IN MEMORIAM: MIGUEL DE LA QUADRA-SALCEDO

Nació el 30 de abril de 1932 en Madrid (España).

Sus padres eran Estanislao de la Quadra-Salcedo y Arrieta-Mascarúa y María Gayarre, y primo era José Javier de la Quadra-Salcedo y Miranda, marqués de los Castillejos. 

A los 5 años se trasladó con su familia a Pamplona. Posteriormente estudió Perito agrícola y comenzó a destacar como atleta. En su juventud formó parte de la Sección de Atletismo del Real Madrid C.F. Durante esta época logró nueve campeonatos de España (seis en lanzamiento de disco, dos de peso  y uno martillo), y fue miembro de la Selección Española durante los Juegos Olímpicos de Roma 60. En los años 50, y junto al lanzador de barra vasca Félix Arauzquin, ideó una nueva forma de lanzamiento de jabalina en la que el lanzador daba varias vueltas sobre sí mismo antes de arrojarla. A pesar de su efectividad y haber añadido 20 metros al récord mundial, la IAAF no lo homologó alegando su peligrosidad para el público.

Al margen del deporte, también se interesó por la naturaleza, la exploración, la historia, el arte y la literatura. Entre 1961 y 1963 trabajó para el gobierno colombiana ejerciendo como etnobotánico en la selva del Río Amazonas. 

En 1963 fue contratado como reportero de TVE, e intervino como tal en los programas "A toda plana" (1965-1967), "Aventura" (1969), "El mundo en acción" (1973-1978), "Los reporteros" (1974-1976) y "Españoles en el Pacífico" (1980). Desarrollando esta actividad, estuvo a punto de ser condenado a muerte al filmar unos fusilamientos durante la crisis de la República Democrática del Congo. También cubrió la muerte del Che Guevara, la Guerra del Vietnam, el Golpe de Estado de Augusto Pinochet en Chile durante 1973, y entrevistó a personalidades como el Dalái Lama, Salvador Allende, Indira Gandhi o Pablo Neruda. 

En prensa escrita colaboró en la revista La Actualidad Española, junto a Félix Rodríguez de la Fuente y César Pérez de Tudela. Durante un tiempo ejerció de domador en el Circo de Ángel Cristo, y su carácter aventurero lo llevó a realizar hazañas como descender en una balsa desde Iquitos por el Río Amazonas y el Napo. 

En 1984 colaboró en el programa-concurso de corta vida "A la caza del tesoro", presentado por Isabel Teille en TVE1. En este espacio, una pareja de concursantes tenía que guiar y resolver una serie de pistas relacionadas con la búsqueda de un tesoro que debía ser encontrado por Miguel, el cual se trasladaba en helicóptero visitando lugares como Yugoslavia, Cartagena de Indias o El Amazonas. 

De manera paralela a todas estas actividades, a partir de 1979 creó, dirigió el proyecto de educación e intercambio cultural Aventura 92, donde organizó una primera expedición para jóvenes visitando Bolivia, Perú y Brasil.  Esta actividad se prolongó en 1985, y a partir de 1988 ya tuvo una continuidad anual, permitiendo que cientos de jóvenes españoles e hispanoamericanos hayan podido visitar numerosos rincones a lo largo y ancho de América y España. En 1988 esta experiencia también dio origen al programa televisivo de TVE "Aventura 92", primero incluido como un microespacio en el magazine "Por la mañana", y luego ya emitido de forma individual hasta 1992.  En este prograna también colaboraron presentadoras como Inka Martí, Verónica Mengod, Silvia Andrés o el dibujante Jose Ramón Sánchez. A partir de 1993 el programa pasó a llamarse "Ruta Quetzal", y ha sido emitido de forma ininterrumpida hasta la actualidad, sirviendo a modo de diario de las actividades desarrolladas en las expediciones. El último viaje hasta la fecha ha sido "Aventura en el País de las Esmeraldas" (2015), donde se pudieron visitar diversos lugares de Colombia y España. 

Por sus labores deportivas, televisivas y culturales , recibió numerosos galardones: Premio Ondas (1973), Antena de Oro (1968) por "A toda plana", Antena de Oro Extraordinaria (2002), Premio ATV (2004) por su Trayectoria Profesional, Premio periodismo Pueblo por "Tres años en el Amazonas",  Premio Nacional de Televisión por "Managua y el Terremoto" y "Camaño y los marines", Premio Internacional de la crítica de Televisión en Cannes por "La muerte del Che Guevara", Premio Internacional de Televisión por "La larga marcha de los eritreos", Medalla de plata de la Real Orden del Mérito Deportivo o el Premio Ítaca a su trayectoria de la Facultad de Ciencias de la Comunicación.  En lo personal, en 1965 contrajo matrimonio en Tokio con Isabel de Asusmendi, con la que tuvo tres hijos: Rodrigo, Sol e Íñigo, junto a los que en 1994 creó la Fundación 2092 para la Organización de Expediciones Geográficas y Científicas. Falleció el 20 de mayo de 2016 en Madrid (España), a la edad de 84 años. Con su muerte perdemos a otro de los históricos de la televisión y la exploración española, que nos deja un legado cultural impagable.

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LITERATURA: "EL ESCRITOR GONZO" (2012) DE HUNTER S. THOMPSON: POR ALEXIS BRITO DELGADO

Lo único que te pido es que te guardes tu opinión sobre mi dieta de drogas de aquel fin de semana. Como ya te señalé, los directivos de Rolling Stone han creído a pies juntillas en el carácter & detalles del artículo. Basándose en lo que han leído, están completamente convencidos de que empleé el dinero para gastos en comprar droga y de que fui a Las Vegas con un colocón de órdago. Creo que es mejor no sacarlos del error; impresiona más creer que aquella pavorosa experiencia salió un artículo como el mío. Así que guardemos para nosotros nuestras conclusiones personales…

Hunter S. Thompson.

Autor: Hunter S. Thompson

Editorial: Anagrama

Colección: Panorama de narrativas

Género: Narrativa

Edición: Rústica

Año Publicación: 2012

Escritas durante el periodo más productivo de su carrera (1965-1976), las cartas de Hunter S. Thompson revelan sus inquietudes, desprecio a la autoridad, filosofía, problemas económicos y métodos creativos. Su carácter irreverente, caustico, revolucionario y radical aparece en cada línea, sin concesiones de ninguna clase, azotando a directores, jefes de personal, colegas de profesión, agentes literarios, novelistas y toda clase de elementos que pululaban por el mundillo periodístico; el mismo que tachaba de obsoleto, decadente, corrupto y con falta de garra para los lectores.   

Después de varios años como periodista freelance cubriendo toda clase de sucesos deportivos y sociales de la época, Thompson saltó a la fama con el superventas Los Ángeles del Infierno (Random House, 1967), crónica de sus vivencias junto a los famosos moteros que recorrían las carreteras de los Estados Unidos en los sesenta. Según la leyenda, antes de terminar el libro, recibió una soberana paliza por parte de algunos miembros de la banda. ¿Qué mejor final para una novela que trataba sobre unos individuos tan marginales, desequilibrados y en contra de las normas como el propio autor, el enfant terrible que patrullaba por los márgenes de la sociedad para inspirarse?

Muchas de las misivas, escritas bajo los efectos del alcohol, son auténticos monumentos a la agresión verbal. La urbanidad no fue uno de los atributos más notables del creador de Miedo y asco en Las Vegas, siempre decía lo que pensaba y amenazaba físicamente a aquellos que se atrevían a menospreciar su trabajo que, a todas luces, era demasiado alternativo e innovador para muchas publicaciones que solo pretendían llenar sus páginas con artículos “políticamente correctos”. La incendiaria, explosiva y alucinada prosa de Thompson era una extensión de su personalidad y no era del agrado de los jefes de redacción sin vello en los genitales. Ello se reflejaba en sus escritos —una mezcla de realidad y ficción, altas dosis de psicotrópicos, crítica social y autobiografía— que crearon una nueva forma de periodismo que inspiró a multitud de imitadores que, aunque intentaron emularle, ninguno estuvo a la altura del genio.

Con absoluta certeza en su propio talento y una insultante seguridad en sí mismo, espoleado por el Chivas Regal, el tabaco y el LSD, desde su trinchera situada en las montañas de Woody Creek, su humor corrosivo, exagerado y catastrofista apareció en revistas notables como The National Observer, The Nation, The New York Times Magazine, Esquire, Pageant, Harper's, Scanlan's Monthly, Sports Illustrated, Esquire, Time, Vanity Fair, Playboy, y la emergente Rolling Stone, entre muchas otras. Todos los grandes acontecimientos y personajes públicos de aquel entonces recibieron una mención por su parte: el asesinato de Kennedy, el Congreso Nacional Demócrata de Chicago, Bob Dylan, Vietnam, Tim Leary, el movimiento hippie, Nixon, Grateful Dead, La Invasión de Santo Domingo, Elvis, Watergate, Martin Luther King, el alunizaje del Apollo XI, Muhammad Ali, la Crisis de los misiles de Cuba, la Generación Beat, Marlon Brando, etc. Entre sus múltiples admiradores destacaban Tom Wolfe, Allen Ginsberg, Norman Mailer y Ken Kesey, con los que trató personalmente y llegó a mantener una variada y jocosa correspondencia.

Con su inquieta inteligencia, eterno pitillo en los labios, patriotismo, amor a las armas y un rostro con la dureza del cemento armado, Thompson no tenía ningún tipo de escrúpulo a la hora de enfrentarse a los acreedores que lo acusaban de moroso, insultar a sus compañeros de oficio, pedir efectivo por adelantado o enviar cuentas de gastos por necesidades (alcohol, comida, drogas, suites, vehículos de gran cilindrada) que consideraba imprescindibles para redactar sus artículos. A pesar de ello, era un perfeccionista nato que se tomaba su oficio muy en serio y trabajaba sus textos con gran esmero hasta que se encontraban listos para pasar por la imprenta. Al fin y al cabo, nadie llega a ninguna parte siendo honesto y el “Sueño Americano” había muerto desde hacía mucho tiempo. 

SOBRE EL AUTOR:

Alexis Brito Delgado nació en Tenerife en 1980. Autor de las novelas “Soldado de fortuna: Las aventuras de Konrad Stark” (Dlorean Ediciones, 2013) y “Gravity Grave” (Palabras de agua, 2014).

Blog: http://www.alexisbrito.blogspot.com.es/

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YouTube: https://www.youtube.com/channel/UCqDQVbW9aYNqJ7XUCaVniKA

CONFERENCIA DEL DIRECTOR JAVIER FESSER EN LA 13 MIDEC 2016

El pasado 10 de mayo dio comienzo la 13 Muestra Internacional de Cortometrajes de la Universidad de La Laguna. Por este motivo, la conferencia inaugural en el salón de actos de la Facultad de Educación contó con la presencia del director y guionista Javier Fesser, responsable de películas como "El milagro de P. Tinto" (1998), "La gran aventura de Mortadelo y Filemón" (2003), "Camino" (2008) y el film animado "Mortadelo y Filemón contra Jimmy el cachondo" (2014). 

El realizador dio su humorístico punto de vista sobre sus experiencias en el campo del cortometraje, al tiempo que se realizó una retrospectiva proyectándose algunos de sus trabajos. 

"AQUEL RITMILLO" (1994):

Singular y divertido, y con influencias en el cine negro y en el mundo del cómic o los dibujos animados, fue su debut cinematográfico y le reportó el Goya al Mejor cortometraje en 1994.

Fesser comentó su experiencia a la hora de trabajar con su protagonista Luis Ciges, e hizo hincapié en la importancia de los objetos en sus historias.

"Luis Ciges no era nada típico a la hora de trabajar como actor. Era muy peculiar, muy acostumbrado a trabajar sin guión, a su pesar. Él trabajó con Berlanga, y en estas películas corales, todo el mundo sabía lo que tenía que hacer, menos él, y sin embargo, salía airoso. Tenía algo que no era solamente interpretar, tenía una personalidad que a mi particularmente me encantaba, me parecía magnético, le conocí en un momento de su vida donde ya era mayor, y eso adquirió una dosis de ternura. El trabajo con Luis siempre era surrealista, porque uno nunca sabía el resultado. Sin embargo, en "El milagro de P. Tinto" (1998) se ciñó rigurosamente al guión, y lo que él aportó fue ensayando o leyendo el guión".

"Para mi los objetos son una parte muy importante en las historias, quizá esto proviene de mi experiencia en el mundo de la publicidad, al tratar de captar belleza donde no la hay. Es cierto que los objetos más modernos inspiran menos, pero un gramófono siempre queda bien, porque tiene vida y curriculum. A mi me gusta reflejar ese mundo que tiene una capa de roña, desgastado y arañado".

"BINTA Y LA GRAN IDEA" (2004):

Rodado en el sur Senegal en colaboración con UNICEF,  y con actores no profesionales originarios del lugar, este cortometraje le reportó su primera nominación al Oscar en esta categoría en 2007. El director explicó sus intenciones, lo que para él significó este rodaje y quitó hierro a la importancia que se le da a los premios.

"Este cortometraje nació para su proyección en escuelas, ya que la premisa trata sobre la educación de los niños. Hay muchos lugares del mundo donde los niños tienen un difícil acceso a la escuela, y además si eres niña, lo tienes mucho más complicado, como ocurre en Senegal. UNICEF nunca trata de convencer a los padres para que envíen a sus hijas al colegio, pero si lo hace con las niñas, para que si en el futuro son madres, si tengan en cuenta la educación de sus hijos. 

Este fue mi primer viaje al África negra. Yo pensé que iba a llegar a un lugar mucho más complicado, con una vida más dura y más violenta, por la Guerra Civil que aún continuaba. Fui con un equipo muy pequeño de cuatro personas (el productor, el director de fotografía, el técnico de sonido, y yo) para conocer la situación y documentarla. Sin embargo, esta situación no tenía nada que ver con aquella idea tremenda, y me encontré con que sus habitantes desprendían una luminosidad, que después quedó reflejada en el resultado, ya que allí cada día es una celebración de la vida. Con elementos propios de un documental, armamos este pequeño cuento de ficción. No es fácil llegar a un lugar como este y lograr que sus habitantes puedan interpretar, y esto sucedió gracias al paisaje humano y a la capacidad de este gente para involucrarse en el proyecto.

Una vez terminado, el corto tuvo una larga vida en festivales, especialmente en Estados Unidos y Canadá. Tuvimos la suerte de estar nominados a los Oscar. Este premio es importante para la promoción del cualquier proyecto, pero una vez vivida la experiencia de la ceremonia, te das cuenta de que es mucho más anecdótico de lo que parece. Los premios tienen más que ver con algo relacionado con tu ego personal. Yo pensaba que teníamos posibilidades de ganar el premio, y en el momento exacto que en dicen que el ganador no eres tu,  es algo que no olvidaré nunca, y me di cuenta que no importaba si el premio me lo llevaba yo, o el director que estaba a mi lado, porque al fin y al cabo la madre de él se va a poner igual de contenta que la mía. Y fue ahí donde algo en mi subconsciente me dijo que ya tenía la suerte de haber llegado hasta allí, y que me podía dar con un canto en los dientes por haber sido nominado. De hecho, las satisfacciones que me había dado ya el proyecto, sí que eran una experiencia impagable".  

CORTOMETRAJES Y WEBSERIE PARA NOTODOFILMFEST.COM:

En el segundo bloque, se incluyó una selección de sus cortometrajes para el certamen Notodofilmfest.com, que él mismo creó para la web www.plus.es, y que ya cuenta con 11 ediciones. El director aprovechó para explicar como surgió el proyecto y comentó diversas anécdotas a la hora de realizar estos trabajos.

"LA CABINA" (2005):

"HOMBRE DE COLOR" (2005):

"EL GRAN SALTO": PRIMER EPISODIO DE LA WEBSERIE "JAVI Y LUCY" (2001):

"Una de las gracias de Notodofilmfest.com es que los miembros del jurado, que suelen ser directores de cine, tienen que hacer un corto siguiendo los patrones del concurso. La verdad es que ha sido una experiencia fabulosa. Creo que hay un respeto a ese talento creador e innovador hacia este tipo de cine hecho con muy pocos recursos, pero con muchas ganas".

""Javi y Lucy" fue el germen de lo que luego hicimos en "Mortadelo y Filemón" a la hora de utilizar muñecos para que pareciera que golpeábamos a María Isbert o Dominique Pinon. Toda la violencia de tebeo con un resultado tan orgánico, viene de aquí. Fue un proyecto sin pretensiones, haciendo lo que se me ocurría y con lo que tenía a mano, que en este caso era mi hijo Javi y Lucy, la señora que lo cuidaba, que era una fenómena. El objetivo era crear esta típica tontería al estilo de "El Coyote y Correcaminos", que al final es siempre lo mismo, pero desde ópticas diferentes, y eso me fascina".

En el 2001, el acto voluntario de bajarte un archivo, hacía que tardases más de 20 minutos. Eran peliculitas que no pasaban de los 6 megas de compresión, y había que buscar la manera de que no ocupara más peso, utilizando recursos como el blanco y negro. 

Cuando se estrenó este primer capítulo tuvo un millón de descargas. Yo iba grabando  los episodios y los iba montando en el ordenador sobre la marcha. Utilizaba el photoshop para sustituir el fotograma de mi hijo por el de un osito de peluche, que vestía igual que él".

"En lo referente a "La cabina", lo rodé con Pepe Viyuela y José Lucas, y luego me puse de lleno con un trabajo publicitario que me ocupó bastante tiempo. Después me fui a vivir un año a Nueva York con mi familia y me olvidé del tema, y un año después me acordé que lo tenía pendiente, pero no recordaba bien la historia para montarlo, incluso llamé al productor y a Pepe Viyuela. La idea de este corto era demostrar que el cine puede ser algo flexible, para interpretarlo y editarlo de muchas maneras". 

"Hoy en día todos mis cortometrajes y spots están colgados en el canal de youtube de Películas Pendelton, algo que en cierta forma sirve para evitar mi miedo a que todo este material pueda perderse".

Una vez concluida la retrospectiva, Fesser dejó caer cual podría ser su siguiente proyecto "Estoy escribiendo el guión de algo que no tiene nada que ver con lo que he hecho, es un drama que sucede hace 3000 años en China. Estoy buscando la financiación, porque sería cara y estaría rodada en chino, así que necesitaría que funcionara en este mercado. La marcianada es qué pinto yo allí, pero igual cuela y la hacemos". 

También comentó su experiencia con otros directores contemporáneos, que al igual que él, se iniciaron en el campo del cortometraje "Con muchos de ellos coincidí cuando fui a festivales con "Aquel ritmillo" y "El secleto de la tlompeta" (1995), y tuve la suerte de hacerme muy amigo de la mayoría de ellos. Tuve una experiencia muy bonita con la primera edición de Notodofilmfest.com, porque de jurado estaban Santiago Segura, Álex de la Iglesia, Julio Medem y Juanma Bajo Ulloa. Ellos fueron los primeros a los que les sugerí el reto de hacer un cortito. Muchos de ellos no editaban y los introduje en ese mundo, y le cogieron el gustillo. Hay toda una generación de gente que hemos empezado rodando cortos en 30 milímetros, y luego hemos vivido la irrupción de lo digital y de las nuevas tecnologías, que hemos incorporado al cine."

La velada finalizó con el estupendo cortometraje de ciencia-ficción humorístico "Eternos", el cual fue incluido a modo de prólogo y epílogo en la película colectiva "Al final todos mueren". 

La presencia del director en el MIDEC 2016 se prolongó un día más, ya que el 11 de mayo se proyectó su nuevo cortometraje "Bienvenidos" (2015).

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MARIO VAN PEEBLES

Nació el 15 de enero de 1957 en Distrito Federal (México).

Es hijo del actor, director y guionista Melvin Van Peebles y de la actriz y fotógrafa alemana Maria Marx. Su hermana Megan (fallecida en 2006) fue actriz ocasional, al igual que su hermano Max Van Peebles (que además trabajó en el departamento de casting de "New Jack City", y colaboró en varios films como director de segunda unidad). Mario debutó como actor en "Sweet Sweetback's Baadasssss Song" (1971), película clave del cine blaxpolitation, que dirigida y escrita y protagonizada por Melvin Van Peebles. En ella interpretó al joven Sweetback, el mismo personaje que encarnó su progenitor en la edad adulta. En 1971 intervino como secundario en el telefilm "Crosscurrent". 

Tras estudiar en el Saint Thomas More School de Connecticut, en 1978 se graduó en Económicas por la Universidad de Columbia. En 1979 trabajó como analista para la oficina de Ed Koch, alcalde de Nueva York.

A principios de los 80 decidió dedicarse de lleno a la interpretación, y en 1981 actuó en el telefilm "The Sophisticated Gents". En 1984 fue el villano X en el clásico de vídeoclub "Exterminador 2", producido por la Cannon. 

Ese mismo año dio vida a un bailarín en "Cotton Club" de Francis Ford Coppola. En 1985 protagonizó "Rappin'", musical de la Cannon orientado hacia el público afroamericano y consumidor de música rap. A mitad de la década intervino en los films de acción "Héroes del Bronx" (1985) y "3:15" (1986). En 1986 participó en el vídeoclip "The Matter of Trust" de Billy Joel.

Tras intervenir en episodios de "La hora de Bill Cosby" y "La ley de Los Ángeles", en 1986 fue Stitch, el marine que se hacía llamar El Ayatolá del Rock and Roll en "El sargento de hierro", dirigida y protagonizada por Clint Eastwood. A finales de los 80 llevó a cabo otros papeles secundarios en títulos como el drama deportivo "Entre campeones" (1987) y "Tiburón: la venganza" (1987).

En 1988 protagonizó la serie de detectives "Sonny Spoon", que aunque sólo constó de dos temporadas, le permitió dar el salto a la dirección en uno de sus episodios. En 1989 escribió y protagonizó la comedia "Identity Crisis", dirigida por su padre. Ese año dirigió sendos capítulos de "Nuevos policías", serie en la que también intervino como actor invitado. 

En 1990 ejerció como realizador de la serie de sketches humorísticos "In Living Color". Un año después dio el salto a la dirección cinematográfica con el estupendo thriller sobre el mundo de la droga "New Jack City", protagonizado por Wesley Snipes, Ice T, Chris Rock y Judd Nelson. En este film se reservó el papel secundario del policía Stone.

A lo largo de los 90 actuó telefilms como "El triunfo del corazón" (1991), "Las noches de Savoy" (1992), "Guerra en las calles" (1993), "Eclipse total" (1994), "Corrupción policial" (estrenada en 1996 y en la que también ejerció como director), "Riot: la revuelta" (1997), "La familia de Mamá Flora" (1998) y "Asesinos en casa" (1998). 

En 1994 dirigió y protagonizó el western afroamericano "Renegados", y en 1997 escribió, produjo y protagonizó una secuela titulada "Renegados 2: los locos".

También coincidió con Christopher Lambert en el film de acción "Gunmen" (1993) y en "Los Inmortales 3: el hechicero" (1994), donde dio vida al villano Kane. En 1995 dirigió y produjo "Panther", drama sobre los Panteras Negras, donde se reservó el papel de reparto del político Stokey Carmichael. En 1996 protagonizó la película de acción y ciencia-ficción de Serie B "Solo, el destructor" (1996). 

Sus siguientes largometrajes de bajo presupuesto fueron "Tierra del crimen" (1997), "Despedida de soltero sangrienta" (1997), "Testigo inesperado" (1998) y "Nervios de acero" (2000). 

En la pequeña pantalla fue Marcus Adams en la tercera y última temporada de la sitcom "Pasados de vueltas" (2000-2001). En 2000 fue actor de reparto en la miniserie "Sally Hemings, historia de un escándalo". Un año más tarde interpretó a Malcolm X en el biopic "Ali", con protagonismo de Will Smith y dirección de Michael Mann. En 2003 dirigió, escribió y protagonizó la película independiente "Badasssss!", un biopic y homenaje a la figura de su padre (donde se puso en la piel de éste), que le reportó buenas críticas y tres nominaciones de los Premios Independent Spirit (Mejor película, director y guión). En la primera década del siglo XXI siguió siendo un actor habitual en telefilms como "44 minutos de pánico" (2003) o "Liquidador" (2007), así como en películas directas al mercado del vídeo: "Carlito's Way: Ascenso al poder" (2005), "La huida de Charlie Wright" (2010) o la producción de Asylum "American Waterships" (2012). 

En 2008 fue Samuel Woods en el culebrón "All My Children". En televisión también realizó apariciones especiales en episodios de "Más allá del límite", "Martial Law", "Ley y orden", "Daños y perjuicios" y "Nashville". 

Con su padre Melvin Van Peebles.

Por otra parte, fue director, guionista, y actor de otros títulos como "Love Kills" (1998), "Maldita suerte" (2006) y "Red Sky" (2014). Su carrera como realizador se completa con las películas "Redemption Road" (2010), "All Things Fall Apart" (2011) y "We the Party" (2012); los documentales " The First Amendment Project: Poetic License (2004), " Bring Your 'A' Game" (2009)  y "Fair Game?" (2010); y episodios de series como "La pasión de Gabriel", "Hijos de la anarquía", Daños y perjuicios", "Perdidos", "Boss", "Navy: Investigación criminal", "Hora cero", "Nashville", "Érase una vez", "Chicago P.D" y "Empire". En 2015 estrenó como secundario la película "Sumerged" y el telefilm "For Justice". En 2016 dirigió un episodio de la miniserie "Roots" (remake de "Raíces") y la película "USS: Indianapolis: Men of Courage", protagonizada por Nicolas Cage. En lo personal, estuvo casado con Lisa Vitello, y actualmente está unido a la actriz, escritora y experta en yoga Chitra Sukhu. Es padre de cinco hijos: Mandela, Marley (ambos actores), Maya (actriz y miembro de departamento de casting), Makaylo y Morgana.   

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DEVORADORES 2: ELECTRIC BOOGALOO: PROGRAMA 60: "CAPITÁN AMÉRICA: CIVIL WAR· Y TRILOGÍA DE "IRON MAN"

Con motivo del estreno de "Capitán América: Civil War", comentamos la película y la comparamos con el cómic en el que se basa. En el segundo bloque también hay espacio para la trilogía de "Iron Man" y para una pequeña selección de videojuegos. 

PARA ESCUCHAR EL PROGRAMA CLIQUEAD EN: 

PODCAST 60

IN MEMORIAM: ÁNGEL DE ANDRÉS LÓPEZ

Nació el 23 de octubre de 1951 en Madrid (España).

Su tío fue el actor Ángel de Andrés, de quien heredó su interés por la interpretación. De hecho, abandonó sus estudios de Derecho para unirse al grupo de teatro Tábano. En 1977 hizo su debut cinematográfico con un breve papel en "Con uñas y dientes". Su siguiente película fue "¿Qué hecho yo para merecer esto!!" (1984) de Pedro Almodóvar, donde dio vida al personaje secundario de Antonio, marido de Gloria (Carmen Maura).  

En 1985 fue actor de reparto en "Luces de bohemia" y participó en la serie "Platos rotos". Un año después fue uno de los protagonistas de la comedia "Manuel y Clemente". Sus siguientes papeles secundarios los llevó a cabo en "Mujeres al borde de un ataque de nervios" (1988) de Pedro Almodóvar, "No hagas planes con Marga" (1988), "Baton Rouge" (por la que fue nominado al Goya como Mejor actor secundario en 1988), "Las cosas del querer" (1989), "Martes de carnaval" (1991), "Huevos de oro" (1993) de Bigas Luna, "Antártida" (1995), "Corsarios del chip" (1996), "Taxi" (1996) de Carlos Saura, "Tu nombre envenena mis sueños" (1996) de Pilar Miró, "La celestina" (1996) de Gerardo Vera, "El perro del hortelano" (1996) de Pilar Miró, "Sólo se muere dos veces" (1997), "¿De qué se ríen las mujeres?" (1997) de Joaquín Oristrell, "En brazos de la mujer madura" (1997), "99.9" (1997) y "Me llamo Sara" (1998). 

Entre 1988 y 1991 interpretó al personaje de Fede en la telecomedia "Pase sin llamar", incluida dentro del programa infantil "Cajón desastre". A finales de los 80 y durante la década de los 90 fue actor invitado en series y miniseries como "Lorca, muerte de un poeta" (1987) de Juan Antonio Bardem, "Delirios de amor" (1989), "La forja de un rebelde" (1990), "La huella del crimen", "Eurocops", "Chicas de hoy en día", "Crónicas del mal", "Ay, señor, señor", "Serie negra" y "Pepe y Pepe". Entre 1994 y 1995 interpretó a Mariano en la serie "Villarriba y "Villabajo". 

Tras fracasar con la telecomedia "Contigo, pan y cebolla" en TVE, logró su mayor éxito televisivo interpretando a Manolo Jumilla Pandero, chapucero albañil y colega de Benito (Carlos Inglesias) en la serie de 6 temporadas "Manos a la obra" (1998-2001), emitida por Antena 3. Entre 2006 y 2007 retomó el papel en su secuela "Manolo y Benito Corporeision", que no repitió el éxito de antaño y sólo constó de una temporada. 

Posteriormente coprotagonizó films como "800 balas" (2002) de Álex de la Iglesia, "Platillos volantes" (2003) de Óscar Aibar y "Las locuras de Don Quijote" (2006), e intervino en los largometrajes corales "Tiovivo c. 1950" (2004) de Jose Luis Garci y "Tapas" (2005) de José Corbacho y Juan Cruz. Tras participar en la serie de corta vida "Diez en Ibiza" (2004), volvió a ejercer como actor secundario en películas como "Desde que amanece apetece" (2005) de Antonio del Real, "Teresa, el cuerpo de Cristo" (2007), "Sexykiller. morirás por ella" (2008) y "El kaserón" (2010). 

También combinó colaboraciones invitadas en "Hermanos & detectives", "El comisario", "Los Quien" y "Cuéntame", con su personaje de Florencio Sáenz en la serie de dos temporadas "Pelotas", emitida por TVE. En 2015 pudimos verlo por última vez como Clemente en otra producción de TVE: "Carlos, rey emperador". Su carrera artística se completó con las obras teatrales  Aquí no paga nadie" (1983), "Kabarett para tiempos de crisis" (1984), La loca carrera del árbitro (que él mismo dirigió y protagonizó en 1985) o "Wilt" (2012). Ángel de Andrés López falleció el 4 de mayo de 2016 en Madrid (España), a la edad de 64 años y a consecuencia de un infarto.  

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ENTREVISTA A DAVID CÁNOVAS Y FERNANDO CAYO, DIRECTOR E INTÉRPRETE DE "LA PUNTA DEL ICEBERG" (2016):

El 28 de abril tuvo lugar el preestreno de la película "La punta del iceberg" (2016) en el Cine Víctor de Santa Cruz Tenerife. Este thriller dramático es el debut en la dirección de largometrajes del director tinerfeño David Cánovas, que acudió al evento en compañía del actor Fernando Cayo, de Antonio Tabares, autor de la obra  teatral de 2011 en la que se basa el film (adaptada a la gran pantalla por el propio realizador en colaboración con los guionistas José Anaro Carrillo y Alberto García Martín); y del compositor de su banda sonora Antonio Hernández. 

De izquierda a derecha: Fernando Cayo, Antonio Hernández, David Cánovas y Antonio Tabares.

Su argumento se centra en una serie de suicidios que suceden entre los empleados de una gran empresa. Debido a ello, Sofía Cuevas (Maribel Verdú), es contratada para aclarar lo sucedido y redactar un informe al respecto. A lo largo de su investigación, ella va entrando en contacto con los trabajadores, y descubre una serie de abusos de poder. 

El reparto se completa con papeles secundarios de Bárbara Goenaga, Carmelo Gómez, Álex García, Ginés García Millán, Zoe Berriatúa, Jesús Castejón y Nieve de Medina.  

¿Qué representa la punta del iceberg en la película?:

David Cánovas: Es una mínima parte que se ve respecto a muchas situaciones, ambiciones y actitudes de las grandes empresas. Aunque ese tipo de cosas también se pueden ver en las pequeñas y medianas empresas. Es la visualización de muchas cosas que están por debajo, y que no vemos o no queremos ver. 

¿Qué supone para ti estrenar la película en el Cine Víctor?:

David Cánovas: Para mi es un honor, porque nací muy cerca de aquí y vi muchas películas en este cine durante mi infancia y adolescencia. Me gustaría reivindicar esta sala, que es la única que queda en Canarias sin ser un Multicine. 

¿Cómo fue tu acercamiento a la obra teatral de Antonio Tabares?:

David Cánovas: Todo fue gracias al guionista Jose Amaro Carrillo, que fue el que me sugirió que leyese la obra teatral de Antonio Tabares, que estaba editada. También quiero destacar que la película se ha podido hacer gracias al trabajo de producción de Gerardo Herrero y Tornasol Films, y al gran elenco de actores encabezado por Maribel Verdú. Quiero saber la opinión de Antonio Tabares sobre cómo hemos convertido al personaje de Sofía Cuevas en el eje de la historia. Tampoco quiero olvidarme del esfuerzo que ha hecho Fernando Cayo por estar hoy aquí acompañándome, él es uno de los mejores actores de este país.

El personaje de Miralles (Ginés García Millán) afirma en la película que "En ningún trabajo merece la pena que te dejes la piel". ¿Cuánta piel te has dejado por el camino para afrontar el film como director?:

David Cánovas: Yo creo que hay distintos niveles de estrés, todos hemos pasado por ello en nuestra vida laboral. En la presentación de la película en el Festival de Málaga, comenté que durante el rodaje, yo apenas podía dormir. Dormía dos horas, porque estaba preocupado por lo que había rodado, y por lo que iba a rodar al día siguiente, y hasta tuve que tomar Dormidina. Al final mucha gente me comentó que no me preocupase, porque normalmente ninguno de los directores noveles suele dormir bien hasta que se estrena la película. Me siento identificado con la historia, porque muchas veces me he preguntado sobre qué estoy haciendo con mi vida,  y no puede ser que uno llegue a esos límites. El film trata muchos temas como los miedos en el entorno laboral o el futuro inmediato.

Fernando Cayo: Tal y como se trabaja hoy en España, hay que dejarse la piel, por que las condiciones y los apoyos que tenemos son muy débiles. Los artistas en general tenemos algo vocacional y estamos dispuestos a darlo, pero a veces nos preguntamos si esto merece la pena. 

¿Ha sido complicado el proceso de pasar de rodar cortometrajes a dar el salto a un largometraje?:

David Cánovas: Con un equipo técnico tan profesional, donde sólo Antonio Tabares y yo éramos los noveles, me sentí muy arropado. La principal complicación al pasar de un corto a un largo es la coherencia del relato, que hay que mantenerla en esos 90 minutos. Me preocupaba que todo resultase coherente con el final de la película. Un cortometraje de 6 o 7 minutos es más fácil de controlar, y se puede preveer el resultado en pantalla. Sin embargo, un largometraje da mucho más respeto si todo no se coordina bien. También me fijaba mucho en los tempos cinematográficos, algo que todos los directores tenemos en nuestra cabeza. Eso era lo que más me preocupaba, ya que no tenía nada que objetar respecto a la profesionalidad del elenco actoral y del equipo técnico.     

¿Cuál fue el mayor reto de la película?:

David Cánovas: Algunas escenas me han resultado muy laboriosas, pero quizá lo más complicado fue reflejar el papel que interpreta Álex García, que es muy complejo. Tiene una transformación y en cada escena va evolucionando y mostrando un comportamiento diferente. 

Fernando Cayo, ¿con qué te quedas del personaje complejo que representa Carlos Fresno en la película?:

Fernando Cayo: Ayer en una entrevista en Radio Nacional de España, me preguntaron si me iba a encasillar en papel de jefes, porque interpreté a Napoleón en "El ministerio del tiempo", estoy haciendo de Rodrigo Sánchez, el director de "El caso" en la serie de televisión, y en la película hago de jefe. La diferencia es que el de Carlos Fresno es el más peligroso de todos. Independientemente de que sea malo o bueno, lo más fuerte del mismo es que es real. Yo he conocido a gente en el mundo de recursos humanos que se encarga de hacer este tipo de trabajo. Fresno es un personaje que para ser eficiente, tiene que atravesar ciertos límites, aunque esto no sea ético. Hay una reflexión en la película, y que está muy bien, donde vemos que este hombre no deja de ser una persona más, no es un monstruo que está en una cueva devorando cadáveres putrefactos, es un ser humano que camina, y que tiene problemas y afectos. El problema es que la sociedad en la que vivimos nos deshumaniza y nos insensibiliza. Muchos filósofos hablan de la zombificación, cuando te acostumbras a una serie de cosas, caminamos como zombies por la vida, y ya no tenemos valores para contrastar lo que está bien o mal. Por eso el tener una capacidad crítica, nos ayuda a darnos cuenta de en qué sitio estamos, y de si nos vamos transformando en Carlos Fresno, o no. 

Tanto "El desconocido", en la que participaste como actor el año pasado, como "La punta del iceberg", se mezclan elementos de thriller con crítica social. ¿Cómo crees que encajaron esos dos elementos en ambas propuestas?:

Fernando Cayo: Yo creo que los grandes maestros del thriller son los americanos, sin duda alguna. Si tu ves un buen thriller, siempre tienes una parte con la realidad, y luego un anclaje con el espectáculo. Tu coges "Spotlight" (2015), una de las ganadoras de los Oscar de este año y tienes un tema espinoso y controvertido como puede ser el de los abusos sexuales por parte de sacerdotes. Yo creo que cualquier buena película tiene que tener ese anclaje con la realidad, en el caso de "El desconocido", trataba sobre los abusos de la banca en el tema de las preferentes, y en "La punta del iceberg", vemos el abuso, que con el tema de la crisis, se está cometiendo con un montón de trabajadores. Esgrimiendo que la crisis es así de dura, se están bajando sueldos y haciendo que la gente trabaje más horas, para que aquellos que han ganado mucho dinero, ganen aún más, lo cual es una falacia de partida. La película es un claro ejemplo de como puede estar vinculado lo social, lo humano, los valores y el hablar de cosas, y que aún así se consiga hacer una buena película, que sea entretenida y que enganche. Espero que por lo menos tenga una taquillazo tan bueno como el que tuvo "El desconocido".  

Dada tu participación en series actuales como "El ministerio del tiempo" y "El caso" en TVE, ¿piensas que esto abre un nuevo camino que se puede prolongar con la serie de producción propia "Cable Girls", que prepara una televisión de pago como es Netflix?:

Fernando Cayo: Desde luego, la primera serie de Netflix para España ya está en proceso de preproducción. Todo tiene que cambiar, y yo creo que será así. Sobre todo, yo haría hincapié a que se está empezando a apostar por talento e ideas propias. En el caso de estas series, son ideas creativas y producciones nacidas en España. Yo cuando veo una serie española que es una copia de una americana, me pregunto la razón de que la hagan, porque si ahora en Estados Unidos están haciendo obras maestras, no hay necesidad de hacer eso, con todo el talento original que hay en nuestro país. Creo que Televisión Española está haciendo un gran trabajo con las series, y con la producción de películas como "La punta del iceberg". Espero que ambas series sean renovadas, porque esto es potenciar nuestro orgullo e identidad creativa. Creo que la cosa está yendo por ahí, y espero que vaya a más.

David Cánovas: Los ministéricos, fans de la serie, la han salvado con la ayuda de las redes sociales, han hecho que fuera posible que "El ministerio del tiempo" renovase por una segunda temporada.

David Cánovas, ¿cuáles son tus proyectos más cercanos?:

David Cánovas: Me gustaría seguir haciendo películas, tengo otro guión entregado con los mismos guionistas, una adaptación de una novela de un autor canario. El libreto está aprobado, y ahora falta que el productor pueda conseguir financiarlo.

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