirlo, solo me representa a mi mismo. Y se podría decir algo así sobre los cineastas que aprecio, y que son los que mantienen viva la llama del cine.

Hasta los años 60 tenía sentido hablar de nacionalidades, los cineastas se comunicaban y sacaban manifiestos como el de Oberhausen en Alemania, también estaba el Nuevo Cinema Brasileiro, el Nuevo Cine Checo, la Nouvelle Vague, el underground estadounidense o el Free Cinema británico. Ese sentimiento de comunidad hoy no existe, y solo se da en cinematografías periféricas como la iraní o el actual cine filipino, muy emergente desde hace pocos años. En general creo que los cineastas de ahora somos más solitarios e individuales, y sentimos afinidades que no son las territoriales. De hecho uno puede sentir conexión con un cineasta francés o italiano.


¿Qué opina del boom de un tipo de cine documental mediático y surgido a principios del siglo XXI con el éxito de directores como Michael Moore ("Bowling for Columbine" en 2002 o "Farenheit 9/11" en 2004) , y qué documentales recientes destacaría?:

Michael Moore no me gusta nada. Creo que cuando hayamos olvidado a George Bush, ya nadie se acordará de este director. En cambio, una buena película política, sea documental o de ficción, conserva su fuerza a pesar de que haya transcurrido el paso del tiempo. Hace poco programé una película que se llama "Lejos de Vietnam" (1967) a unos alumnos para que vieran como se filmaba una manifestación, y esas imágenes tenían una fuerza, a pesar de lo lejos que ya queda la Guerra de Vietnam.

Sobre documentales recientes destacaría el estadounidense "Citizenfour" (2014) de Laura Potras, que trata sobre los programas de vigilancia ilegales dirigidos por la NSA, y también es muy interesante desde el punto de vista formal. También sigo a directores concretos como Raymond Depardon o Alain Cavalier. Para mi lo más novedoso se ha gestado en el cine documental y en sus fronteras.

¿Cuál es su opinión sobre la nueva vía que representan youtube o las redes sociales para la difusión del trabajo de futuros cineastas?:

Me parece maravilloso, pero no para mi. Cada cineasta establece sus propias reglas del juego y sabe cual es el lugar que te estimula, y para mi es el espacio de proyección cinematográfica. Por otra parte, me parece bien que una película no muy difunda se pueda ver en televisiones o a través de la pantalla de un ordenador. Quizá es porque yo no he disfrutado de la experiencia de ser espectador en el ordenador, que para mi es una herramienta de trabajo, sería incapaz de sentir terror, angustia o grandes revelaciones frente a él. Aquello que recibes frente a una pantalla de cine, te genera un sentimiento de gratitud. Por otra parte, tampoco conozco bien como es el feedback con este tipo de espectadores. Creo que a un cineasta le va a estimular más que se proyecte su película en un pequeño festival o Cine Club respecto a tener esa mirada anónima de youtube, donde ni siquiera sabes si tu obra la han visto entera. Por otro lado, tampoco conozco la experiencia de cineastas que se sientan satisfechos con trabajos mostrados en internet. Creo que el cine sigue estando muy ligado a la experiencia comunitaria de ver la película con espectadores en una sala oscura. 

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jueves, 7 de mayo de 2015

IN MEMORIAM: AITOR MAZO

Nació en 1961 en Bilbao (España).

Comenzó su carrera teatral en 1983 a través del grupo "Mascarada". Fue un habitual actor secundario de cine y televisión. Participó en films como "A los cuatro vientos" (1987), "Vacas" de Julio Medém (1992),  "La reina anónima" (1992) de Gonzalo Suárez, "Todos a la cárcel" (1993) de Luis García Berlang, "Maite" (1994), "Sálvate si puedes" (1995), "Cachito" (1995) de Enrique Urbizu (1995), "La fabulosa historia de Diego Marín" (1996), "Animia de cariño" (1996), "Sólo se muere dos veces" (1997), "Airbag" (1997) de Juanma Bajo Ulloa (1997), "Carretera y manta" (2000), "La comunidad" (2000) de Álex de la Iglesia, "La voz de su amo" (2001) de Emilio Martínez Lázaro, "Tuno negro" (2001), "Visionarios" (2001) de Manuel Gutiérrez Aragón, "El diablo enamorado" (2002), "El deseo de ser piel roja" (2002) de Alfonso Ungría (2002), "A mi madre le gustan las mujeres" (2002) de Daniela Féjerman e Inés París, "Lisístrata" (2002) de Francesc Bellmunt (2002). "El robo más grande jamás contado" (2002) de Daniel Monzón, "Cosa de brujas" (2003), "El furgón" (2003), "El Lobo" (2004), "Los nombres de Alicia" (2005), "Siete minutos" (2009), "La máquina de pintar nubes" (2009), codirigida por él mismo; "23-F: la película" (2011), "Valeria descalza" (2011), "Bypass" (2012) codirigida por él mismo (2012); "15 años y un día" (2013) de Gracia Querejeta (2013), "Ocho apellidos vascos" (2014) de Emilio Martínez Lázaro (2014) y "Lasa y Zabala" (2014).


En la pequeña pantalla presentó el programa  "Olé tus vídeos" (1991-1992). y actuó en las series como "Los ladrones van a la oficina",  "Este es mi barrio", "Médico de familia", "La banda de Pérez", "Querido maestro", "Compañeros", "Petra Delicado", "El comisario", "Policías, en el corazón de la calle", "Hospital Central", "Manolito Gafotas", "Motivos personales", "Ellas y el sexo débil", "Manolo & Benito Corporeision", "Cuéntame cómo pasó", "La familia Mata",  "Acusados", "Piratas", "Amar es para siempre" y "El Chiringuito de Pepe". También fue un habitual en miniseries como "Películas para no dormir: Adivina quién soy" (2006) de Enrique Urbizu, "23-F: Historia de una traición" (2009) o "Vuelo IL 8714" (2010). En 2015 pudimos verlo como fiscal inquisidor en un episodio de la serie "El ministerio del tiempo" (2015). Su carrera artística se completó con las obras teatrales "La espada de Pendragón", "Peligro, te quiero", "Agur Eire...Agur", "Métele caña", "Historias de un contenedor", "Torito bravo", "Birus", "Mephisto", "Muerte accidental de un anarquista", "La tienda de la esquina", "Hamlet", "La tempestad", "Un ligero malestar", "La última copa" y "El día del padre". Falleció el 7 de mayo de 2015, a la edad de 53 años y cuando se encontraba en su domicilio.


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lunes, 4 de mayo de 2015

IN MEMORIAM: JESÚS HERMIDA

Nació el 27 de julio de 1937 en Huelva (España).

Estudió en la Escuela Oficial de Periodismo y en la Facultad de Filosofía y Letras en Madrid. 

Empezó a trabajar como redactor en la revista Signo, y luego ejerció como reportero en Actualidad Española. Entre 1967 fue redactor jefe en el diario Informaciones y empezó a trabajar en TVE. 

Entre 1968 y 1979 se hizo popular como corresponsal en Nueva York para el "Telediario", llegando a protagonizar hitos como la retransmisión de la llegada del hombre a La Luna. Entre 1970 y 1971 también participó en el programa "24 horas". En 1973 entrevistó al Presidente Richard Nixon y en 1974 le concedieron su primer Premio Ondas. 




En 1978 regresó a España como director y presentador, dejando entrever su particular estilo gesticulante y con las frases entrecortadas, que fueron su marca de fábrica. En esta etapa estuvo al frente del programa de entrevistas "De cerca" (1980-81), del informativo "Crónica 3" (1981) y del espacio de debate "Su turno" (1983). En 1982 recibió su primer TP de Oro al Mejor presentador. 





Debido a la Ley de incompatibilidades, a mediados de los 80 se decantó por la radio con programas como "La Hora Cero", "Radio 80 Serie Oro" y "Viva la Gente".

En 1987 regresó a TVE aceptando el reto de dirigir y presentar un magazine matinal en una franja aún poco explotada por el ente público. El resultado fue "Por la mañana", un programa que revolucionó las mañanas, y que debido a su éxito se mantuvo en antena hasta 1989. Este programa sirvió para popularizar a Javier Basilio o María Teresa Campos, y al mismo tiempo dio la primera oportunidad a presentadores y periodistas como Nieves Herrero, Consuelo Berlanga, Irma Soriano, Miriam Díaz-Aroca, Toni Cantó, Agustín Bravo o Leticia Sabater. Por su labor obtuvo el TP de Oro y la Antena de Oro al Mejor presentador en 1987 y el Premio Ondas en 1989. 





Tras este espacio llegó "A mi manera" (1989-1990), un magazine similar pero emitido en la franja de la tarde. En abril de 1990 fue sustituido por María Teresa Campos cuando él pasó a hacerse cargo de la dirección y presentación del "Telediario" nocturno, labor que llevó a cabo hasta 1991.

Ese mimo año fichó por Antena 3 para presentar un magazine de fin de semana llamado "El programa de Hermida" (1991-92), donde mantuvo un formato muy similar al de sus anteriores trabajos. Sus siguientes trabajos en esta cadena privada fueron "La noche de Hermida" (1992), "Con Hermida y Cía" (1993-1995), "La Hora H" (1996-1997), "Sin límites" (1998) y "Los comunes" (1999). También se hizo cargo de la dirección de nuevos proyectos y entre 2002 y 2003 asumió la dirección de la misma. Entre 1997 y 1998 fue nombrado director de la Academia de las Artes y Ciencias de Televisión de España. 





Entre 2004 y 2005 presentó el "Informativo Segunda Edición" en Castilla La Mancha Televisión. En 2006 regresó a TVE para presentar el espacio de imágenes de archivo "La imagen de tu vida", ideado para celebrar el 50 aniversario del ente público. 


En 2009 participó en el especial de TVE "Regreso a La Luna", donde se conmemoró el 40 aniversario del primer alunizaje. En 2013 hizo su última participación en TVE en una polémica entrevista al Rey Don Juan Carlos con motivo de su 75 aniversario. En 2010 abrió la Escuela para presentadores de Televisión Jesús Hermida. A lo largo de su trayectoria recibió otros galardones como el Premio Ondas Labor profesional en 2000, el Premio Nacional de Televisión en 2012, la Antena de Oro Extraordinaria en 1995 y la Antena de Oro Trayectoria Profesional en 2013, y el Premio de la Academia de Televisión Trayectoria Profesional en 2005. Jesús Hermida falleció el 4 de mayo de 2015 en Madrid (España), a la edad de 77 años y a consecuencia de un infarto cerebral. Con su muerte, la televisión española pierde uno de sus grandes pioneros, y todo un referente a la hora de entender el medio.   
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viernes, 1 de mayo de 2015

"SATURDAY MORNING CARTOONS' GREATEST HITS", TEMAS DE DIBUJOS ANIMADOS A RITMO DE POP-ROCK


"Saturday Morning Cartoons' Greatest Hits" fue un singular disco recopilatorio editado por MCA y lanzado al mercado en 1995 a través de los formatos de LP, CD y Cassette. 

Este tributo a las series de animación emitidas en Estados Unidos durante las mañanas de los sábados en las décadas de los 60 y 70, reunió a una serie de artistas de pop y rock encargados de versionar los temas centrales de un total de 19 canciones, incluyendo un bonus track dedicado a la serie "Ren y Stimpy" (1991-96). El álbum vino acompañado de un cómic de Marvel y un VHS presentado por Drew Barrymore, en el que se incluyeron los videoclips de las diferentes canciones. Alcanzó el puesto 67 en las listas de ventas norteamericanas.  

1.  "The Tra La La Song (One Banana, Two Banana)" ("El Show de los Banana Splists") Liz Phair with Material Issue.


2. "Go Speed Racer Go" ("Meteoro")  Sponge.


3. "Sugar, Sugar" ("El Show de Archie") Mary Lou Lord with Semisonic.


4. "Scooby-Doo, Where Are You?" ("Scooby Doo, ¿dónde estás?") Matthew Sweet.

5. "Josie and the Pussycats" ("Josie y las Gatimelódicas")  Juliana Hatfield and Tanya Donelly.



6. "The Bugaloos" ("The Bugaloos") Collective Soul.


7. "Underdog" ("Underdog") Butthole Surfers.


8. "Gigantor" ("Tetsujin 28") Helmet.



9. "Spider-Man" ("Spider-Man") Ramones.




10. "Jonny Quest/Stop That Pigeon" ("Jonny Quest"/"Pierre Nodoyuna y Patán y el Escuadrón Diabólico") The Reverend Horton Heat.




11. "Open Up Your Heart and Let the Sun Shine In" ("Los Picapiedra") Frente!


12. "Eep Opp Ork Ah-Ah (Means I Love You)" ("Los Supersónicos") Violent Femmes.




13. "Fat Albert Theme" ("El Gordo Alberto y la Pandilla Cosby") Dig.




14. "I'm Popeye the Sailor Man" ("Popeye") Face to Face.




15. "Friends/Sigmund and the Seamonsters" ("Sigmund and the Sea Monsters") Tripping Daisy.


16. "Goolie Get-Together" ("Mis queridos monstruos") Toadies .



17. "Hong Kong Phooey" ("Hong Kong Phooey") Sublime.



18. "H.R. Pufnstuf" ("H.R. Pufnstuf") The Murmurs.




19. "Happy, Happy, Joy, Joy" ("Ren and Stimpy") Wax.


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