lunes, 13 de mayo de 2019

IN MEMORIAM: DORIS DAY

Nació el 3 de abril de 1922 en Ohio (USA).

A los 12 años comenzó su carrera como bailarina y se estableció en Hollywood. Con 19 años sufrió un accidente automovilístico y por esta razón, abandonó la danza y se centró en el canción pop tradicional y en la actuación. A partir de 1939 ejerció como cantante en diversas big bands y acompañó a intérpretes como Barney Rapp, Bob Crosby y Less Brown, junto al que grabó los populares singles "Sentimental Journey" y "My Dreams Are Getting Better All the Time".

En 1948 debutó como secundaria en la comedia musical "Romanza en alta mar" de Michael Cutiz y Busby Berkeley. Luego siguió interviniendo en otros films de este mismo género como "Mi sueño eres tú" (1949), "El amor no puede esperar" (1949), "Té para dos" (1950), "Nana de Broadway" (1951), "A la luz de la Luna" (1951), "Abril en París" (1952)" "Operación matrimonio" (1953), "Doris Day en el Oeste" (1953, donde interpretó su famosa canción "Secret Love", ganadora del Oscar) . Con ellos alcanzó la popularidad y explotó su imagen cándida.


También intervino en otros largometrajes como los dramas musicales "El trompetista" (1950), "Siempre tú y yo" (1954) y !Quiéreme o déjame" (1955), así como en el thriller "Aviso de tormenta" (1951). 


En 1956 fue dirigida por Alfred Hitchcock y compartió reparto con James Stewart en el excelente film de suspense "El hombre que sabía demasiado" (donde también interpretó el tema ganador del Oscar "Que será será", otra de sus célebres canciones, y que la acompañaría durante el resto de su carrera). Ese mismo año hizo otra incursión en el género con "El diabólico Dr. Benton". 

En 1957 protagonizó la comedia "Juego de pijamas". A finales de los 50 y principios de los 60 fue una de las actrices más populares dentro del género de la comedia romántica, que le propició sus mayores éxitos. Entre estos films figuraron "Enséñame a querer" (1958), "Mi marido se divierte" (1958) de Gene Kelly, "Las indómita y el millonario" (1959), "No os comáis las margaritas" (1960), "Suave como el visión" (1962), "Su pequeña aventura" (1963) o "Apártate, cariño" (1963). 



De todas ellas, las más exitosas fueron las que protagonizó formando pareja con Rock Hudson y con Tony Randall como secundario: "Confidencias a medianoche" (1959, por la que fue nominada al Oscar como Mejor actriz), "Pijama para dos" (1961) de Delbert Mann y "No me mandes flores" (1964) de Norman Jewison. Durante esta etapa ganó tres Globos de oro como Actriz favorita del mundo en 1959, 1960 y 1963. En 1960 obtuvo su estrella en el Museo de la Fama de Hollywood. 

Al margen de estos films, también protagonizó el thriller "Un grito en la niebla" (1960) y el musical "Jumbo, la sensación del circo" (1964). A finales de los 60 fue perdiendo popularidad y protagonizó otras películas como ""Una sirena sospechosa" (1966), "Capricho" (1967), "Desafío en el rancho" (1967), "Anoche cuando se apagó la luz" (1968) y "El novio de mamá" (1968). Entre 1968 y 1973 hizo su último trabajo interpretativo en la sitcom "El Show de Doris Day", que se mantuvo 5 temporadas en antena. En 1971 también hizo una breve participación de voz en un episodio de "Jenny, la hija del gobernador". Tras retirarse de la actuación, entre 1985 y 1986 hizo su última incursión televisiva como presentadora de su propio programa, llamado "Doris Day's Best Friends". 


En 1989 obtuvo el Premio Cecil B. DeMille en la ceremonia de entrega de los Globos de oro. En lo referente a su trayectoria discográfica, y al margen de interpretar las canciones en los álbumes de las bandas sonoras de varios de sus films, también grabó los discos "You' re My Thrill" (1949), "Day Dreams" (1955),  "Day by Night" (1957), "Hooray for Hollywood" (1958), "Cuttin' Capers" (1959), "What Every Girl Should Know" (1960), "Show Time" (1960), "Listen to Day" (1960), "Bright and Shiny" (1961), "I Have Dreamed" (1961), "Duet (w/ André Previn) (1962), "You'll Never Walk Alone" (1962), "Love Him" (1963), "The Doris Day Christmas Album" (1964), "With a Smile and a Song" (1964), "Latin for Lovers" (1965), "Doris Day's Sentimental Journey" (1965), "The Love Album (grabado en 1967 y comercializado en 1994) y "My Heart" (2011). En la última etapa de su vida se dedicó a luchar por los derechos de los animales al crear la "Doris Day Animal League". En lo personal, se casó en cuatro ocasiones: Primero con Albert Paul Jorden, padre de su único hijo Terry. Sus siguientes esposos fueron el actor George Weidler (1946-49), el productor Martin Melcher (desde 1951 y hasta su fallecimiento en 1968) y Barry Comden (1976-1982). Doris Day falleció el 13 de mayo de 2019 en California (USA), a la edad de 97 años y a consecuencia de una neumonía. 








martes, 30 de abril de 2019

IN MEMORIAM: PETER MAYHEW


Nació el 29 de mayo de 1944 en Londres (G.B.). 

Trabajaba como enfermero en el Hospital Kingdom College de Londres, cuando debido a su alta estatura (2,21 m.), el productor Charles Schneer le ofreció participar en la película "Simbad y el ojo del tigre" (1977). 

Este trabajo lo llevó hasta el papel de su vida: el wookie Chewbacca en "La guerra de las galaxias" (1977) de George Lucas. Luego repitió este rol en "El imperio contraataca" (1980) de Irvin Kershner y "El retorno del Jedi" (1983) de Richard Mrquand. También lo encarnó en "The Star Wars Holyday Special" (1978); en los programas "Donnie and Marie" (1977) o "El Show de Los Teleñecos" (1980), que dedicaron sendos especiales a "Star Wars"; así como en la atracción de Disneyworld "Star Tours" (1987); o en spots publicitarios. La popularidad adquirida, le permitió ser una figura habitual en convenciones de "Star Wars".

Al margen de estos trabajos, actuó en series británicas como "Hazell" (1979) o "The Dark Tower" (1981), fue actor de doblaje en "Dragon Ball: 100 años después" (1997), y se interpretó a sí mismo en las comedias "Comic Book Villans" (2002) y "Comic Book; The Movie" (2004). En 2008 fue actor de reparto en la película "Yesterday Was a Life"

En 2005 retomó el papel de Chewbacca en "Star Wars. Episodio 3: La venganza de los Sith". En 2011 hizo un cameo como este personaje en un episodio de "Glee" y se encarnó a sí mismo en otro de "Breakin In". En 2015 lo encarnó por última vez en "Star Wars: El despertar de la fuerza", donde debido a problemas de salud, en muchas escenas fue reemplazado por el jugador de baloncesto Joonas Soutamo, que dio vida al personaje en "Star Wars: Los últimos Jedi (2017, donde Mayhew sólo fue asesor), "Han Solo: Una historia de Star Wars" (2018) y en la aún por estrenar "Star Wars: El ascenso de los Skywalker" (2019). En 2016 hizo su último trabajo en la película "Killer Ink".  


En lo personal, entre 1999 y 2019 estuvo unido a Angie Luker. Peter Mayhew falleció el 30 de abril de 2019 en Texas (USA), a la edad de 74 años y a consecuencia de un ataque al corazón. 





lunes, 29 de abril de 2019

IN MEMORIAM: JOHN SINGLETON

Nació el 6 de enero de 1968 en California (USA). 

Estudió el e Instituto Blair y en la Universidad de Pasadena City. En 1990 se graduó en la USC School of Cinematic Arts.
Un año más tarde debutó como director y guionista en el aclamado drama sobre delincuencia juvenil afroamericana "Los chicos del barrio", por la que logró ser el director más joven (con 24 años) y el primero afroamericano en ser nominado al Oscar, al tiempo que recibió otra candidatura al Mejor guion original.



En 1992 fue el director del videoclip "Remember the Time" de Michael Jackson. En 1993 dirigió a Janet Jackson y Tupac Shakur en el drama romántico "Justicia poética".

Su tercera película como realizador y guionista fue el drama social "Semillas de rencor" (1994), donde volvía a reincidir sobre el tema del racismo, algo que también sucedió en su cuarto film "Rosewood" (1997).



En 2000 también trató este tema, aunque, desde una perspectiva más comercial en "Shaft, the Return", prolongación de la famosa saga blaxploitation, con Samuel L. Jackson en el papel del sobrino de John Shaft original (Richard Roundtree). 



Luego fue el turno del drama criminal "Baby Boy" (2001). Entre sus últimos trabajos figuraron otras incursiones  en el cine comercial con la película de acción "A todo gas 2" (2003) y los thrillers "Cuatro hermanos" (2005) y "Sin salida" (2011). También fue productor de los films "Noche salvaje" (1998), "Hustle and Flow" (2005), "Black Snake Moan" (2006) e "Illegal Tender" (2007), y de los documentales "Through a Lens Darkly: Black Photographers and the Emergence of a People" (2015) y "L.A. Burning: The Riots 25 Years Later" (2017).

En televisión dirigió capítulos de "Empire", "American Crime Story", "Rebel", "Billions" y "Snowfall", esta última creada por él mismo en 2017. En lo personal, entre 1996 y 1997 estuvo casado con la actriz, directora y guionista Akosua Busia, madre de su único hijo. Falleció el 29 de abril de 2019, a la edad de 51 años y a consecuencia de un derrame cerebral. 









lunes, 8 de abril de 2019

IN MEMORIAM: HÉCTOR DEL MAR

Nació el 22 de noviembre de 1942 en Mar del Plata (Argentina).

En su país natal fue locutor y presentador en Radio Argentina, Canal Siete de televisión, Radio Bergrano, Radio el Mundo, el Canal Nuevo o Canal 13. 

A la década de los 70 comenzó su trayectoria en España trabajando en Radio Intercontinental donde ganó la Antena de Oro en 1990). También fue comentarista de partidos de fútbol en la SER (donde fue conocido como El Hombre del Gol), y luego fue locutor en emisoras como Radio España o Radio Libertad.   

Entre 1990 y 1994 fue, junto a Jose Luis Ibáñez, uno de los comentaristas de "Pressing Catch" durante la entrañable etapa donde este espacio fue emitido por Tele 5. Con la disparatada traducción de los nombres de los luchadores, sus muletillas y su inconfundible énfasis, consiguió ganarse el cariño de los seguidores españoles de este espectáculo deportivo y televisivo. Entre 1991 y 1993, ambos Jose Luis y él también fueron los comentaristas de de los shows de la WWF que tuvieron lugar en el Palau Sant Jordi de Barcelona. 

Finalizada esta etapa, prosiguió en el medio televisivo como presentador de exteriores en la etapa de !¿Qué apostamos?" emitida en 1997. A partir de 2006 y 2010 volvió a presentar "Pressing Catch" en su nueva etapa en Cuatro, donde estuvo acompañado por Fernando Costilla. En esta cadena también hizo colaboraciones comentando las reposiciones de "Humor amarillo" en 2007 o el espacio "Slamball" en 2009. Luego, Costilla y del Mar prosiguieron al frente de los comentarios de Wrestling en su paso por Marca Tv (a partir de 2010) y Neox (a partir de 2013). 

Héctor del Mar falleció el 8 de abril de 2019 en España, a la edad de 76 años, y a consecuencia de un infarto de miocardio.










martes, 2 de abril de 2019

ENTREVISTA A PEPE MANSUY: STORYBOARDING PARA ANIMACIÓN

El 1 de abril de 2019, el animador Pepe Mansuy contó su experiencia como storyboarder en una master class que tuvo lugar en la Escuela de Arte Fernando Estévez. En ella, habló de la importancia del dibujo y de cómo los profesionales planifican las escenas de animación. El presentador fue el animador tinerfeño Carlos Miranda, responsable del colectivo organizador TfAnimation, al que también pertenecen Juan Antonio González Rodríguez, Irene Calero Morales, Estefanía Calero Morales, Juan Miguel Ortiz Arandia y David Ruymán Ávila Sosa.




Pepe Mansuy es un animador con más de 22 años de experiencia en animación 2D y 3D para largometrajes, posiblemente uno de los mejores dibujantes de animación en España. Ha trabajado en largometrajes como “Los 3 Reyes Magos” (2003), “El Cid: la leyenda” (2003), “Chico & Rita” (2010), “Mortadelo y Filemón contra Jimmy el cachondo” (2014), “El Pájaro Loco: la película” (2017), Es diseñador de personajes en The SPA Studios de Sergio Pablos, storyboarder y profesor de animación 3D en las escuelas U-tad y ESDIP.




Entre sus trabajos más recientes figuran "Trajes", el episodio número 4 de la aclamada serie de Netflix "Love, Death & Robots" (2019), "Klaus" (que llegará a los cines en noviembre de 2019)  y "El bebé jefazo 2" (que se estrenará en 2021).  










lunes, 1 de abril de 2019

ENCUENTRO CON EL REALIZADOR WERNER HERZOG Y EL FÍSICO TEÓRICO LAWRENCE KRAUSS EN ESPACIO CULTURAL CAJACANARIAS



El 28 de marzo de 2019, el realizador, guionista y actor alemán Werner Herzog (5/9/1942, Bavaria) y el físico teórico estadounidense Lawrence Krauss (27/5/1954, Nueva York) ofrecieron en el Espacio Cultural CajaCanarias una charla ecológica denominada "Ciegos frente al abismo", e incluida dentro del foro de conferencias "Enciende la Tierra".

Antes de tener lugar el evento, el 25 de marzo, se proyectó el documental “Lo and Behold” (2016), dirigido por el propio Herzog. En él, se examina el pasado, presente y futuro en constante evolución de Internet, entrevistando a pioneros y profetas del ciberespacio como Elon Musk (cofundador de PayPal y Tesla), Bob Kahn (inventor de la IP o protocolo de internet) o el afamado pirata informático Kevin Mitnick. Estas provocadoras conversaciones revelan la forma en que el mundo digital ha transformado la manera en que funciona prácticamente todo en el mundo real, desde los negocios a la educación, los viajes espaciales, la asistencia médica o el cómo gestionamos nuestras relaciones personales, algo que puede acabar sumido en el caos cuando se produce un apagón tecnológico como el que ocurrió recientemente en Nueva York. 

Herzog, realizador de otros films que tratan el tema del ecologismo como "También los enanos empezaron pequeños" (1970), "Aguirre, la cólera de Dios" (1972), "Fitzcarraldo" (1982)  o el documental "Grizzly Man" (2005), tiene una experiencia personal con la naturaleza que se remonta a su infancia, cuando creció en una granja junto a su madre y hermanos, donde estuvo alejado de la civilización ("Ante esta situación, me adapté a vivir en plena naturaleza, a disfrutar del paisaje y sus recursos, y hasta solíamos buscar agua del río, porque no teníamos agua corriente ni electricidad. No descubrí el cine hasta los 11, y mi primera llamada de teléfono la hice a los 17. Fue mi madre la que me enseñó a amar a la naturaleza, y gracias a ello, entendí el daño que le ocasionaba la humanidad).  

En palabras del realizador hay varios problemas para afrontar la contaminación: "Por un lado la superpoblación del planeta; y por otro, los hábitos de consumo generan gastos materiales y de energía. Por lo tanto, tendríamos que buscar soluciones prácticas como ahorrar el consumo de electricidad, y utilizar internet para evitar realizar viajes de larga distancia. Al mismo tiempo, veo muy positiva la concienciación de parte de la juventud, con iniciativas como la de la niña sueca Greta Thunberg, y sus protestas contra el cambio climático en el mundo".

Al contrario que Herzog, Lawrence Krauss, que no creció en un ambiente rural, pero sí quedó impactado en su infancia al descubrir la grandeza de las Montañas Rocosas. Y entre sus argumentos de cara a buscar soluciones a este mismo problema, señaló que: "Los gobiernos nunca van a tomar medidas drásticas en relación al cambio climático, y que se necesita una nueva generación que cambie la política como se hizo con la indignación por la Guerra de Vietnam durante los años 70. Lo que no me parece acertado, es que las naciones pidan perdón por los genocidios de conquistadores cometidos en el pasado, es hora de afrontarlo y asumirlo, y seguir adelante, pensando en el futuro".  

En la recta final, ambos se mostraron optimistas con la amenaza nuclear, ya que piensan que las negociaciones entre Estados Unidos y Corea del Norte, se producirán tarde o temprano. 













lunes, 25 de marzo de 2019

CONCIERTO DE EUROPE EN ESTADIO EL PEÑÓN (PUERTO DE LA CRUZ)



El sábado 23 de marzo de 2019 se celebró el concierto de la veterana banda sueca Europe en el Estadio El Peñón de El Puerto de la Cruz.


El evento comenzó a las 20:00, con la actuación de los teloneros, la estupenda banda canaria Monkey Faces, que interpretaron temas como "Plastic Faces".



A las 21:30 fue el momento en que los componentes de Europe irrumpieron en el escenario: Joey Tempest (vocalista), John Norum (guitarra), John Levén (bajo), Mic Michaeli (teclados) e Ian Haugland (batería).

Con un setlist idéntico al del concierto celebrado el día anterior en el Gran Canaria Arena, buena afluencia de público y una puesta en escena austera pero efectiva, Joey Tempest destacó como un frontman carismático y dinámico, sin parar de moverse por el escenario, realizando algunos malabarismos con el pie de micro y el micrófono de mano, y gritando palabras autóctonas para conectar con el público canario como "guagua" o "chacho". El resto de la banda estuvo a un gran nivel acústico y dejaron entrever su veteranía y profesionalidad en el escenario.



Abrieron con "Walk the Earth", single homónimo de su último álbum, publicado en 2017; y "The Siege", también perteneciente a este disco (ambos con un sonido más maduro). 

Luego llegó la estupenda "Rock the Night", uno de sus mejores hits de "The Final Countdown". El repertorio fue variado, y en su mitad incluyó temas de su segundo disco "Wings of Tomorrow" ("Scream of Anger" y "Wasted Time") y  de "Out of this World" ("Sign of the Times"), que combinaron con canciones de las últimas dos décadas ("Last Look at Eden", "Firebox", "War of Kings" y "Hole in My Pocket"). 


Tras la popular y coreada balada "Carrie" y "Ready or Not", se dio paso uno de los momentos más divertidos de la velada, con Ian Haugland interpretando una versión heavy de "La Overtura de Guillermo Tell" a ritmo de vértigo.

En la recta final, regresaron a su disco más vendido con "Heart of Stone". Con "Superstitious" abandonaron el escenario, pero como era de esperar, regresaron para cerrar la correcta actuación de 90 minutos con dos hits como "Cherokee" o la emblemática "The Final Countdown", que fueron todo un fin de fiestas.


Agradecimientos: Erick Canino Magdalena (Relaciones públicas de New Event).

Redacción: Alex Medina.
Fotos: Irene Calero Morales.
  






     



domingo, 24 de marzo de 2019

ENTREVISTA AL REALIZADOR JUANMA BAJO ULLOA "LA FIGURA DEL CENSOR YA LA HACE EL PROPIO PÚBLICO"



"La figura del censor ya la hace el propio público", comentó el director y guionista Juanma Bajo Ulloa (Vitoria/1/1/1967) en la entrevista que Miguel Ángel Rodríguez Villar le realizó en la MIDEC  (Muestra Internacional de Cortometrajes de la Universidad de La Laguna), que tuvo lugar el viernes 22 de marzo de 2019. 

En este evento también se proyectó una muestra de cortometrajes ganadores como "Cunetas" de Pau Teixidor (Premio al Mejor Cortometraje); "La muñeca rota" del cineasta grancanario Daniel León Lacave (Premio al Mejor Cortometraje Canario); "Camposanto" de Pablo Adiego (Mención Especial a la Mejor Dirección); "Seattle" de Marta Aledo (Premio a la Mejor interpretación para la actriz Nuria Herrero); "Areka" de Begoña Vicario (Premio al Mejor Cortometraje de Animación); y "El mar inmóvil’, de la directora natural de Gran Canaria Macu Machín. 

La entrevista Bajo Ulloa se completó con un adelanto de su próximo proyecto, la película muda "Baby". 

QUEFUEDE: ¿Cual es su opinión de  festivales de cortometrajes como MIDEC y como fue su experiencia previa en este campo?




Juanma Bajo Ulloa: La labor de estos festivales es muy importante. Gracias a ellos, muchos realizadores ven la respuesta de su trabajo, donde a veces los premian y otras no. Si no fuera por la primera vez que proyectaron mi corto, yo no me hubiera dedicado al cine. Esto sucedió en Vitoria, ante 200 personas, y significó algo muy grande para mí, una emoción extrema, como un chute de adrenalina, y el aplauso del público significaba que no sólo lo habían entendido, sino que les gustaba. Por eso me iba apoyando en cada evento y festival, y gracias a eso, seguí haciendo más cortometrajes. Hay que reconocer que el brillo de los actores y los grandes eventos, a veces no deja ver la auténtica luz del cine, que está en la base de los que no se han formado.

QFD: ¿Cómo fue la experiencia de ganar el primer Goya en la categoría de Mejor cortometraje por "El reino de Víctor" (1989)? 

J.B.U.: A raíz de ello me di cuenta que automáticamente se pasa a otra categoría, y los compañeros empiezan a considerarte un profesional. Sin embargo, ahí también aparecen intereses comerciales y personales, en relación a como va ser tu trayectoria posterior. 

QFD: Luego ganó los de Mejor director novel y Mejor guion original por "Alas de mariposa" (1991), ¿cómo afrontó este proyecto?:

J.B.U.: "Alas de mariposa" (1991), fue mi primera película, y también fui reconocido, me concedieron entrevistas y me descubrieron. Sin embargo, es en este punto donde uno tiene dos opciones, por un lado está mantener tu libertad creativa y hacer lo que quieres, y por otro, escuchar los cantos de sirena que te van lanzando de la productoras o las subvenciones de la propia política. En mi caso, yo decidí seguir el primer camino buscando películas que hicieran pensar y tomar decisiones. 

Cuando uno quiere algo y no encuentras la manera por no encajar en una industria que está establecida de un modo determinado, puedes apartarte del camino o jugártelo todo. Yo hice "Alas de mariposa" cuando era muy joven, tenía unas ayudas pero no eran suficientes para poner en marcha el proyecto. Así que en una alarde de osadía e ignorancia suprema, y gracias al apoyo de mi madre y mis hermanos, hipotecamos la casa donde vivíamos. La osadía que tenía en aquella época, era difícil de soportar, encima en Vitoria no había tradición de cine, y tuve que buscar a los técnicos o contar con el rockero Miguen Mendizábal para la banda sonora. Cuando se estrenó, Fernando Trueba acudió a verla y me dijo que estaba muy bien, pero que como no ganase el Festival de San Sebastián, no iba a poder estrenarla. Y en mi osadía, yo pensaba que era posible, y pese a que es más fácil ganar la lotería, al final sucedió. 

QFD: ¿Y la "La madre muerte" (1993)?

J.B.U.: "La madre muerta" fue consecuencia de la buena acogida de mis anteriores trabajos, de ella me alegro especialmente de haberle dado un papel principal a Karra Elejalde, ya que corté sus escenas en "Alas de mariposa", y por lo tanto, se lo debía. Fue otro proyecto improducible y fuera del sector, que tuve que afrontar de nuevo en solitario. Es muy curioso que algunos medios la obviaron, pese a estar en el Festival de Venecia, recuerdo que en programas como "Días de cine" no la mencionaron dentro de un reportaje de casi media hora.   

QFD: ¿Cree que una película tan compleja de producir y políticamente incorrecta como "Airbag" (1997) se podría hacer hoy en día?:



J.B.U.: Yo era un mal espectador de cine español, porque pensaba que muchas de las películas que se hacían eran más cercanas al teatro filmado.  Muchas de las cosas que yo amaba como niño que iba al cine estaban en películas como "La guerra de las galaxias" (1977), "Alien, el octavo pasajero" (1979), "En busca del arca perdida" (1981) o "La cosa" (1982). Yo eso no lo encontraba en el cine español, pensaba que podía ser interesante lo que se contaba, pero que igual no le conectaba con nadie. Así que como narrador, mi máxima era que aunque al espectador no le interesara lo que estaban contando, no pudiera dejar de ver tu película, y saber jugar con el suspense de ello.

Con las comedias me ocurría lo mismo, pensaba que no tenían espectáculo y ritmo, y que se podían ver mejor en televisión, ya que lo divertido podía ser el texto y ver al actor interpretando. Pero para mí eso no es cine, para hacer una película hay que contar con un montón de elementos que se unen para hacer una narración, como los actores, las miradas, los decorados, la música, la luz, el silencio o el montaje.

Tras mis primeros trabajos, yo me había convertido para la crítica en un director de películas íntimas y dramáticas, y quería alejarme de ese encasillamiento. Por otro lado, el haber ido por libre en mis anteriores trabajos, había provocado cierto rechazo en la industria, y me estaban haciendo mobbing, no me hacían entrevistas y me ponían a caldo. Así que decidí no hacer otra película íntima, por quería seguir trabajando, de modo que empecé a desarrollar la historia de "Airbag" con Karra Elejalde, y pudimos encontrar un productor. Era una película más cara, había mucho dinero, pero tuve la suerte de encontrar a unos pelotaris y cocineros con los que coincidía en el autobús de Madrid a Vitoria, y quisieron producirla, aunque no les interesaba una mierda y lo hicieron para lavar dinero negro. La película era una osadía, porque todo lo que estaba en el guion era absurdo, y ningún productor hubiera acepto financiarla. También se salía de los parámetros de las comedias del momento, ya que había tiroteos, muchos personajes, y cosas locas e inverosímiles.

A contrario de los films realizados por Antena 3 y Tele 5, que suelen incluir galanes encabezando los repartos sin conseguir ni puñetera gracia, yo me rodeé de la gente más graciosa que había conocido, y de los mitos que yo admiraba, e hice un reparto coral: Karra Elejalde, Fernando Guillén Cuervo, Alberto San Juan, Manuel Manquiña, María de Medeiros, Paco Rabal, Rosa María Sardá, Luis Cuenca, Pilar Bardem, Karlos Arguiñano, Albert Pla, Vicenta N' Dongo, Nathalie Seseña, Santiago Segura, Ramón Barea Rauqel Meroño o Gorka Aguinagalde. Así que los junté a todos, y la película es una sucesión de superdotados, te ríes con todo lo que dicen.

QFD: ¿Pensaste que la película iba a funcionar tan bien?

J.B.U.: Hubo un momento que pensé que iba a funcionar, porque los técnicos comenzaban a repetir frases de la película como "El concepto es el concepto", "Profesional, muy profesional" o "Van a haber hondonadas de hostias". Sin embargo, el resultado superó mis expectativas, e incluso cuando salió en video, se hicieron más copias de las habituales en el cine español. 

QFD: ¿Se podría hacer una película tan políticamente incorrecta hoy en día?

J.B.U.: En aquella época no había la corrección política que hay ahora. Anteriormente existió la figura del censor, que mandaba a cortar las escenas convenientes. Sin embargo, ahora, el Estado ha conseguido que el censor no sea necesario, porque esta función ya la hace el propio público. Hasta ahí ha llegado el adoctrinamiento de la sociedad, que nos hemos vuelto indignados, y nos ofende todo, y decidimos lo que que es gracioso y lo que no. Todo se manifiesta como una agresión.  Y de este modo, te encuentras amigos en las salas, que te dicen que te has pasado, cuando antes lo consideraban divertido, y no se acuerdan que la trama de "Airbag" giraba en torno al anillo de compromiso que se perdía en el culo de una mulata o que Santiago Segura encarnaba a un político pederasta. En su época, las bromas se entendían, porque no somos psicópatas que confundimos la realidad con la ficción. ¿Entonces qué ha ocurrido? ¿qué la película ya no tiene gracia? ¿o somos nosotros? Muchas veces nos cuesta identificarnos con los censores o los represores, pero estamos más cerca de ellos de lo que creemos. El mal no está fuera, está aquí.


QFD: ¿Qué opina de que "Resacón en Las Vegas" (2009) sea una versión inconfesa y más políticamente correcta de "Airbag"?

J.B.U.: En un principio, hubo varios intentos de hacer la versión americana de "Airbag", porque ellos no compran tu película y la subtitulan, sino que prefieren hacer su propia versión en inglés. Pero por avatares del destino, el proyecto no cuajó. Uno de los productores me comentó que un hijo suyo había visto "Resacón en Las Vegas" en Nueva York, antes de que llegara a España. Luego la pude ver y era verdad, era un plagio, aunque la que era la prostituta, ahora era una stripper. Había pequeños cambios pero estaba la esencia, aunque al final no nos planteamos la demanda por plagio, porque teníamos las de perder con los abogados de los estudios, y seguramente hubieran dicho que no es plagio (que es un delito), sino que estaba basada en la nuestra y se habían inspirado. Yo pienso a que si ahora se hiciese un "Airbag" en España, sería aún más políticamente correcta que "Resacón en Las Vegas", porque en 20 años, la sociedad española ha adelantado a la americana en puritanismo. Al menos allí si Bart Simpson se baja los pantalones al lado de la bandera americana, no pasa nada. Que se le falte el respeto a un creador porque algo que hace no te gusta, es un sentimiento que se me escapa, también le pasó a Julio Medem cuando estrenó el documental "Pelota vasca"  (2003).  Si el espectador ve algo que no le gusta, es mejor que no lo vea o no lo recomiende. Pero esto es lo que hay.

QFD: ¿Cómo afrontó el éxito de "Airbag" y su carrera posterior?


J.B.U.: Yo no esperaba tener ese éxito, y era más de lo que yo tenía intención de alcanzar. Aunque muchas veces me sentía como si le hubiera robado los puros a mi padre, y la industria se portaba mal conmigo. La agresión era enorme, hubo unos comentarios críticos muy malos, pero el boca a boca fue tremendo, e hizo que la película triunfase. Recuerdo una anécdota de la revista "Cinemanía", donde a colación del estreno de mi comedia "Rey gitano" (2015), la publicación trató de recopilar reportajes de prensa y entrevistas de "Airbag" y no encontró nada, siendo una de las películas más taquilleras del cine español.  Yo en el fondo no podía seguir hipotecando mi casa y enfrentándome a un peaje que no podía pagar. Por esta razón, luego decidí seguir un camino y hacer lo que podía y quería, al tiempo que a veces que rechacé propuestas que no me interesaban.

Por eso hice películas íntimas como "Frágil" (2004), me interesé en documentales de rock como "Historia de un grupo de rock" (2008), hice videoclips, publicidad, teatro y hasta zarzuela, que ha sido una experiencia muy interesante. Y así he hecho esta carrera mucho menos en la luz, porque ahora es más difícil que me pongan foco, al no ser amigo de los medios y la industria. 

QFD: ¿Qué películas destacaría de la historia del cine español?

J.B.U.: Salvo muchas, hay películas muy meritorias, que no solo están en la historia del cine, sino que son parte de nosotros y de nuestra cultura. Desde "Atraco a las tres" (1962) de Jose María Forqué, "El verdugo" (1963) de Luis García Berlanga o el cine de Buñuel. También me interesan películas de compañeros míos como Julio Medem, Benito Zambrano  ("Solas", 1999) o las primeras de Alejandro Amenábar, que me parecen grandes películas, con una narración extraordinaria.  Es cierto que no soy un fanático del cine español, me gustan más otras cinematografías, pero reconozco que salvo muchos títulos.


QFD: ¿Cómo fue su implicación en el proyecto de la película de "El Capitán Trueno" y por qué se apeó de él?

J.B.U.: Es un proyecto que se inicia en el año 1999. Yo estuve trabajando casi un año con Filmax, escribiendo un tratamiento y un guion. Hicimos varias versiones y el guion se presupuestó en una gran cantidad de dinero, se necesitaban 20000 millones de pesetas. Era una película que debía ser un espectáculo, rodada a la americana. La promoción hablaba de la película más cara del cine español. Iba a ser una película de aventuras, pero no iba a ser para niños, iba a tener rigor histórico. En medio del desarrollo, la productora me reconoció que no podían tener 2000 millones, pero sí 700, pero que con mi imaginación y talento, se podría paliar la falta de medios. Yo le respondí a los productores que el de los peces y los panes había muerto hace 2000 años, y me fui del proyecto. Creo que hice bien, porque iba a ser una mala película, con un equipo explotado con 14 horas de trabajo. Y como no iba a ser lo que le habíamos vendido al público, me marché. Creo que hubiera sido el más perjudicado.



QFD: ¿Qué opina de la irrupción de las plataformas de streaming como alternativa a que los cineastas puedan desarrollar proyectos con mayor libertad que las televisiones generalistas?

J.B.U.: Hace tiempo que no creo en los Reyes Magos, y todo supuesto regalo está envenenado. Tele 5, Antena 3 y otras, tienen también un interés político, y hay un adoctrinamiento. En plataformas como Netflix podría haber un hueco de mayor libertad, pero yo no creo en ello, porque el cine es un juguete muy caro, y siempre vas a pagar el peaje. De hecho, aquí empiezas pagándolo con la condición de que tu obra no va a ir a los cines, sino a la televisión. Yo cuando he concebido un producto para televisión, lo he narrado de una manera diferente a uno de cine, que varía en cuanto a encuadres y puesta en escena. Uno puede ver una serie en una pantalla enorme, en un móvil o en una tablet, pero por ejemplo, ver los cortos de este festival en una tablet, es una liturgia muy diferente. Por eso pienso que las plataformas tienen una parte negativa y otra positiva. Si me permitieran que las películas se pudieran ver antes en cine, estaría encantado de trabajar con ellas. 








sábado, 23 de marzo de 2019

ENTREVISTA A LOS ANIMADORES MATIAS MARCOS Y MIGUEL ÁNGEL FUERTES "LA MEJOR ESCUELA DE ANIMACIÓN ES LA FRANCESA GOBELINS"

"La mejor escuela de animación es la francesa Gobelins", comentó el animador español Matias Marcos en la master class y charla que el colectivo TF Animation (integrado por Carlos Miranda, Juan Antonio González Rodríguez, Irene Calero Morales, Estefanía Calero Morales, Juan Miguel Ortiz Arandia y David Ruymán Ávila Sosa) organizó en la Escuela de Arte Fernando Estévez, el pasado 22 de marzo de 2019. 

Este evento conducido por Carlos Miranda, también contó con la participación de Miguel Ángel Fuertes, otro profesional del mismo campo. 

De manera paralela, el salón de actos del centro albergó una exposición con dibujos originales de ambos artistas, relativos a series como "Los Picapiedra", "La tropa Goofy", a la película "El Cid: la leyenda" (2003), o a los cortometrajes de Miguel Ángel Fuertes "El espíritu de Olympus" (1983) y el aún en preparación "Sigma".



Matías Marcos centró su master class en explicar como funciona la técnica de animación conocida como Lápiz Azul, en la que se dibujan bocetos iniciales con un lápiz de este color, con el fin de usarlos como referencia, y con la ventaja añadida de que, posteriormente, son fáciles de borrar.


Quefuede: Matías Marcos, ¿cómo fueron sus inicios en el campo de la animación?:


De izquierda a derecha. Carlos Miranda, Miguel Ángel Fuertes y Matías Marcos. 

Matías Marcos: Cuando yo empecé, en los 70, no había escuelas de animación, pero mi pasión por este arte me llevó trabajar en el estudio de de animación de Filman, donde el equipo (entre ellos también estaba Miguel Ángel Fuertes) se encargaba de dibujar series norteamericanas de Hanna-Barbera como "Los Picapiedra", "Los Supersónicos" o "Godzilla". En aquella época estaba tan entusiasmado por mi profesión, que no tuve vacaciones en 6 años, ya que nunca lo he considerado un trabajo como tal. Allí aprendí muchísimo, y recuerdo que en alguna ocasión llegamos a recibir la visita de William Hanna en nuestras oficinas.


QFD: ¿Cómo fue la experiencia de trabajar experiencia en la película "Katy, la oruga" (1984) de Jose Luis y Santiago Moro. 

M.M.: Yo fui uno de los muchos dibujantes que abandoné Filman, y luego volví a coincidir con Miguel Ángel en los Estudios Moro. "Katy la Oruga" (1984) tenía una animación muy cuidada que recordaba al estilo Disney, y donde colaboramos profesionales de varios países, hasta se contó con animadores norteamericanos.

Miguel Ángel Fuertes: José Luis Moro (que fue uno de los creadores de "La Familia Telerín"), era muy exigente, buscó la perfección en este largometraje, y de ahí sus resultados.  


QFD: Matías Marcos, ¿fue difícil trabajar en las películas animadas de "Astérix"?:

M.M: Al ser un gran fan de los álbumes de Astérix de Uderzo y Goscinny, hice un viaje a Francia junto a mi amigo Raúl García, que también trabajó en "Katy", con la intención de entregar unos bocetos en el estudio de animación que realizaba las películas. Al final tuvimos la suerte de que nos seleccionaron. Yo acabé trabajando en tres: "Astérix y la sorpresa del César" (1985), "Astérix en Bretaña" (1986) y "Astérix: El golpe del Menhir" (1989). Coincidí con un equipo de animación excepcional, donde había animadores franceses, ingleses o canadienses. Uderzo y Goscinny estaban involucrados en ellas, pero nos daban libertad creativa para desarrollar nuestros trabajos.


QFD: Matías Marcos, ¿qué diferencias encontró en sus trabajos televisivos y cinematográficos para Disney?

M.M.: Hay una diferencia entre trabajar con más tiempo y medios en proyectos para el cine como "Patoaventuras, la película: El tesoro de la lámpara perdida" (1990) o "Goofy e hijo" (1992), que hacerlo en series como "Aventureros del aire" o "La tropa Goofy". Para el estudio también he seguido colaborando en "Phineas y Ferb" y realicé los animatic (pruebas de animación) de su especial de "Star Wars" en 2014 (que fueron proyectados durante la charla).  

QFD: Matías Marcos, ¿cuál ha sido su trabajo más dificultoso?

M.M.: Fue el cortometraje de Disney "Mickey y su cerebro en apuros" (1995). Se trataba de un relanzamiento del personaje, y su director Chris Bailey exigió que siguiéramos unas directrices muy complicadas.  

QFD: Miguel Ángel Fuertes, ¿cuáles han sido tus intenciones a la hora de trabajar en la animación y que proyectos que preparaste se quedaron en el camino?:


M.A.G: Desde que vi "Fantasía" (1940) de Walt Disney, siempre busqué la manera de alejarme del concepto de la animación infantil, porque pensaba que se podían contar historias adultas. Creo que la serie de Netflix "Love, Death and Robots" se acerca a lo que me hubiera gustado hacer.

Entre los proyectos que no pude realizar figuró una serie animada que adaptaba al cómic "Super López" de Jan, fue una lástima, porque una serie de problemas personales, me lo impidieron. 

Miguel Ángel Fuertes, ¿cómo fue su experiencia americana?:

M.A.G: Aunque no podía creérmelo, logré entrar en Amblimation y trabajar para Steven Spielberg en "Fievel va al oeste" (1991), "Rex, un dinosaurio en Nueva York" (1993) y "Balto" (1995). Y respecto a mis trabajos en Industrial Light and Magic, le tengo mucho cariño al personaje de Sebulba en "Star War. Episodio 1: La amenaza fantasma" (1999). 

QFD: ¿Cuál creen que es la mejor escuela de animación actualmente?

M.M.: Sin lugar lugar a dudas es la francesa Gobelins.

M.A.F.: Estoy de acuerdo, la gente que sale de Gobelins es superior incluso que los animadores que trabajan en Disney. No se como nadie va a superar eso. Aunque tenemos en España algunas muy buenas coo ESDIP, ESNE, Lightbox, Trazos, Ars y otras muchas.

QFD: Matías Marcos, ¿cómo ve el futuro de la animación en Canarias?:

M.M. Pienso que es un mercado a tener en cuenta, y cada vez es más habitual ver estudios de animación en las islas. 

QFD: Miguel Ángel Fuertes, ¿en alguna ocasión han tenido intención de abandonar la profesión?

Miguel Ángel Fuertes: Todos los días de mi vida se me ha pasado por la cabeza, y en más de una ocasión he llorado al no poder completar un trabajo correctamente, sin embargo, luego sigues adelante y encuentras la inspiración para terminarlo. 

QFD: Miguel Ángel Fuertes, ¿qué opinión le merece los remakes en imagen real de los clásicos de Disney?

M.A.F: Se hacen sólo por dinero. Pero el público tiene el poder de decidirse a no ir a verlos. Si la gente lo hace, y empiezan a perder millones de dólares, dejarán de hacerlos.