martes, 17 de abril de 2018

ENTREVISTA A SILVIA MARSÓ "NO BUSCO LA RENTABILIDAD DEL TEATRO, SINO HACER ARTE QUE ME APORTE, Y AL MISMO TIEMPO, NO PERDER LA CAMISA"



El 5 de abril, dentro de los Encuentros de Amigos del Teatro Guimerá, se llevó una charla con la actriz Silvia Marsó, la cual presentó la obra de teatro "24 horas en la vida de una mujer" de Stefan Zweig, cuyas funciones tuvieron lugar los días 6 y 7 de abril. 

Esta adaptación en formato de teatro musical de Christine Khandjiany Stéphane  Ly-Coug, y con dirección de Ignacio García, apuesta por el género apoyándose en el trabajo de actores sobre el texto de Zweig. Por otro lado, la música original de Sergei Drezniny, el planteamiento visual de Arturo Martín Burgos en la escenografía, Juanjo Llorens en la iluminación y Ana Garayen en el vestuario, también forman una parte fundamental para narrar la historia. 

El argumento parte de los recuerdos solapados de la protagonista cuando ella es una anciana y se encuentra en un palacio decadente, de modo que se va cambiando de decorados sólo con el juego de luces, que provoca que cada escena se represente como un cuadro. 

En la charla, Silvia Marsó habló sobre diversos aspectos de este singular proyecto producido por ella misma, y también hubo tiempo para que comentase distintas anécdotas sobre sus inicios artísticos y su trayectoria. 


¿Qué podemos encontrar en la obra "24 horas en la vida de una mujer"?:

Yo era muy seguidora de su autor, Stefan Zweig, cuyos trabajos están aún muy vivos y por eso decidí comprar los derechos de su adaptación. Este año se cumplen 75 años de su muerte, ya que se suicidó junto a su mujer en Brasil, huyendo de la invasión Nazi al ser judío y al no soportar que su querida Europa se estuviese desintegrando de una manera tan brutal. Una lástima, porque si hubiera esperado unos tres meses más, no se habría suicidado. 

Precisamente, en la obra está el reflejo de esa Europa, es un compendio de nuestra cultura. La música la ha compuesto el músico ruso Sergei Dreznin, que es una eminencia y ha pasado mucho tiempo en Alemania. Ha hecho un trabajo que tiene mucho de la música del siglo XIX y de principios del XX, desde valses vieneses, pasando por música de Rusia, Francia o Italia. 

Es una obra que transita por todos esos mundos de la vieja Europa. Al mismo tiempo, fusiona la música y la danza (cantamos mucho, pero los temas está sujetando las emociones de los personajes), la interpretación, la literatura y hasta la pintura, porque la escenografía la ha hecho el pintor Arturo Martín Burgos. Ver todas esas artes unidas que van fluyendo de manera armoniosa, es todo un lujo para mi como intérprete, y es una suerte tener como director a Ignacio García. 


¿Cómo es la experiencia de ejercer como productora teatral?:

Es un poco agotadora, y precisamente no es lo que más me gusta, y más en estos tiempos en los que es tan difícil para sacar un proyecto adelante. Pasas muchos nervios y todo depende de ti, y estás con el alma en vilo, por si se produce algún fallo técnico. Sin embargo, a veces no te queda otra, y me vi en la necesidad de producir el espectáculo, porque aunque todos los productores me decía que era una maravilla, no le veían la rentabilidad. Pero claro, yo no busco la rentabilidad, sino hacer arte que me aporte, y al mismo tiempo, no perder la camisa.

¿Cómo fueron tus inicios como actriz?:

Cuando era niña, siempre estuve interesada en las artes, pero no sabía si quería ser actriz, cantante, o pintora. Sacaba sobresaliente en todas las asignaturas que tuvieran que ver con el arte. Lo curioso, es que en mi familia, no había nadie que se dedicase a eso. Cuando realmente me di cuenta que quería ser actriz fue cuando vi en el cine "El espíritu de la colmena" (1973) de Víctor Erice, y aunque cuando la vi, no me enteré de lo que pasaba, porque en esa historia todo pasa por debajo, quedé fascinada con el personaje de Ana (Ana Torrent), ya que la película estaba contada a través de su mirada. Realmente no sabía muy bien por qué, pero desde ese momento yo ya tenía claro lo que quería ser. Y ahora de mayor, he tenido la oportunidad de decirle eso a la propia Ana Torrent, la cual se alegró muchísimo al saberlo. 

Otro aspecto que me marcó en mi infancia, fue una profesora de lengua que tuve cuando tenía 10 años, es la única profesora de la que recordaba su nombre y apellidos, y luego la pude localizar a través de facebook. Sus enseñanzas fueron muy importantes para mi, ya que me enseño que debajo de las letras, se escondía el mensaje, y encima lo planteaba todo como si fuera un juego. 

¿Cómo fue tu paso por el programa "Un, dos,tres" y qué ventajas e inconvenientes encontraste en esta experiencia?:

El destino quiso que yo entrara en el "Un, dos, tres". Yo no tenía ninguna intención de entrar, porque vivía en Barcelona y el programa se grababa en Madrid. Yo en aquel momento tenía 17 años y estaba haciendo una obra de teatro en El Paralelo de Barcelona, y al mismo tiempo estaba haciendo un programa en la televisión catalana, antes de que existiera TV3. En este espacio había una orquesta con la que yo cantaba. También había actuaciones de Sergio Dalma (cuando aún no usaba ese nombre artístico), Mary Santpere o Charly Rivel, y yo luego los entrevistaba. 

Fue por esta época cuando me sugirieron que me presentara al casting de "Un, dos, tres". Recuerdo que se organizó el primer casting multitudinario por toda España, Chicho Ibáñez Serrador  quería encontrar chicas que supieran actuar, cantar y bailar, y aunque no las buscaba guapas, si necesitaba encontrar a algunas que tuvieran una personalidad cercana y diferente entre unas y otras. Recuerdo que allí conocí a Chicho, que había oído hablar de mi y me ofreció participar en el programa. Todo se empezó a preparar en el mes de mayo de 1983. Aunque ya me habían elegido junto al resto de las secretarias del programa, se grabó un falso casting a modo de documental. Lo primero que hice en el programa fue el número de "A Chorus Line", que era un espectáculo de Broadway que nunca se había visto en España. Aquel primer programa de la temporada lo vieron 20 millones de personas, muy diferente a las audiencias de hoy en día, donde todo está muy repartido y un gran pico de audiencia está en 6 millones de espectadores. Estuve en dos etapas, primero entre 1983 y 1984, y luego volví en 1987. El programa me cambió la vida, y me hizo muy popular, y aunque hizo que me conociera toda España, también provocó que se me cerraran algunas puertas, en especial en las del teatro más serio y comprometido, ya que yo quería trabajar con Marsillach o con Narros, pero no me solían coger, porque yo era muy popular. Así que aunque luego también presenté programas como "Los Sabios" (1984-85) en TVE o "Telecupón" en los inicios de Tele 5 (1990-91), tuve que romper con eso, y aunque me ofrecieron mucho dinero para ejercer como presentadora de otros concursos, la decisión de rechazarlos que no me costó nada tomarla, porque quería renunciar a lo fácil para poder hacer una carrera como actriz, pero empezando por abajo.   

¿Cómo te sentiste al ser dirigida por Juanma Bajo Ulloa en "La madre muerta" (1993) y cuáles han sido las razones por las que un director tan personal haya tenido una carrera tan intermitente?:

Fue una gran suerte trabajar con él. En estos años he visto a Juanma en varias ocasiones, y él ha estado centrado en la publicidad. Es un genio infravalorado y desaprovechado por el cine español, no se si por su carácter de enfant terrible o porque no pertenecía a ningún grupo de directores.  



  

lunes, 16 de abril de 2018

IN MEMORIAM: HARRY ANDERSON

Nació el 14 de octubre de 1952 en Rhode Island (USA).
Sus padres se separaron cuando era niño y pasó su infancia junto a su madre y sus tres hermanos, moviéndose por diferentes estados debido a los numerosos trabajos que desempeñó su progenitora.
En 1962 se trasladó a California para vivir con su padre, donde comenzó a interesarse por los secretos de la magia, allí estudió en el "North Hollywood High School", graduándose en 1970.
Posteriormente comenzó a dedicarse al ilusionismo actuando en Hollywood, pero fue aconsejado por sus allegados de que su verdadero talento se encontraba en la comedia y no en la magia. Por este motivo decidió introducirse en el mundo del humor, apareciendo en 1981 en un especial de la cadena HBO para jóvenes comediantes. Su gran oportunidad llegó al intervenir en varios programas del mítico "Saturday Night Live" entre 191 y 1985.
Su primer papel como actor fue una breve aparición interpretando a un mago en la película "Maestro en fugas" (1982). En 1983 colaboró en algunos episodios de "Cheers" interpretando al mago Harry "The Hat" Gites (un papel que repitió en otros episodios de 1987 y 1993).


Debido a la buena acogida de esta apariciones, 1984 le ofrecieron el papel principal en la sitcom "Juzgado de guardia". Un éxito instantáneo en el que interpretó al juez de guardia Harry Stone, dotado de un sentido del humor irreverente que lo alejaba de los cánones tradicionales de su profesión. Lo curioso era que pese a sus métodos tan poco convencionales, lograba ser alguien justo y efectivo a la hora de impartir la ley. La serie tuvo una larga trayectoria de 9 temporadas, finalizando en 1992 y por este trabajo Harry fue nominado al Emmy como mejor actor de comedia en tres ocasiones. También ejerció como director y guionista de varios episodios. 



Al margen de su trabajo en la serie, en 1985 actuó en un episodio de "Historias del más allá". También protagonizó los telefilms "The Absent-Minded Professor" (1988) y "The Absent-Minded Professor: Trading Places" (1989), remakes televisivo de la comedias Disney "Un sabio en las nubes" (1961) y "Un sabido en las nubes" (1963),


En 1988 intervino en la miniserie "Tanner 88" de Robert Altman, hizo un cameo en "La loca aventura del matrimonio" de John Hughes y protagonizó el telefilm "Spies, Lights and Naked Tighs". 


En 1990 fue  Richie Tozier de adulto en  la miniserie "It" (1990), basada en la novela de Stephen King. En 199o actuó en el telefilm infantil "Mother Goose Rock N' Rhyme y fue el protagonista de un episodio de la serie "Historias de la cripta" titulado "Korman's Calamity". En 1992 se encargó de escribir otro capítulo titulado "Seance".


En 1993 fue el protagonista de una nueva sitcom titulada "El mundo de Dave", centrada en la vida familiar del dibujante de tiras cómicas Dave Barry, esta nueva serie tuvo una audiencia notable, se mantuvo en antena durante 4 temporadas y concluyó en 1997.
Durante ese año fue el presentador de un programa especial sobre el mundo de la magia titulado "The Science of Magic". En 1998 protagonizó el remake televisivo de la comedia de 1950 "El invisible Harvey", donde interpretó a Elwood P. Dowd, un hombre que tiene como amigo a un conejo imaginario. En los 90 comenzó a intervenir como actor invitado en las series "Parker Lewis nunca pierde", "Al senador, ni caso", "El show de John Larroquette" y "Lois y Clark". Su siguiente trabajo como intérprete fue en un episodio de la sitcom "Son of the Beach", rodado en 2002.

En los siguientes años apareció en televisión para ser entrevistado en algunos programas norteamericanos, ya que decidió abandonar la interpretación y ha estableció varios negocios en Nueva Orleans. En 2003 abrió un almacén llamado "Sideshow" y en 2005 es el propietario de la taberna "Oswalds". En 2008 participó en un episodio de la serie "Rockefeller Plaza" interpretandose a sí mismo y donde coincidió con sus compañeros de "Juzgado de guardia" Markie Post y Charlie Robinson. En 2014 estrenó la película "A Matter of Faith". Entre 1977 y 1999 estuvo casado con la mentalista Leslie Pollack y tuvieron de dos hijos llamados Eva Fay y Dashiell. Entre 2000 y hasta su fallecimiento estuvo unido en segundas nupcias con Elizabeth Anderson. Harry Anderson falleció el 16 de abril de 2018 en Carolina del Norte (USA), a la edad de 65 años.







domingo, 15 de abril de 2018

IN MEMORIAM: R. LEE ERMEY

Nació el 24 de marzo de 1944 en Kansas (USA).

Tuvo una juventud delictiva, y tras un arresto, en 1961 el juez le dio a elegir entre alistarse en el ejército e ir a la cárcel. Entre 1965 y 1967 fue sargento instructor de los Marines de San Diego. Un año después  sirvió en Vietnam, donde permaneció 18 meses; y también fue destinado dos veces a Okinawa, lugar en el que sufrió diversas heridas que hicieron que se licenciase.

Cuando estaba estudiando Interpretación en la Universidad de Manila, logró su primer papel como actor interpretando a un sargento en el film bélico "Los chicos de la compañía C" (1978). En 1979 hizo una breve aparición interpretando a un piloto de helicópteros en "Apocalipsis Now" de Francis Ford Coppola. En esta película también ejerció como consejero técnico de asuntos militares.

Tras otro trabajo secundario en "Medalla de valor" (1984), en 1987 Stanley Kubrick le dio el papel del estricto Sargento Hartman, el cual hacía la vida imposible a Pyle (Vincent D' Onofrio) el recluta patoso, en el primer fragmento de "La chaqueta metálica". Este trabajo hizo que saltase a la fama y hasta fuese nominado al Globo de oro como Mejor actor secundario. 

Poco tiempo después intervino en un episodio de "Corrupción en Miami" e interpretó al Comandante Tillman en "Arde Mississippi" (1988) de Alan Parker. Sus siguientes papeles secundarios fueron en "Asalto a Firebase Gloria" (1989) y "Fletch revive" (1989). En 1990 dio vida al Capitán Phillips en la película española de ciencia-ficción "La grieta" de Juan Piquer Simón. 

En los 90 y a principios del siglo XXI siguió ejerciendo de característico en films como "Acoso infernal" (1991), "Operación soldados de juguete" (1991), "Linda, loca y peligrosa" (1993), "Sommersby" (1993), "Secuestradores de cuerpos" (1993) de Abel Ferrara, "Conspiración criminal" (1994), "En tierra peligrosa" (1994) de Steven Seagal, "El amor es un tiro" (1994), "Homicidio en primer grado" (1995), "Campeón en campeones 3: la ley del odio" (1995), "Seven" (1995) de David Fincher, "Leaving Las Vegas" (1995) de Mike Figgis, "Pena de muerte" (1995) de Tim Robbins, "Agárrame esos fantasmas" (1996) de Peter Jackson, "Los muertos no bailan"  (1997), "La envidia" (1998), "Un tipo peligroso" (1998), "Condenados a fugarse" (1999), "Avalancha" (1999), "Factor caos" (2000), "Tres idiotas y una bruja" (2001), "Escenas de un crimen" (2001), "Inocencia secuestrada" (2001), "Corre, Ronnie, corre" (2002), "The Salton Sea" (2002), "Willard" (2003), "La matanza de Texas" (2003) de Marcus Nispel, "El hombre de la casa" (2005), La matanza de Texas: el origen" (2016) o "Los amos del barrio" (2012) . También hizo un cameo en "Agárralo como puedas 33 y 1/3: El insulto final" (1994), y puso su adecuada voz como el soldado de juguete Sarge en "Toy Story" (1995), "Toy Story 2" (1999) y "Toy Story 3" (2010); y para "Starship Troopers" (1997) de Paul Verhoeven. 

En televisión fue actor invitado en series como "Playa de China", "Guerra de parejas", "Las aventuras de Brisco County Jr.", "Justicia callejera", "Historias de la cripta" "Dulce justicia", "Space: Guerra estelar", "Expendiente X", "Patrulla de asfalto", "Cámara y acción", "The District", "Scrubs", "La hora 11", "Ley y orden: Unidad de víctimas especiales" y "House". Entre 1997 y 1999 intervino en la serie policíaca de una temporada "Cracker". Sus otros trabajos como actor de doblaje fueron en la película "La banda del patio" (2001), en las series "Kim Possible", "Bob Esponja", "El intérpido Batman", "Padre de familia", "Los Simpson"; y en los videojuegos "Call of Duty: Ghosts" (2013) y "Disney Magic Kigdom" (2016).  Entre 2002 y 2009 fue presentador del programa de History Channel "Mail Call", dedicado al armamento militar. En lo personal, desde 1975 y hasta su fallecimiento, estuvo casado con Nila Ermey y ambos fueron padres de cuatro hijos. R. Lee Ermey falleció el 15 de abril de 2018 en California (USA), a la edad de 74 años y a consecuencia de una neumonía. 









viernes, 13 de abril de 2018

IN MEMORIAM: MILOS FORMAN

Nació el 18 de febrero de 1932 en Praga (Checoslovaquia). 

Se convirtió en huérfano a muy temprana edad, ya que sus padres, Rudolf y Anna, fueron víctimas del nazismo (ella falleció en Auschwitz y él fue detenido acusado de distribuir libros prohibidos). A consecuencia de ello, creció junto a varios familiares. Estudió en la escuela de Krále Jiřího. 

Posteriormente cursó Dirección cinematográfica en la Escuela de Cine de Praga. En 1955 y 1958 fue guionista de las películas Nechte to namne" y "Stenata". En 1960 debutó como director del documental "Laterna magica II". Sus siguiente trabajos en este campo fueron "Kdyby ty muziky nebyly" (1964) y "Concurso" (1964). 



A mediados de los 60 destacó dirigiendo y escribiendo diversas comedias dramáticas en su país natal: "Pedro, el negro" (1964), "Los amores de una rubia" (1965) y "¡Al fuego, bomberos!" (1965). Cuando Checoslovaquia fue invadida por la URSS y los otros aliados del Pacto de Varsovia, él se encontraba en París y fue despedido del estudio en el que trabajaba, al considerarse que se encontraba fuera del país de manera ilegal.



Poco tiempo después se trasladó a Nueva York y en 1971 debutó en el cine americano con la película "Juventud sin esperanza", que ganó el Gran Premio del Jurado en el Festival de Cannes. En 1973 dirigió el documental "Visions of Eight". 



Su consagración llegó en 1975 con la excelente y aclamada "Alguien sobre el nido del cuco", con la que ganó el Oscar, el Globo de oro y el BAFTA al Mejor director, así como el Premio del Sindicato de Directores. 




Su buena racha prosiguió con el emblemático musical "Hair" (1979), con el drama musical "Ragtime" (1981) y con el biopic "Amadeus" (1984), por el que volvió a ser premiado como Mejor director al Oscar y en los Globos de oro. 



En 1989 dirigió y escribió "Valmont", basada en la novela de Choderlos de Laclos, que quedó ensombrecida por el éxito de "Las amistades peligrosas" de Stephen Frears, adaptación de la misma historia estrenada un año antes.



En los 90 se prodigó poco y tan sólo dirigió dos biopics: "El escándalo de Larry Flint", sobre la figura del controvertido propietario de la revista erótica Hustler (Woody Harrelson); y "Man o the Moon" (1999), que narraba la historia del humorista Andy Kaufman. Por la primera  fue nominado al Oscar y ganó el Globo de oro al Mejor director, y por la segunda recibió el León de Plata al Mejor director en el Festival de Berlín.



Tras varios años alejado de las pantallas, en 2006 dirigió y escribió la coproducción hispano-estadounidense "Fantasmas de Goya". En 2007 dirigió la obra teatral "A Walk of Worthwhile". Su filmografía se completa con la producción de los films "Way Past Cool" (2000), "Köshpendiler"(2005) y "A Short Story of Decay" (2014). En lo personal, se casó en tres ocasiones. Su primera esposa fue la actriz y guionista Jana Brejchová (1958-1962). Luego se unió a la actriz Vera Kersadlová, junto a la que tuvo gemelos llamados Matej (actor, guionista, animador y director artístico) y Petr (actor, director, guionista y animador). Desde 1999 y hasta su fallecimiento estuvo unido a la guionista Martina Forman. Milos Forman falleció el 13 de abril de 2018 en Connecticut (USA), a la edad de 86 años. Con su muerte, el mundo del cine pierde a un excelente director, del que lamentamos que tuviese una filmografía tan dilatada. 





jueves, 5 de abril de 2018

IN MEMORIAM: ISAO TAKAHATA

Nació el 29 de octubre de 1935 en Japón.

Estudió Literatura Francesa en la Universidad de Tokio. Sin embargo, tras ver la película de animación francesa "Le Roi et L'Oiseau, decidió dedicarse a la animación. 

Tras ejercer como ayudante de dirección en Toei Animation, en 1963 dirigió la serie "Okami Shonen Ken". En 1968 debutó como director cinematográfico con la película animada de fantasía "La princesa encantada", en la que coincidió con su luego socio Hayao Mitazaki. Acto seguido estuvo al frente de otras series como "Moretsu ataro" (1969), "Gegene no Kitaro" (1971) y "Apache Yakyugun" (1971-72). Entre 1971 y 1972 fue segundo director de la serie "Lupin", basada en el popular manga de Kazuhiko Tao "Monkey Punch" y dirigida por Hayao Miyazaki. 



Aunque no logró poder llevar a cabo un proyecto basado en "Pipi Calzaslargas" (a consecuencia de la oposición de su autora Astrid Lindgren), entre 1974 y 1979 logró hacer historia dirigiendo varias exitosas y prestigiosas series de Nippon Animation basadas en clásicos de la literatura infantil enmarcadas, la cuales se enmarcaron dentro del título de "World Master Piece Theater": "Heidi" (1974), "Marco" (1976) y "Ana de las tejas verdes" (1979). 




En 1978 dirigió y realizó los story boards de la también popular serie "Conan, el niño del futuro". 



En  1984 produjo el clásico "Nausicaä del valle del viento" de Hayao Miyazaki. En 1985 fundó junto a éste el estudio de animación Studio Ghibli. 



Allí dirigió su obra maestra: "La tumba de las luciérnagas" (1988), duro drama centrado en Seita y Setsuko, dos hermanos japoneses que sufren las consecuencias de los bombardeos de la Segunda Guerra Mundial. Posteriormente produjo "El castillo en el cielo" (1986) de Hayao Miyazaki, y en 1989 ejerció como director musical en "Niki, la aprendiz de bruja", también dirigida por éste.

Sus siguientes films como realizador para el estudio fuero "Recuerdos del ayer" (1991), la peculiar "Pompoko" (1994), "Mis vecinos los Yamada" (1999) y "El cuento de la princesa Kaguya" (2013). En 2016 produjo la coproducción animada "La tortuga roja". Isao Takahata falleció el 5 de abril de 2018 en Japón, a la edad de 83 años. Con su muerte, el mundo de la animación japonesa pierde a uno de sus pioneros, que además deja un legado impresionante para el género. 








domingo, 1 de abril de 2018

IN MEMORIAM: STEVEN BOCHCO

Nació el 16 de abril de 1943 en Nueva York (USA).

Procedente de una familia judía, su padre era pintor y su madre violonchelista. Estudió en el Instituto de Música y Arte de Manhattan. Posteriormente se formó en Dramaturgia y Teatro en el Carnegie Institute of Technology, En 1966 se graduó en Bellas Artes en la rama de Teatro y recibió una beca.

En 1968 debutó como guionista de la película "The Counterfeit Killer" y escribió un episodio de la serie "Audacia es el juego". En 1969 creó la serie "Los nuevos médicos". En 1972 fue coguionista del film de ciencia-ficción "Naves misteriosas". Ese mismo año fue productor asociado de la serie "Banacek" y un año después escribió el guion del telefilm "Double Indemnity" (1973). Tras firmar un contrato con Universal, realizó trabajos como guionista en series como  "Ironside", "Colombo" (fue autor del episodio piloto "Homicidio de acuerdo con el libro" (1971) de Steven Spielberg), "McMillan y esposa" o "El hombre invisible" (1975-76). También estuvo al frente de series de corta vida como "Griff" (1973), "Delvecchio" (1972-73), "Richie Brockleman, Private Eye" (1978) o "Paris" (1979-1980). En 1979 fue autor del guion del telefilm de terror "Vampiro" y se encargó de un episodio de la serie "La sombra blanca". 


Entre 1981 y 1987 logró su consagración creando, escribiendo y produciendo la aclamada serie dramática policíaca "Canción triste de Hill Street", que hizo historia en la televisión al lograr un gran salto de calidad gracias a su estilo realista, sus maduros guiones y un buen trazado de personajes muy bien interpretados por su reparto coral. Por sus 7 temporadas, logró cinco Emmys a la Mejor serie dramática en 1981, 1982, 1983 y 1984 y dos al Mejor guion en serie dramática en 1981 y 1982.    




En 1983 no tuvo la misma suerte con el drama deportivo sobre beisbol "Bay City Blues". que no superó la primera temporada. Una vez finalizada "Canción triste de Hill Street", siguió un modelo similar con el drama legal "La Ley de Los Ángeles" (1987-1994), que en sus 8 temporadas le hizo ganar dos Emmys como Mejor serie dramática en 1987 y 1989 y uno al Mejor guion en 1987. 



Para su siguiente éxito cambió de registro con la comedia "Un médico precoz", que estuvo 4 temporadas en antena. A finales de los 80 y principios de los 90 también fue el creador de otras series que tuvieron una vida más corta, como la policíaca "Hooperman"(1987-89) o el drama legal "Guerra de parejas" (1991-93). En 1990 logró su mayor fracaso crítico y comercial con la serie policiaco-musical "Cop Rock", que no completó su primera temporada.




Sin embargo, entre 1993 y 2005 volvió a dar en la diana con la reputada "Policías de Nueva York", que permaneció 12 temporadas en antena y le reportó un Emmy a la Mejor serie dramática en 1995. Otras de sus series de los 90 fueron las breves "Moral pública" (1996), la animada "Capitol Critters" (1995) y "Brooklyn Sur" (1997-98). Entre 1995 y 1997 creó el drama legal "Murder One", que pese a ser bien recibida por la crítica, sus audiencias no acompañaron en su segunda temporada y fue cancelada.



En el siglo XXI ideó nuevas producciones que tampoco tuvieron una larga vida como "Philly" (2001-2002), "Justicia ciega" (2005), "Over There" (2005) y "Ganando el juicio" (2008-2009). En 2005 produjo y escribió algunos episodios de "Señora presidenta". Entre 2014 y 2016 creó su última serie: El drama policial "Asesinato en primer grado", que se mantuvo 3 temporadas en antena. 

En lo personal, se casó en tres ocasiones: Su primera esposada fue Gabrielle Levin (1964-67). Luego se casó con la actriz Barbara Bosson (1970-1997), madre de sus dos hijos: Jesse (actor ocasional, director y productor) y Melissa Bochco (actriz ocasional). Desde 2000 y hasta su fallecimiento estuvo unido a la productora Dayna Kalins. Steven Bochco falleció el 1 de abril de 2018, a la edad de 74 años y a consecuencia de la leucemia que padecía. Con su fallecimiento, el mundo de la televisión pierde a una de sus figuras clave, que supieron abrir el camino hacia las series de televisión que ahora podemos disfrutar.





viernes, 30 de marzo de 2018

EL FESTIVAL ISLA CALAVERA RECIBE EN ABRIL AL DIRECTOR PAUL URKIJO Y SU PELÍCULA "ERREMENTARI" (2017)




El Festival de Cine Fantástico de Canarias, que celebrará su segunda edición del 21 al 25 de noviembre, calienta motores con una primera actividad prefestival que contará con el director y guionista vasco Paul Urkijo y la diseñadora de vestuario Nerea Torrijos como invitados.


El Festival de Cine Fantástico de Canarias Isla Calavera ofrece el próximo 20 de abril la proyección del largometraje de terror gótico ‘Errementari (El herrero y el diablo)’ con presencia de su director Paul Urkijo Alijo y la diseñadora de vestuario Nerea Torrijos, quienes participarán en un coloquio con el público al término de la película. Esta sesión especial tendrá lugar en Multicines Tenerife (C.C. Alcampo, La Laguna), a partir de las 20.30 horas, con un precio de entrada de 4,95 euros.

‘Errementari (El herrero y el diablo)’ está producida por Álex de la Iglesia y Carolina Bang, entre otros, quienes se interesaron por el proyecto poco antes de arrancar el rodaje. Inspirada en un cuento tradicional vasco sobre Patxi el herrero, cuenta con guion de Paul Urkijo Alijo y Asier Guerricaechevarría, quienes situaron la historia en el año 1843 y decidieron rodar en un dialecto extinto del euskera para dar verosimilitud a la narración. La película está protagonizada por Kandido Uranga, Uma Bracaglia, Ramón Agirre y Eneko Sagardoy, ganador del Goya al mejor actor revelación de este año, por su interpretación del gigante de 'Handia'. 


El Festival de Cine Fantástico de Canarias Isla Calavera organizará diversas actividades durante el año como antesala de la celebración de su segunda edición, que tendrá lugar del 21 al 25 de noviembre de este año, con la organización de la Asociación Cultural Isla Calavera junto a Multicines Tenerife. El Festival cuenta con el patrocinio del Área Tenerife 2030 del Cabildo Insular, la Universidad de La Laguna, la publicación especializada Tumbaabierta.com, la Asociación Cultural Charlas de Cine y la Fundación Cine+cómics. Colaboran: Ksa Mario, el Aula de Cine de la Universidad de La Laguna y Tenerife Film Commission.






SINOPSIS ‘ERREMENTARI (EL HERRERO Y EL DIABLO)’: 

Han pasado 10 años desde de la primera Guerra Carlista de 1833. En un pequeño pueblo de Álava, un comisario del gobierno llamado Alfredo investiga un suceso que le lleva hasta una siniestra herrería en lo profundo del bosque, donde vive un peligroso y solitario herrero llamado Patxi. Los aldeanos de la zona cuentan oscuras historias sobre él relacionadas con robos, asesinatos y pactos demoníacos. Hasta que por casualidad una niña huérfana llamada Usue consigue colarse en la misteriosa herrería, destapando la terrible verdad que se esconde tras Patxi el Herrero.

lunes, 19 de marzo de 2018

ENTREVISTA AL ACTOR RAMIRO BLAS "DESPUÉS DE PARTICIPAR EN "BAJO LA ROSA" APRENDÍ A QUERERME COMO ACTOR"




"Bajo la rosa" (2017), la película dirigida y escrita por Josué Ramos, se proyectó el 19 de noviembre de 2017 en la primera edición de Isla Calavera - Festival de Cine Fantástico de Canarias. Sin embargo, su estreno comercial en salas no se produjo hasta el 16 de marzo de 2018. Multicines Tenerife, bajo la iniciativa de Charlas de Cine y el Aula de Cine de la Universidad de La Laguna, fue uno de los cines encargados de acoger la película (junto a los Multicines Monopol de Gran Canaria), que se seguirá exhibiendo en salas hasta el jueves 22 de marzo. Justo al mismo tiempo, también se puede ver en la plataforma Filmin o en la web oficial.  

Ramiro Blas.
Finalizada la proyección, se llevó a cabo una charla moderada por Miguel Ángel Rodríguez Villar en la que Josué Ramos regresó para comentar diversos aspectos de la película, aunque esta vez estuvo acompañado por Ramiro Blas, uno de los protagonistas de la misma, que interpreta al misterioso Hombre de negro.  


¿Cómo afloró tu interés por el cine?:


Creo que viene de muy atrás, desde que mis padres me llevaron de niño al Cineclub en Argentina, en un tiempo en que todo pasaba por la censura. Sin embargo, había un nido en el Cine Diagonal, donde se juntaba gente para ver una obra de arte. Así que cuando mis padres no me podían dejar con mi abuela, pude ver películas que jamás olvidaré como "Dersu Uzala" (1976) de Akira Kurosawa o "El acorazado Potemkin" (1915) de S.M. Eisenstein. 

¿Cómo desarrollaste el personaje del hombre de negro en "Bajo la rosa"?:


Debido al método de trabajo usado por Josué Ramos, yo realmente no sabía por donde iba el personaje, sólo que había un secuestro, no sabía cual era el secreto sobre el que giraba la historia, ni cual era el final. Tampoco tenía claro si era el bueno o el malo, así que en un punto lo interpreté, pero sin saber el motivo concreto.  

En mi personaje hay algo de psicópata, pero también algo de psicólogo, así que compuse a un psiquiatra. Es alguien con una sagacidad y con una manera especial para decir las cosas al resto de personajes de la historia. La experiencia de interpretar a un personaje que va tomando vida secuencia a secuencia, es muy intensa, de hecho, cuando yo vi la película por primera vez no estaba viéndome a mí, sino a un personaje liberado de mí. 


¿Qué fue lo que aportarse al film durante el rodaje de las escenas?:

Hay varias improvisaciones mías en escenas como la conversación en la cocina con el personaje de Alex (Zack Gómez), la anécdota que cuento es una que yo viví realmente, y cuando digo lo de "La cebolla no va en la nevera", también es algo mío, seguramente es algo que recuerdo que decía mi madre durante mi infancia. 

¿Qué ha significado para ti participar en un proyecto de estas características?: 

Yo después de este trabajo, y de ser partícipe de este juego en que me entregué al cien por cien, aprendí a quererme, a respetarme como actor y a romper con mis límites (hasta me atreví con la escena de la tortura con agua, y estuve goteando por la nariz un día entero). No hay mejor situación para un actor que la entrega total y el no tener temor al ridículo o a sobrepasarse. Si un director te puso donde te puso, tienes que confiar en él. Así que desde ese momento me convertí en un pedazo de mármol y me dejé esculpir por Josué Ramos. Todos los trabajos que he realizado después de "Bajo la rosa", los disfruto como nunca antes lo había hecho. Ya no me ato a un texto, a ni a una actuación previa, ni a un límite, ni a nada. Sólo me divierto con el personaje y lo dejo volar. 

Hoy prima lo fácil y todo está alcance de la mano y se basa en perfiles, nos abren todas las puertas para decirnos como debemos ser, y no como realmente somos. Por eso, que venga alguien como Josué, con una idea, que no le tenga miedo a nada, que la financie con casi nada, y que tenga la energía y la claridad suficiente  para poder compartirla, es todo un logro. 

¿Qué reacciones tienes sobre la película a través de sus distintos visionados?:

Creo que cada vez me gusta más, porque encuentro más destalles. Me sorprendo al ver como puedo haber mirado sin saber absolutamente nada, y que a la vez fuera capaz de de cerrar todo. Fue algo casi mágico.

Si existiese la posibilidad de que "Bajo la rosa" fuese adaptada al teatro, ¿te gustaría participar en su versión?:

Por su puesto. A mi me encantaría que se adaptase a este medio, me parece perfecta para el mismo. Con la película italiana "Perfectos desconocidos" (2016), ya se hizo el año pasado la versión española para el cine a cargo de Álex de la Iglesia, y ahora, también se está haciendo en teatro hasta en Argentina.   


¿Qué ha supuesto para ti el personaje del Dr. Carlos Sandoval en la serie "Vis a vis"?: 

"Vis a vis" es una serie maravillosa, y mi personaje, que precisamente es un psiquiatra, es un villano estupendo y me ha dado mucha popularidad y alegrías. Es un personaje al que se le dieron una serie de ingredientes y matices que yo necesitaba. Yo lo compongo en el modo en que dice las cosas, lo dibujo, lo escribo, lo argentinizo, busco su clímax e incluso aprendo a disfrutar de sus silencios. Mi personaje en "Bajo la rosa", sin saberlo, tiene algunos matices con él.


¿Cómo has afrontado el regreso de la serie "Vis a vis" con una tercera temporada en la cadena Fox España?: 
Hace dos años, la serie fue cancelada por Antena 3 en su segunda temporada, y ahora ha sido rescatada por Fox. Como los decorados fueron destruidos, fue necesario construir otros nuevos y trasladar la acción a otra prisión denominada Cruz del Norte. Repetimos la mayor parte de los actores, pero algunos no han podido participar porque ya estaban involucrados en otros proyectos. En abril empieza la tercera temporada, y aunque no puedo adelantar nada, vais a flipar con lo que pasa con Sandoval. 


De izquierda a derecha: Ramón Trujillo (director del Aula de Cine de la Universidad de La Laguna), Daniel Martín Yanes, Ramiro Blas y Josué Ramos.

Ramiro Blas firmando el cartel de la película.